時間：2023-07-09 09:01:31
開篇：寫作不僅是一種記錄，更是一種創造，它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感，將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的12篇藝術創作特點，希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友，陪伴您不斷探索和進步。
一、 油畫藝術中的色彩
繪畫作為社會藝術形式的一種表現樣式, 它的存在標志著社會和時代的意識發展狀況。古典油畫由于追求形的真實恒久其畫面色彩單純，色彩多以復色和間色繪制，他們追求在二維的畫面上塑造雕像一樣實在穩定的形象，構圖追求穩定，強調形體邊界清晰的輪廓感，是一種最明晰的語言，反對玩弄色彩的魔術，反對花里胡哨的東西。印象派繪畫研究的是物理學自然現象，是一套新的色彩觀和繪畫表現手法，它完成了繪畫中色彩造型的變革，將光與色的科學觀念引入到繪畫之中，革新了傳統的固有色觀念（古典繪畫），創立了以光源色和環境色為核心的現生色彩學，并運用到現代學院教學，為現代藝術的產生奠定了基礎。現代派繪畫大師畢加索的藍色時期的繪畫作品開啟了油畫刻畫主觀感情及表達的先河，同時也是現代色彩心理學在繪畫中的首次運用。表現主義的先驅蒙克將主觀感情的表達與色彩藝術語言融合更是發揮到極致。其后抽象表現主義在色彩運用上綜合了后印象派、野獸派及表現主義繪畫的色彩特點，用色彩來表達一個非具象的世界。波普藝術的色彩早在20世紀的50年代已應運而生，藝術家一方面在反思藝術的走向，另一方面又在反思當下的生活，他們認為最好的藝術應該就是生活，于是他們的藝術作品便大量取材于生活中實物，譬如廣告招貼畫、譬如娛樂明星、譬如生活中的湯罐之類的東西，都是生活中觸手可及的材料和現成品，其色彩鮮艷時尚充滿商業性……
二、油畫色彩的主觀性和裝飾性
油畫色彩的主觀性是相對客觀對象本身所呈現的色彩而言的。藝術家在畫面上不再現或不完全再現自然物象的真實色彩感覺，而是根據作品主題和畫面的需要對色彩進行再創造，使它成為具有個性的藝術語言，以表達主體的情感、意念，使油畫作品獲得更強烈的視覺表現效果和特定的精神內涵。
色彩從遠古時期就是人們裝飾生活、美化生活的主要手段。古代先民用紅黃白等顏料涂抹身體和臉部來裝飾自己。隨著文明的發展，色彩的裝飾功能被更多地發揮利用，在陶罐上描繪花紋，在建筑物上鑲嵌彩色馬賽克，在紡織品中交織印染各種絢麗的圖案色彩的這種裝飾作用，在油畫中也得到體現。19世紀末的后印象主義、納比派、維也納分離派、野獸派等，在印象派的基礎上，又吸收了東方藝術中的單純感和平面感，追求那種音樂般令人愉快的色彩組合，因此油畫色彩更具有裝飾性。
三、當代藝術家油畫作品的色彩語言
大衛·霍克尼(David Hockney)是英國最杰出的畫家之一，他被稱為是“英國活著的最出名畫家”，其繪畫對色彩的應用上更具有主觀性，而非科學、理性地對客觀對象進行描摹、再現。畫面色彩更加具有形式感和繪畫性，不再是二維平面對三維空間的模仿。 其繪畫在色彩的運用上多使用純色及對比色，畫面中的色彩強烈而單純，畫作辨識度極高，鮮亮不羈的用色、富于創造力的構圖，都使得觀眾一眼難忘，數十年中霍克尼繪畫都吸取這種波普藝術的用色特點，又創造性地融入他的繪畫之中。
中國藝術家方力鈞在早期進行一些黑白單色繪畫實驗之后,一方面繼續畫單色畫, 另一方面逐漸通過限制色彩來進行新的嘗試,后期大部分作品突出四種基本色彩:紅色、黃色、灰藍色和綠色。畫面沒有一筆是以寫實的色彩描繪,卻營造了一種夢幻的真實。作品《2001.9.23》,整幅畫面給人的第一感覺就是色彩單純、艷麗,透露出一種“世俗”的藝術追求,畫面運用高純度的紅、黃、藍、綠等呈現出色彩關系的極度不和諧性,畫面上人物的笑容都是那么的無聊庸俗,以至于這種頹唐而夸張的笑讓人感到靈魂早己滯滅的行尸走肉般的窒息。人物面部與身上衣服色彩處理幾乎一樣, 畫面上藍色的山脈加之鮮艷的紅花、黃花等所營造的氛圍，都表現出藝術家對于單純色彩所產生的強烈藝術效果的極力追求。
數字媒體技術作為新時代的產物，為社會生活交流提供了更為豐富的傳播平臺，在藝術設計創作中，為藝術設計提供了新的發展模式，使藝術創作獲得更加持久的生命力。通過數字媒體技術與藝術創作緊密的結合，創新了藝術創作形式，縮短了傳統的藝術觀念與商品之間的距離，增強了藝術的親和力。
二、數字媒體技術的含義
數字媒體技術是以信息科學為主導，將信息傳播技術應用于媒體、教育、娛樂、廣告等多個行業的信息媒體技術。數字媒體技術結合了計算機圖形學，網絡技術、通信技術、媒體交互、數字音頻處理技術等多項技術，通過網絡通信技術以及計算機完成對文字、圖像、音頻等信息的處理，將分散單一的信息組合轉換成具備一定觀賞性的藝術作品進行傳播，是一種兼具操作和實踐的應用技術。
三、數字媒體技術的特點及現狀
數字媒體技術是現代化的信息技術，相比于傳統的信息傳播技術，數字媒體技術以網絡和計算機為平臺，操作更為方便，由于減少了傳統傳播下手工制作的步驟，在很大程度上提高了工作效率。網絡傳播的便捷高效性，使得數字媒體技術在信息傳播中的交互性更高，使得信息資源實現網絡共享的最大化。數字媒體技術也是一種能夠呈現模擬畫面，構建虛擬世界的技術，這讓很多現實生活中無法達成的設想、構思，能夠獲得一個具象化的途徑。數字媒體技術還是一門具備較強綜合性的技術，能夠將圖形、音頻等元素結合起來，創造出多彩的數字影像。
四、數字媒體技術的發展
互聯網技術促使藝術作品突破舊有的單一傳播渠道，以一種更好的形式被大眾所接受，要保持數字媒體技術的發展，不僅需要更為國際化的平臺作為支撐，還需要打造好本土化的文化內涵。不再是單純的抄襲，藝術創作者應該發揮文化產業的特點，同時提高自身藝術修養，創造出富有內涵的藝術作品，不能是簡單的利用數字媒體技術將藝術創作變成流水線上平凡的產品。
五、數字媒體技術對藝術創作的影響
1、豐富藝術形式，拓寬表現形式。
傳統技術下的藝術創作，很多虛幻、天馬行空的藝術概念受限于傳統技術而無法得到實現，隨著數字媒體技術的不斷成熟發展，這些在過去看似虛無縹緲的想法達以實現。在電影中，各種現實與虛幻，空間和時間的折疊，都能夠借助計算機，通過數字媒體技術，融合更多的藝術效果，創造出意想不到的場景。數字媒體帶來的多媒體影像處理技術，打破過去受限的表現形式，運用計算機程序將虛幻的場景、角色同現實有序的結合起來，能夠更為直觀的營造出虛幻的意境。虛擬設計實現的可能性，大大拓寬了藝術創作者的創作思維，能夠更加自由的完成各種不受束縛的藝術創作，這無疑增強了藝術作品的設計感和可觀賞性。
2、提高藝術創作的效率。
藝術創作是個漫長的過程，但隨著數字媒體技術的不斷成熟完善以及計算機技術的不斷發展，原先冗長的人力輸出逐漸被計算機取代，數字媒體技術也在不斷縮短工作周期。原先需要一整個大團隊耗時完成的任務，在現在有了數字媒體技術加入后，可能小團隊且耗時不多便能得到解決。
3、增加藝術傳播的互動性。
藝術的傳播在過去存在單一、不靈便的缺點，數字媒體技術有效的改變了這種傳統的媒介傳播形式，增強了藝術創作的互動性，使藝術創作成為一種可以實現人機交互，可以與受眾進行互動的一種藝術形態。數字媒體技術使藝術創作者能夠利用數字化的語言形式與觀眾進行互動交流，通過網絡技術實現不受空間限制的雙向交流，這都有助于現代藝術的傳播和推廣。
4、創新藝術創作。
數字媒體技術融合了多領域多學科的技術內容，現代藝術創作應用數字媒體技術就是將藝術表現形式與電子信息技術、互聯網技術、多媒體技術等有效的結合起來，既體現了藝術感，又變現了現代科學技術的創新與發展。藝術創作中數字媒體技術的應用，改變了過去傳統的藝術形式之間相互獨立的情況，突破了不同藝術類別之間的界限，將多種多樣的藝術形式結合在一起，結合各種藝術形式的優點，創作出一種多元化的藝術新形態。
5、對藝術創作的挑戰。
數字媒體技術的發展為藝術創作帶來新的契機，但同時也存在兩面性，在運用數字媒體技術進行藝術創作時，面對數字媒體技術的可移植性與藝術創作的原創性之間的矛盾，數字媒體技術世界化與藝術創作本土化的矛盾，技術的刻板與藝術感性的矛盾，都需要在創作過程中做出合理的調整，集眾家之所長，融入文化內涵，最終達成藝術創作的新高度。
六、結言
關鍵詞：新媒體技術;繪畫藝術;創作;傳播
當下，新媒體技術對社會的影響廣泛而深遠。每個行業都在探索新媒體技術的影響及策略，藝術領域也不例外。有研究認為，隨著新媒體技術逐漸向移動化、互動化、人性化、個性化和智能化方向發展，“藝術世界從外在進入室內，從實在進入虛擬，從公共進入個人，從過去進入現在，從經驗進入體驗，從鑒賞進入瀏覽”，帶給藝術接受者更震感的審美享受。同時，“新媒體傳播技術的發展使得傳統繪畫藝術形式在傳播上突破了原有的報刊與雜志等傳統局限，借助先進的通訊技術、數字化技術等，實現藝術信息傳播。”學者范美俊認為，藝術傳播借助于一定的物質媒介和傳播方式，將藝術信息傳遞給接受者的過程，這一過程中藝術信息實現了在時間上的遷徙、變動、蔓延、實現公共化或社會化。繪畫作為藝術的一種主要形式，也深受新媒體技術的影響。新媒體技術深刻改變著繪畫藝術復制的手段，更改變著繪畫藝術傳播的渠道和方式，但新媒體技術如何改變繪畫藝術的創作和傳播，如何在新媒時代有針對性地提升繪畫藝術的創作和傳播策略對于其發展而言至關重要。
一、新媒體技術與繪畫藝術的發展
繪畫藝術是創作者用繪畫技法把自己的內心感知表達出來的一種方式。傳統繪畫藝術是借助筆和顏料等工具，在書寫介質上描繪出可視化形象的藝術。繪畫主要是靠人的自然器官進行感知，然后加工形成意象，最后創作出繪畫作品。畫家要創作出有美學底蘊和社會反思的作品，需通過眼睛觀察外部世界，深入感知對象，然后才能“胸有成竹”，把“形象”展現出來。隨著繪畫技術的進步，繪畫藝術的創作和呈現越來越立體、具有人文色彩和層次感。早期的繪畫藝術常使用的顏料為炭黑，主要通過手工繪制到巖石壁面上，后來出現了用羽毛做畫筆或以動物的血為顏料進行畫作創作的方式。隨著社會發展，人們學會了萃取各種顏色進行繪畫，使繪畫藝術越來越具有藝術性。而新的技術使繪畫藝術創作者能夠使用油畫進行創作，這進一步改變了繪畫藝術的創作技術和手法。新媒體技術的發展，給繪畫藝術帶來了新的變化。一是技術發展豐富了繪畫的展現和傳播形式。新媒體技術使繪畫創作不再拘泥于畫筆、顏料等工具，藝術創作者可以對作品無限次修改，可進行無限傳播。二是傳播渠道進一步增多。“以網絡媒體、數字電視、手機媒體為代表的新興媒體實現了對傳統媒介的整合和替代，拓展了傳統繪畫藝術傳播的渠道”，新媒體繪畫藝術的大眾性特征明顯。三是藝術接受者的主體地位凸顯。新媒體技術整合后的傳播媒介，重新構筑了藝術創作者和藝術接受者的關系，使藝術接受者的主體地位大大提升。在新媒體時代，創作者要著重思考如何使繪畫藝術傳播的形式更加有趣，符合主流的傳播趨向；創作技法的創新和載體的數字化，也使繪畫藝術作品的呈現形式趨于立體化；藝術接受者也得以主動參與到繪畫的創作和欣賞中。這些變化不僅豐富了繪畫藝術的傳播渠道，也滿足了藝術接受者的審美需求，擴大了繪畫藝術的傳播范圍。
二、新媒體技術對繪畫藝術創作的影響
新媒體技術不斷向縱深化方向發展，使繪畫藝術創作者的創作技法、創作題材和創作過程都發生改變。新媒體時代的用戶有“主動性與被動性共存”的特點，互聯網資源的無限性與傳統思維的局限性對繪畫藝術創作產生了重要影響。1．創作技法驅動新的感觀體驗。“技術進步對于藝術創作觀念的影響及其顯著變化，可以從藝術史的線性發展中清晰地體現出來”。不同于傳統，新媒體技術驅動下的繪畫藝術創作不再是簡單的意義象征，而更多的是觀念的表達。新的觀念使繪畫藝術能同時調動人的不同感官，給人“真實”體驗。當前，虛擬現實技術下創作的繪畫可以給人帶來多感官體驗，給人身臨其境的藝術體驗。尤其是虛擬現實和AI藝術的創作者突破傳統繪畫藝術的思維方式，給藝術接受者帶來全新的感官體驗。其中，虛擬現實技術可以為藝術接受者提供交互式全景繪畫，使藝術接受者愉悅地沉浸在場景之中，形成感官刺激，從而產生獨特的審美體驗。比如，以數字化三維虛擬空間數碼創作的水墨山水，這種創作形式豐富了新媒體技術的視覺表達方式，開辟了山水畫創作的新視野。尤其是基于FlowSpeed的樹木花草生長動畫，基于重力、風力等定義對風吹樹動的模擬動畫，就能夠給藝術接受者帶來身臨其境般的感覺。2．創作題材趨于廣泛生動。對于繪畫藝術創作來說，尋找不同的題材是完成優秀創作的必備條件。在傳統繪畫創作中，創作者的題材來源于生活，和自己的生活感受息息相關，創作者需要親身體悟生活，從而在生活中凝練情感，訴諸筆端。新媒體技術時代，創作者可以突破自己的空間、時間限制，體驗到來自于不同身份背景的生活情境，從這些情境中升華出更有價值的題材。而大數據、云計算、物聯網等技術的不斷發展，使創作者對已有題材和題材內涵的再理解有了更豐富的技術基礎支持，借助這些技術，創作者能夠將自己已經搜集的題材信息進行保存，并深入理解題材的內涵。3．創作過程基于“互動”場景完成。互動性是新媒體傳播最重要特點之一，通過虛擬現實和AI技術挖掘新媒體交互藝術的深層內涵，能夠為繪畫藝術創作提供真實的“互動”情境。而基于新媒體技術的“互動”是“創作者”和“接收者”可以共同創作繪畫作品，繪畫藝術的創作者可以通過新媒體技術，吸引藝術接受者參與藝術創作，共同完成繪畫作品。隨著場景時代的到來，場景傳播已經成為增強用戶黏性的主要傳播路徑，在這樣的場景中藝術接受者不再是被動的接受者，他們不僅可以參與藝術創作，還可以接收和重新定義繪畫藝術作品。這種雙向互動的方式也給繪畫藝術的創作帶來了全新的思路。
三、新媒體技術對繪畫藝術傳播的影響
當今的繪畫藝術創作、傳播都和新媒體技術息息相關。從藝術接受者的維度來說，藝術傳播者如能基于藝術接受者需求，理解新媒體時代的新變化，從身份轉換、互動傳播、接受者主體性三個方面進行思考，做到“目中無人”“心中有人”，便可以大幅度提高藝術接收者的接受度、感知度和依從度。1．傳受模糊：藝術接受者的“新特點”。新媒體技術的發展使繪畫藝術的傳播主體發生了變化，傳統意義上的創作者和接受者的身份進一步模糊。對于傳統意義上的創作者而言，使用新媒體技術進行繪畫創作，創作者的意圖“會改變大眾傳播媒體的本質，‘推’送比特給人們的過程將一變而為允許大家或他們的電腦‘拉’出想要的比特的過程”，藝術接收者自主選擇的成分加大。繪畫藝術傳播對象從“藝術家”向大眾轉變，促使藝術創作者在創作質量、數量和方法上絞盡腦汁地進行對象化改良，促使藝術接收群體范圍增大。在創作過程中，鑒于繪畫藝術創作者同藝術接受者“共同”完成，創作者也同時成為藝術作品的鑒賞者或接受者。新媒體時代繪畫傳受身份模糊，必然要求藝術傳播者對接受者的需求進行把握，而新媒體技術使繪畫作品可以數字化復制，傳播途徑日趨豐富，普通公眾接受和傳播繪畫藝術更為方便。普通公眾作為藝術接受者，由于生活經驗、藝術鑒賞能力不同，繪畫作品會帶給他們審美體驗自然不同。藝術傳播者要充分考慮到不同接受者的差異化需求變得十分重要。2．互動傳播：藝術接受者的“新要求”。新媒體是相對于報刊、廣播、電視等傳統媒體而言的新興媒體，以電子和網絡傳播為主要傳播方式。新媒體技術是指依托數字技術、網絡技術、移動通信技術等形成的新的傳媒技術。新媒體技術最大的特點就是互動，對繪畫藝術來說互動是指藝術傳播者和藝術接受者之間的互動。在傳播過程中，藝術創作者作品后，可以第一時間獲取藝術接受者反饋，完成一個完整的互動過程。借由新媒體技術，實現三維或四維立體互動傳播，體現出更強的互動特點。在4D和AI智能傳播中，藝術接受者可以充分調動視覺、聽覺和觸覺，實現自身沉浸在繪畫藝術的情景中，獲得美的享受，同時將自己的感覺反饋給藝術傳播者。基于新媒體技術的繪畫藝術更具有互動性、生動性和趣味性，更容易引發共鳴，可以說，“互動”是新媒體時代藝術接受者的“新要求”。3．主動接受：藝術接受者的“新姿態”。傳統的繪畫藝術傳播主要是通過實物作品和大眾媒體進行單線傳播。藝術傳播者在整個傳播過程中起決定因素。但是，由于傳統藝術傳播形式途徑相對單一，且信息不夠完整，藝術接受者經常處于被動接受的地位。而新媒體技術的發展，不斷影響著繪畫藝術的傳播環境和渠道。在新媒體語境中，繪畫藝術的接受者已經不再是被動接受，而是主動獲取信息，這也增加了藝術接受者接觸優質繪畫作品的機會，使接受者能夠更加自主地選擇繪畫藝術作品。因此，在新媒體技術的語境下，“主動”成為藝術接受者的“新姿態”。
四、新媒體時代提升繪畫藝術傳播效果的策略
新媒體時代，繪畫藝術借助技術力量，使創作水平和傳播策略產生了深刻變化。但從總體來看，繪畫藝術要在新媒體時代達到更好傳播效果，仍需在以下幾個方面下工夫。1．創新多元化傳播載體。新媒體技術可以帶給藝術接受者美好的藝術體驗，一些藝術傳播者善用載體，開發了諸多優質的傳播載體，拓寬了傳播渠道。比如，故宮博物院制作的8K高清技術4D動感影像《清明上河圖》就是代表，這使藝術接受者能夠通過新媒體技術沉浸在畫面的歷史文化氛圍中，具有較好的審美體驗。在繪畫藝術的傳播中，藝術傳播者要善用新媒體技術，創造多平臺的藝術傳播載體，使藝術接受者有機會欣賞到繪畫藝術的魅力，增強繪畫藝術的傳播效果。2．增強互動交流。從藝術創作到藝術傳播再到藝術接受，是一個復雜的過程。傳統的繪畫藝術作品傳播到接收者那里，讓接受者產生美的愉悅也是個復雜的過程。新媒體技術改變了繪畫藝術的創作和傳播方式，也使繪畫藝術接受群體發生了變化。繪畫藝術唯有抓住技術特色，滿足接受者的需求，提升互動體驗，才能收到較好的效果。3．實現繪畫藝術精準傳播。新媒體時代繪畫藝術的精準傳播，可以從兩個方面考慮：一是標簽化接收對象，實現精準傳播。新媒體時代，繪畫藝術傳播也需要給接受者畫像，研究他們偏好，獲取他們的觀賞環境、審美能力、藝術素養、文化素養和人生閱歷等信息，以此為基礎為用戶制定特定標簽。基于對“藝術接受者”畫像，藝術傳播者可以據預測傳播場景中藝術接受者的需求進行傳播，使繪畫藝術傳播更加具針對性，更有“對象感”。二是分析用戶接受特點，使用精準傳播方法。新媒體時代除了要分析藝術接受者自身審美素養外，也要“心中有人”，充分考慮藝術接受者在新媒體時代的大眾化和分眾化特點，研究藝術接收者的“碎片化”接受習慣，使用藝術接受者敏感度較高的傳播方法進行精準傳播。
關鍵詞：數字媒體；數字技術；藝術本體
0 引言
有人說藝術是反映社會的一面鏡子，有什么樣的社會，就會繼而產生有之密切相關的藝術形式，隨著數字科技的發展與電腦的普及，視覺工作者開始改變傳統的以紙和筆記錄社會變化發展的方式，開始使用電腦與數字科技來描述生活、表達思想、傳播信息。一種被稱為數字媒體的新藝術形式應運而生并在上世紀末獲得了迅猛發展。是一個年輕、多元、高速發展著的新藝術領域，數字媒體藝術不是特指某一種特定的藝術形式，而是基于現代計算機數字平臺創造出的多種媒體藝術形式。
1 新時期數字媒體藝術界定
數字媒體藝術是在計算機技術與網絡媒體發展的大環境下產生的新藝術形式，信息技術是數字媒體藝術產生的先決條件，同時也為數字新媒體藝術的進一步發展提供了廣闊的空間與技術支持。目前學術界對數字媒體藝術的范圍界定基本可以概括為：以計算機數字化技術為支撐，革新藝術方式，打破傳統藝術創作手段、傳播途徑與承載媒介，由功利到審美，繼而在倫理界發生深刻變革的一種新型藝術形態。
數字媒體藝術的產生，是人們對更高層次的審美追求的結果，傳統的藝術形式如版畫。雕塑等只能滿足人們的視覺需要，但是視覺只是人們多種感知方式之一，還有味覺、觸覺、嗅覺等。對于傳統藝術形式的作品而言，永恒性與靜態性是其明顯特征，人們對于作品中所包含的信息只能被動接受，正是在這樣的原有資源不能滿足審美需求的情況下，數字媒體藝術應運而生，它不但能夠運用豐富多樣的藝術形式更高更快的傳達信息，同時人們可以加入到其中進行藝術的創作，并且他們的參與體驗作為作品的一部分被記錄下來。
2 新時期媒體藝術的特點
數字媒體藝術包含了多種學科的元素，導致科學技術和藝術的區別越來越不清晰。新時期的媒體藝術特點表現在：
2.1 技術特征明顯
所謂技藝，傳達的信息是技術與藝術是分不開的，藝術的發展需要技術來做支撐，傳統藝術由于其強大的感染力，技術的作用并沒有得到重視與發揮，隨著經濟技術的發展與數字媒體藝術的興起，科學技術與藝術的關系日益密切，技術的重要性日漸凸顯，更多的人開始關注技術，甚至發展到關注技術本身，因為這是實現藝術創作的必經途徑。隨之而來的是現代藝術對科學技術的依賴性越來越高，技術成為藝術創作的重要組成部分。
2.2 數字化創作與表達方式
數字媒體藝術作品的創作與展示都離不開技術，計算機的軟件是實現藝術創造的工具，計算機硬件與投影設備是展示藝術作品的手段，與傳統藝術作品不同，數字媒體藝術是以0和1構成的虛擬數據為承載媒介，而非實際存在的自然界物質元素。因此，數字媒體藝術與傳統藝術相比在作品的創作與展示上都有很大區別。
2.3 信息傳播途徑多感官化
目前在電影院看故事片的人越來越少，視聽感受強烈的動作、科幻電影受到了人們的青睞，追求多感官享受與真實空間感的數字化立體電影是影響未來的發展方向。數字媒體藝術作品的多感官信息傳播途徑不是將人體感受機械撮合，而是在融合之中保留各個器官的不同。數字媒體藝術的多感官信息傳播途徑融合了計算機技術、網絡與通訊技術、音樂學、影視學、藝術美學等多種學科的藝術創作形態，最終協同為一體。
2.4 數字媒體藝術的偶發性與交互性
數字媒體藝術作品的創作有時是由計算機操作程序進行控制，在此可以將計算機理解為創作者與觀者的對話媒介，二者通過計算機實現信息的傳遞與反饋，在數字媒體藝術中，觀者同時也是參與者和創作者，參與方式不同，感受到的藝術表現形式也不同。數字媒體藝術作品由于其交互性有偶發性的特征，這種偶發性的特點改變了傳統藝術作品一成不變的形式，實現了藝術創造的多樣性。
2.5 數字媒體藝術的超越時空性與沉浸特征
沉浸感是和交互性處于同等地位的一個數字媒體藝術特征，人們在觀看數字媒體藝術作品時不受時間與空間的限制，在數字媒體藝術作品中使用虛擬內容代替實像，依然可以使人獲得真實的感受。同時數字化技術大大拓寬了藝術家的創作視野，使藝術創作范圍得到極大拓展，甚至超越時間與空間的界限進行藝術創作。
2.6 數字媒體藝術的創作走向平民化
傳統的藝術形式需要創造者具備一定的藝術修養與特別的創作風格，而數字媒體藝術的誕生使創作大大改變了以往人們對于藝術創作的群體認知，出現了平民化的現象，越來越多的人成為了藝術作品的創作者，藝術創作不再是少數人的事情。
3 數字媒體藝術出現偏離藝術本體的現象
3.1 數字媒體藝術的風格趨向標準化和同質化
處于數字時代的當今社會用寫作管理模式思維，將包含人在內的客觀世界作為征服與控制對象，為實現管理的方便，導致世界日益趨同，豐富性與多樣性減少。數字時代用封閉性網絡進行構架，統領對人類發展有益的資源，在這個構架內，有已定標準引導人們進行藝術創作，所有的創作必須在規定的范圍內進行，而任何與協議標準不符的內容都會被過濾掉，數字時代的這種限制大大的禁錮了人們的思想，壓制了人們的創作渴望，減少了藝術創作的獨創性與多樣性，藝術創作風格趨向標準化和同質化。
3.2 過度信仰技術，偏離了藝術本體
計算機的操作使用并不是藝術家的強項，因此他們在技術面前可能會不知所措，導致過分追求技術制作的完美而忽視了對藝術本身的關注度。盡管對于很多人來說，他們并不清楚信息對他們自身有什么價值以及獲得這么多信息做什么，但已經相信整個社會已經處于信息時代，我們身邊的每臺計算機都是信息的傳播者，在紛繁復雜的信息沖擊下，人們開始懷疑自我獨立存在的價值，甚至開始相信隨著科學技術的高速發展，人工智能系統將主宰未來世界，人們再難將虛擬世界與現實世界分辨開來。
3.3 藝術創作出現模塊化問題
科技的發展對藝術創作有利有弊，計算機操作的便捷性與模塊化改變了傳統的藝術創作形式，很多人認為創作是一件簡單的事情，只要有想法與創意就能夠就行創作，在這種觀念的指導下，很多人在藝術創作之前不再進行積累與思考，而是希望利用計算機獲得意外的創作效果。人類在人工智能中逐漸失去了獨立的存在價值，思想越來越多的受到技術的制約，隨著計算機實現合成功能越來越強大，創造性在藝術中也越來越少，藝術創作過分依賴技術會使其變成機械生產，有人預測，按照這樣的形式繼續發展下去，終有一天藝術作品也會像普通商品一樣可以進行批量生產。
4 總結
數字技術改變了傳統的藝術創作方式，技術的作用得到了充分的發揮，并成為進行藝術創作的一個關鍵部分，但是數字技術有機械性的特征，如果將其作為進行藝術創作的主要實現形式，會導致藝術創作的多樣表現形式和獨特的藝術觀念受到影響，藝術創作應回歸到藝術創作的人類本體，打破觀念束縛，實現思想的解放，使藝術創作不再受技術的束縛。
參考文獻：
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[2]李若巖.數字媒體藝術的特征與本體研究[C].藝術探索，201202（01）.
關鍵詞:群眾文化;藝術創作;現狀問題;有效對策
當前，我國各地建設的均有群眾文化館與藝術館，用來為廣大群眾組織文化藝術類活動，是廣大群眾創造休閑娛樂、相互學習、相互交流的平臺，發揮著豐富大眾的業務生活、提高群眾的藝術文化素質、促進和諧社會的快速構建的作用。那么，如何才能不斷優化群眾文化藝術創作的作用，是各地文化館工作人員急需思考的問題。
一、群眾文化藝術創造現狀問題
筆者在調查中發現，當前群眾文化藝術創作中尚且存在一些問題，制約了創作質量與數量的提升。現將這些問題總結如下:第一，作品質量較低。因為群眾文化藝術創作的參與主體是普通群眾，他們大多沒有接受過文化藝術創造的專業訓練，并且在文化素質、創作思維、教育程度、審美能力等方面差異較大。在這種情況下，他們的創作觀念也有很大區別，從而導致群眾文化藝術創造的作品在質量與風格上參差不齊，不能充分發揮文化引領作用，不利于群眾文化創作活動的高質量開展。第二，創作者多為業余。因為群眾文化藝術創作人員在文化素質、審美水平、創作水平等方面不盡相同，導致他們創作的作品專業性降低，與專業的作品差異過大。當前，大多數群眾文化藝術作品創作素材都是對生活事件與現象，創作成品只是對素材的簡單加工甚至堆砌，所有這些文化藝術作品都具有較明顯的生活痕跡。另一方面，群眾文化藝術作用都是普通群眾在業余時間創作的，創作時間具有不固定性及無保障性，這就制約了文化藝術創造活動的高效開展。第三，個體情感傾向嚴重。由于群眾文化藝術的創造主體是普通群眾，他們的生活背景及職業各不相同，因此審美能力及興趣愛好也有明顯差異。這就使得他們在創作時，都會將自身的愛好與情感傾向滲透到作品中，這就使得創作出的作品大多與客觀事實嚴重不符，具有濃厚的個人特色。
二、優化群眾文化藝術創作的策略
依據上文總結的當前群眾文化藝術創造中存在的一些問題，筆者在全面分析出現以上問題原因的基礎上，依據自身多年縣文化館工作經驗，有針對性地提出了一些應對策略。
(一)重視對群眾文化藝術創造者的管理與扶持
針對群眾文化藝術創造人員多為業余的問題，群文管理部門應積極吸納一些群文創造者為志愿者，并將其細化分類，鼓勵那些有文化藝術特長的群眾加入志愿者團隊中來，為他們提供系統的、專業化培訓，為增強群眾文化藝術創造者的創作提供條件與平臺。在實際操作者，群文管理部門應做好以下幾點:①增大資助力度與范圍，從而將盡可能多的群文創造人員吸納到政府部門主管的文化團體中來，不斷優化人才結構。如果能將群眾中的創造愛好者吸納到政府羽翼之下，將豐富群文創作人才庫，在群文創作時可依據人才特點恰當為其安排創作任務，從而不斷優化創作效果。②應加大對業余群眾文化藝術創作團隊的培訓與輔導，借助專業培訓，不斷提高創作人員的綜合素質。比如，如果能將熱衷群文創作的群眾吸納到政府部門主管的文化團體中來，并為其提供系列而專業的培訓，那么其群文創作的熱情就會被充分激發，并且還可將學到的專業的創作知識應用到實際創作活動中，從而不斷提高作品質量。
(二)加大對各種非營利性民間文化團體的培育
借助多種途徑挖掘群眾中的文化藝術創作人才，建設“人才庫”;對各種群眾自娛自樂、自行組織的文化隊伍開展調查，統計群文積極分子及文化人才;借助文化活動及各種比賽，為群眾愛好者提供舞臺，讓更多的優秀群文草根脫穎而出。比如，可借鑒“群星獎”的形式定期舉辦“快板大賽”，將熱愛快板的社會團體集合在一起，加強對其的使用與培訓，不斷提高他們的組織、創新及生存能力，進而不斷提高他們的文化藝術創作能力。
(三)加強對各種文化服務社會組織的扶持力度
民政部門可借助合理的鼓勵發展政策，推行競爭機制、降低參與條件，激勵廣大群眾組織都能參與到群眾文化藝術創造活動中來，促使群眾文化藝術創作團隊從文化界內部培養轉變為在大社會中選拔，從而推動群眾文化藝術創造能力不斷提升，進而創作出更多高質量的群文作品。只有這樣，才能讓盡可能多的群文藝術創作者就有機會依托各種社會組織參與到各種演出活動中，才能給更高熱情創新與完善自己的作品，才有機會與文化館專業的創作人員進行交流與學習，從而不斷提高自身的創作能力，進而可創作出更多更優秀的群文作品。
(四)堅持以突出地方特色為主的現代題材創作
在開展群眾文化藝術創作活動時，應始將藝術創新放在第一位，積極將與本地區群眾生活與工作密切相關的地域文化作為創作素材，努力弘揚地域文化，盡可能創作出符合群眾需求的文化藝術內容與形式。在創作活動中，各個文藝部門應積極創建優質的核心創作團隊，大力啟用與培養人才，重視團隊協作，盡可能多地創作出贊揚、歌頌群眾生活與工作正能量的作品。只有這樣才能使創作出來的文藝作品更加豐富多彩、更具親切感，才能吸引各個年齡層、各個行業的公眾參與到群文藝術創造活動中來，才能促使我省電影、電視劇、歌舞、戲曲、動漫等各個藝術門類再上一個新臺階，最終促進群眾文化藝術創造團隊的戰斗力與凝聚力。總之，群眾文化藝術創作是一種以廣大群眾為主體的文化創作活動，其作品發揮著豐富群眾生活、宣傳方針政策、引領群眾思想等作用。但是，其在獲得一些成就的同時，也暴露出創作者創造能力較低、作品數量與質量不高的特點。
［參考文獻］
【關鍵詞】藝術創作；基礎；動力；藝術家與社會
藝術創作是指藝術家運用自己的藝術經驗、藝術觀念以及審美體驗，通過一定的藝術媒介和藝術語言，把特定的藝術內容、藝術形式轉化為藝術形象、藝術作品以及藝術文本的創造性活動。藝術創作從根本上來說是人類的精神創造活動。藝術無論發源于勞動實踐還是人文意識，其核心內容始終都是心靈的交流。心靈的交流和人類的精神是密不可分的，它們共同形成了藝術創作的原動力。
一、藝術創作的動力
藝術創作從最初的準備階段一直到完成藝術作品的整個過程，始終伴隨著藝術家強烈的情感。藝術創作活動本身就是一種包含著情感的活動，以交流思想情感和表達人類內心世界為目的。藝術創作最原始的動力就來自于純真的情感沖動，這種情感沖動往往十分強烈，促使著藝術家必須進行藝術作品的創作。藝術家為了表達不同的情感，在創作過程中選擇不一樣的原型，以確定心中的藝術形象，并運用恰當的藝術表現手法進行藝術構思，選擇創作工具和創作方法，最終完成一件藝術作品。而這件藝術作品飽含了最初促使他去進行創作的原始情感沖動。因此，促成藝術家進行創作的根本動機，是因為對某種事物的感動，而迸發出的強烈情感。情感是推動藝術家進入實際創作過程的驅動力，是創作的精神準備。創作動機的觸發來自于實際生活中的情感體驗。在某種特殊的情況下，當藝術家為生活的細節所叩擊心弦時，他們平時積累的大量對生活的藝術體驗和感受，就會被這星星之火徹底點燃。藝術家心潮起伏，情感在胸中激蕩，這種激情和沖動促使藝術家必須通過藝術創作的方式宣泄，爆發出強烈的創作欲望。這種發自內心深處的創作沖動，正是藝術家常常令作品感人至深的重要原因。
二、藝術創作與社會的關系
作為藝術創作主體的藝術家，首先生活在特定的社會環境中。一定的社會制度、民族文化、社會生活，都從各個角度都影響著藝術家的創作。任何一個藝術家都是在特定時期的諸多因素的熏陶和影響下逐漸成長起來的，藝術家的思想感情、生活內容、審美情趣和文化意識等，無不帶有時代的烙印。藝術家的情感總是帶有時代的特點，其所處的社會在根本上決定了藝術家情感的基調和方向。例如，產生于19世紀60年代印象主義畫派，在很大程度上就是受到了當時高速發展的現代科學的影響。印象派受現代科學，尤其是光學的啟發，認為一切色彩皆產生于光，于是他們依據光譜來調配顏色。由于光是瞬息萬變的，他們認為只有捕捉瞬間光的照耀才能揭示自然界的奧妙。因此，印象派畫家在繪畫中格外注重對于光的研究和表現，主張到戶外作畫，在陽光下依據嚴謹的觀察和現場的直覺來完成畫作，這使得印象派也被稱作是外光派。特定的歷史時代是產生不同風格藝術作品的根本原因，藝術家從出生開始便受到既定的社會制度、特有的社會生活等多方面的影響。藝術家豐富的情感深深地扎根于特定的歷史時代和社會生活中，當時的社會制度滲透到社會生活的方方面面。包括藝術家幼年時期的家庭教育和家庭出身，都會受到社會生活和社會制度的影響。這種影響十分深刻，融入藝術家的血液之中，使得他的藝術作品無不折射和反映當時的時代潮流和情感思潮。民族性格和民族文化對于藝術創作的影響和熏陶是非常深刻、明顯和普遍的。在社會生活和家庭生活、社會習俗、政治文化的各個方面，無不反映了民族性格、民族文化和民族精神。來自世界各民族的藝術作品都帶有自己明顯的民族特征，其藝術心理和藝術形式各不相同。民族精神和民族性格是經歷了千百年的歷史發展形成的。特有的、穩定的思想信仰和生活習慣經過長時間的不斷積累和沉淀，最終形成了具有凝聚力、穩定的民族精神力量。文化藝術習俗、民族血統觀念通過世代的傳承，滲透到藝術家的血液和頭腦之中，民族意識引導著藝術家，使他們不由自主地表現著自己的民族特征。藝術家在進行藝術創作時，都屬于一定的時代和民族，與社會生活有著千絲萬縷的聯系。藝術家作為創作主體，需要從社會生話中吸取創作的靈感和素材，并且要對社會生活做出評價和判斷，不自覺或自覺地表明自己的態度和傾向。因此，藝術家所受到的影響與藝術家的主觀意識有機結合在一起，從而形成豐富多彩的藝術形象和藝術作品。社會生活從根本上影響著藝術家的創作，影響著他們的內心情感。藝術家在情感的推動下不斷追求藝術創作的新境界，通過長期的藝術實踐和積極探索，不斷超越自我，最終形成獨特的創作風格。因此，藝術創作從主客體兩個方面來看，都與社會生活有著十分密切的關系，都是藝術家對社會生活的能動反映。
三、結語
從創作主體來講，社會生活是創作的基礎和源泉，藝術家總是屬于某一民族、某一階級以及一定的時代的。藝術創作與藝術家本人的生活經歷與生活實踐密不可分，社會生活作為藝術創作客體，藝術家對社會生活的體驗和觀察就顯得十分重要。藝術家在從事藝術創作時，每一個步驟都與社會生活有著不可分割的關系。社會生活為藝術家提供了創作的靈感和素材，同時，又對藝術家的創作風格和思想情感產生了深刻的影響。
參考文獻：
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隨著我國當代美術教育的日趨多元化發展，不同類型的藝術創作信息大量的涌入高校課堂，高校專業學生在創作意識與手法方面與現代藝術、后現代藝術有了大量的接觸、交流和探討的機會。一個不爭的事實是現實主義的精神價值取向方面受到了學生的質疑，值得我們關注。總的來說，在題材內容上當代美術的不會超越以下兩種，一種是現實的，它是生活的，是視覺層面，和現實關聯比較近；一種是非現實的它是現實的跨越，是心理層面，含有精神性。如果加以仔細剖析，兩者的差異并不是截然的鴻溝不可逾越，而實際上，它們是構成現實的外部和內部的具體的形而上的表現，兩者缺一不可。現實題材的繪畫描寫現狀，而非現實題材，具體體現在幻想的、參與未來的或者回歸過去的等等，這幾方面的表現都是藝術家立足于當代，是其情感的宣泄和精神的需要。現實主義精神也是我國藝術家創作過程中長期關注的方面。那么，現實主義精神在我國當代高校專業學生的美術創作中又如何認識和彰顯其價值，我們教育者又該如何因勢利導，這些都是是本文重點探討的問題。
現實主義精神在不同時期的發展與精神價值
原始社會中現實主義精神借助巫術的傳載與表現形式，是對大自然的模仿，然后深刻反映出人們主宰自然的力量和希望。古希臘在經過一連串的革命之后，不僅將占有土地的貴族勢力打到，對于古代的神話與原始社會中魔術活動進行了掃除，使得藝術創作從原始的想象往現實中轉變，古希臘的藝術家開始有意識的借鑒生活，現實主義精神在這個時期是處在一個發展的時期，藝術創作開始了對于生活題材的選擇，注重人的元素，在這個過程中不斷的喚起人們不同的真摯情感，因而在社會生活中起到了積極的認知和探索作用。歐洲中世紀的繪畫藝術在宗教圖像的浩瀚鐫制中，藝術家仍舊依據對當時生活的觀察而描繪，兼顧對人的觀察。因此，中世界的藝術也擁有現實主義精神。還為文藝復興與現實主義精神在之后的發展埋下了種子。文藝復興時期的藝術仍然是以宗教題材為主要形式，但是這時候的藝術家不再受束縛，可以自由的發揮，表現最真實的社會生活，而這個時候也是現實主義精神大發展的時期。這個時期的藝術中出現的現實主義精神，立足于現實，表現最為真實的現實主義世界。在這個時期的藝術創作對于現實主義精神的體現是在生活中人與人的關系。這是以往現實主義精神所不能企及的。之后到17-19世紀現實主義便迅速登上了藝術舞臺的中心。
傳承現實主義精神在當下的中國美術現實主義是對現實生活的真實體現。因此，現實主義的前提是真實性，是對生活藝術化了的具體體現，這對于注重實事求是的中國來講，正是時代所需要的。實事求是與現實主義異曲同工、一脈相承。當代藝術家對于國家的命運與前途應該具有責任感與歷史使命感，無論選擇哪一種藝術形式，對于表達社會生活、勞動和人們的真實情感永遠是不變的主題，這也正是現實主義精神所以能藝術創作的基石。現實主義在中國不僅創作土壤肥沃，也能夠積極融入到藝術創作的環境中來，人們對于從內心深處表達的藝術形式感到親切、真實，從這些真實的藝術作品中感受真善美與假丑惡，這是其精神價值葆存不衰的原因，這不僅僅是藝術創作的一種形式，更是民族審美價值趨向的所在。所以，現實主義精神已經融入到整個民族文化的建設中來，這也是現實主義精神的魅力所在。
現實主義精神的重新認識
現實主義所包含的范圍非常的廣泛，包括文學范疇、戲劇范疇、繪畫范疇、音樂范疇等等，而現實主義是一場文藝運動，這對歐洲的藝術影響深遠，現實主義精神的起源要追溯到文藝復興時期，啟蒙與十八世紀，十九世紀掀起了現實主義精神浪潮.現實主義包含了多種現實主義者的理論與觀點，是建立在對道德的提升與人們對于悲觀情緒的認識基礎之上的，現實主義者把歷史看作是不斷進步的重復過程。現實主義更多的是看到人性中好的一面，而現實主義精神則是體現這一過程的精神層面，那么現實主義藝術作品中往往包含以下幾個方面的特點。
首先是藝術作品細節中的真實性。對于細節描述要真實，要具體的真實的反應人類的生活現狀。現實主義作品中就是用這樣形象的現實來吸引人們的，這能夠幫助觀眾身臨其境的感受到作品所描繪的生活的真實和精神的寫照。其次是形象的典型性。選擇典型的形象，對現實生活中素材進行分析、提煉和總結，從而發現生活的重要特性。生活是簡單的，生活又是復雜的，將這種既簡單又復雜的典型形象真實的表達在藝術作品中，以此來抓住藝術表現的重心，感染人們的情感中樞。最后是具體描寫方式的客觀性。通過對現實生活客觀的具體的描述，通過作品體現出作者對于生活的真實感受與對生活的熱愛。法國文學史家愛彌爾?法蓋解釋說：“現實主義是明確地冷靜地觀察人間的事件，再明確地冷靜地將它描寫出來的藝術主張”。要從幾千幾萬的現實事件中，選擇出最有意義韻事件，再將這些事件整理起來，使之產生強烈的印象。
對于現實主義精神我們可以理解成為不同藝術所展現出的現實性，也要理解它是對藝術作品特質展現的原則與方式。所以現實主義精神對于藝術創作的意義深遠。從事物內在發展和辯證統一的客觀規律分析看，非現實的題材內容也能切入到現實里面來，也是對時代的心理反映和現狀的折射，是現狀對心理的刺激。而現實的藝術題材、繪畫要贏取人們的認可，也必須要升華到非現實和精神層面上面去。因此，并不是說畫點生活里的人和物，手法寫實就是現實主義，很多繪畫在風格上可能是表現主義的，但里面讓人感受到對現實的探求和挖掘，有它客觀現實的一面。至于繪畫的風格流派上來說，就有現實、超現實、夢幻現實、表現現實等等很多還建立在具象基礎之上的繪畫形式，無論哪種風格、手法，只要是立足生活，表現生活，面對人生，它就都包含現實主義精神。
對高校專業學生美術創作的指導意義
當下高校學生的藝術創作，背離和缺乏現實主義精神的寫實繪畫比較普遍，這類作品比較表象，圖像制作痕跡嚴重，背離了情感的真實體驗，忽略人對精神生活的訴求。表現真實的確也是現實主義的一個表現，但有很多畫真實的學生，知道記錄真實，也有一定的意義，但是不深刻，很蒼白，因為他們在作品中沒有體現出關懷，只見呈現而無提升，缺乏精神力量。這種作品其實與現實主義的藝術精神相去甚遠。深刻理解把握現實主義精神，在實踐當中我們首先應該認識到其對學生的指導意義，總結起來可有以下幾個方面。
1.幫助學生學會觀察生活、分析生活
現實主義的特點就是反映真實的社會，通過對典型的形象進行細致的描述，以此來吸引人的眼球，因此，高校學生在藝術創作的過程中要結合現實主義的這寫特性，學會認真的觀察生活的細枝末節，然后進行剖析，這也是為學生在藝術創作中提供靈感的方式之一。客觀存在的東西肯定是真實的，但是它不一定有價值，它之所以有價值在于我們對現實關注、關愛，把現實里有價值的深刻的東西呈現出來，挖掘出來，以此矯正現實，使我們在面對現實的時候不會迷失，讓我們觸摸到精神，不會被動的活著。這是繪畫的意義所在，也是現實主義的藝術精神在當代美術創作的意義。因此，現實主義精神的價值首先要教會學生在進行藝術創作的時候學會觀察生活、分析生活。
2.幫助學生提升對現實美的認識
現實主義精神是對事物的真實反映，是將人性的最真實的一面展現出來。因此，對于真善美與假丑惡的辨別一目了然，學生在藝術創作的過程中將社會生活真實的反應出來，就是對真善美與假丑惡的體現，所以，學生在這個過程中就會學會辨別是非好壞，而對于美的認識就會更進一步，這些都是現實主義精神在學生藝術創作中所帶來的價值體現。同時也讓他們更加關愛現實、關愛人和這個世界，把藝術創作的目的指向了現實背后的深刻而隱秘的問題，比如人和勞動的問題，情感的問題，生死的問題等等，通過反映可感可信而深刻的問題，引起自我反思，真正認識現實之美，以正確指引未來。
3.增強學生自身的社會責任感，建造實踐到藝術創作的橋梁
在高校學生的藝術創作中，現實主義精神就是教會學生不僅要注重作品的吸引力，還要在作品中反應出自身的社會責任感與使命感，而現實主義精神則會在學生藝術創作的過程中引導學生注重這些內容的體現，描述我們當下所具有的好的東西，激勵人們把好的東西發揚光大。比如魯迅的文風很敏銳，甚至有點刻薄，但是他的背后是大的愛，是要喚起人們改造現實的熱情，這也是現實主義精神。藝術創作是架在現實世界與藝術家理想之間的一座橋梁。藝術家把對現實的感受、對生活的渴望和自己的理想，通過藝術創作的形式表達出來，寄予作品之中。藝術創作就像是一把門上的鑰匙，門的這邊是生活，那邊是理想，拿著這把鑰匙的人，穿行于門的兩邊，在一邊感受，在另一邊升華，現實主義精神必會引領學生走向藝術創作的自由大道。
綜上所述，現實主義精神的價值對于學生的藝術創作有著深遠影響，這不僅僅是在學生藝術創作的過程中教會學生如何吸引人的眼球，更加教會學生在自己的藝術創作中體現一份責任，使藝術變得更有價值，使創作思路更加的寬廣。
關鍵詞：靈感 藝術家 藝術創作
概述
在人們藝術創作等創造性活動中，捕捉靈感，往往是成功的先兆，也是開啟成功大門的金鑰匙。藝術創作過程中的靈感，其實是藝術工作者繼苦苦思索無果之后，因外部條件觸發或思維發展到一定階段，在大腦中突然產生的新想法。靈感，是由人的激情和智慧混合組成的。或者說，靈感，是由人的創作激情和藝術水平相互激發而成的。也就是說，靈感，是人的創作激情和藝術水平共同處于高度的激發狀態。
一、什么是靈感
靈感，是人們在藝術構思探索過程中由于某種機緣的啟發，而突然出現的豁然開朗、精神亢奮，取得突破的一種心理現象。靈感給人們帶來意想不到的創造，然而它的產生卻是突然而來、倏然而去，并不為人們的理智所控制，具有突然性、短暫性、亢奮性和突破性等特征。
靈感，是人的認知器官和情感器官共同作用產生出的一種特殊的綜合行為現象。人在艱苦的思考中，由突然的驚喜發現所產生的沖擊性的特殊好感，和突然的駕馭成功所產生的浪潮般的特殊好感，在一個時間段內，洶涌地激發起人的高漲情緒和旺盛精力以投入進一步思考。這種現象，就是靈感現象。貝多芬曾講過“你問我的樂思從哪里來的嗎？這我不能確切的告訴你，它們不請自來，像似間接地、又像直接的出現。我在大自然懷抱里，在林中學習時，在夜的寂靜中捕捉它們。清早起來，心情振奮，這種心情詩人用文字表達，而在我這里就轉化為聲音，發出響聲，喧鬧、狂吼，知道以樂譜的形式出現在我面前。”
二、藝術創作靈感的來源
第一、藝術靈感來源于不斷思索和感悟，可以這樣說，靈感來自與人的不斷思索和人生苦修，是頓悟而得，這也是靈感啟示下的藝術創作過程。“眾里尋他千百度，驀然回首，那人卻在燈火闌珊處。”“驀然”間的獲得，必須是經由“眾里尋他千百度”的艱苦過程。有了這種艱苦過程的磨練，才有那“驀然”間的驚奇與喜悅。我們沒有也不可能意識到靈感會在何時產生，但我們的意識卻提供了靈感出現的可能性，任何一種靈感都是創作主體在思索、探求中的頓悟實現，創作主體越是思索的多，感悟的多，表達欲望的程度愈強，就會愈逼近靈感出現的境界。第二、藝術創作靈感來源于生活積累藝術靈感是審美意象的瞬間生成。藝術家在生活中總是細于觀察、敏于感受、善于體驗、勤于思考，隨時隨地或有意無意地把生活中的點點滴滴都放入自己的意識倉庫。這樣，在這一“靈感”突發的瞬間，其實凝結了藝術創作和對生活中信息的積累，是靈感產生的一種強大的動力和準備條件。第三、藝術創作靈感還來源于采風采風也是藝術創作中靈感的重要產生來源，也是現代藝術教學中經常采用的教學形式，很多藝術工作者都是通過采風形式，以求得藝術創作中的靈感。著名作曲家鄭秋楓曾創作《我愛你，中國》等膾炙人口的音樂作品，盡管現已七十二歲高齡，但他仍然保持著旺盛的創作激情。他認為，他多年來的創作激情和藝術靈感，全都是來源于采風，來源于生活。難怪在欣賞他創作的音樂時，就像在欣賞一幅綿延不盡、飽含韻味的山水畫。
三、如何才能擁有藝術創作的靈感
靈感的爆發并非從天而降，而需具備一定的條件，這些條件是在長期的學習積累和實踐中創造出來的。第一，藝術家大腦神經系統中要儲存豐富的生活信息、文化知識信息和專業知識信息。掌握生活信息和知識信息越豐富，就會爆發更多的藝術靈感。第二，藝術家要具有比較鞏固的藝術心理定勢。具有優化的藝術心理定勢，勢必影響到藝術家有意識的心理活動，因而也就會或多或少、或強或弱地影響著藝術靈感的內容的確定引發的可能性。第三，藝術家還要具備一定的創作經驗和藝術思維能力。一個從未學過繪畫或根本不具備繪畫能力的人，根本不可能獲取繪畫的靈感。靈感產生所必備的這幾個條件是相互為用、互相協作的有機統一體，哪一個方面薄弱都會影響到靈感的產生。但是，要創造這些條件，需要長期艱辛的勞動，守株待兔式地等待靈感的降臨肯定一無所獲。黑格爾說：“最大的天才盡管朝朝暮暮躺在青草地上，讓微風吹來，仰望著天空，溫柔的靈感也始終不光顧他”
四、結語
靈感作為一種寶貴的創新資源，是藝術和科技活動等的活力源泉。靈感的到來并不神秘，是長期艱苦學習、實踐、積累、思考的結果，是對無意識等心理活動能力改善和提高的必然產物。它從孩子開始學說話的時候就會產生，但它又經常在我們頭腦中閃現，大千世界可以觸發各式各樣的靈感，而獲得靈感并使之轉化實現為藝術品的，只能屬于勤奮探索、富有藝術素養和創新精神的藝術家們。
參考文獻：
藝術創作與制作
藝術創作即藝術家基于自身的審美經驗和審美體驗，運用特定的藝術語言和材料，所進行的從審美意象到藝術形象或藝術意境的創造性活動。
藝術制作與藝術創作密切相關，它更多地體現出以物質性制作為主的特點。在當代藝術活動中，藝術制作顯示出重要的和具有相對獨立性的意義。
一、“興”在藝術中的表達
“興”是一種內心情感的發動，它最早是原始人游行儀式中興發感動的力量，胡經之把“興”的內涵概括為三個層次：感興起情、神思、興會。葉郎概括為三階段：準備、興發階段、延續階段。他們都注意到“興”是由淺而深、漸次升華的審美心理的過程。此過程完成了藝術意象的建構。“興”作為一種審美心理具有靈感性質，貫穿于心師造化和神思內涌中的共同因素，自然地從情緒啟發感動，“興”是藝術的意象欲出，以詩書畫為代表作為中國之藝術。這些藝術創造過程非常強調意象，藝術的審美創造的獨特性，即建構的過程。在藝術初期的構思中“興”為藝術創作的發動前提，而轉化為直接物象，即胸中有竹的意象過程。鄭板橋把畫竹過程分成：眼中有竹（物象）—胸中有竹（意象）—手中之竹（藝象）。“興”為藝術家審美心理內在的創造過程，自然天成也就是順應轉化藝術創造表現的過程，自然地發展到后面的藝象階段。“興”在審美心理層面上已成為一種融主客觀、理性與直觀、認識與體驗為一體的審美范疇，它能促進情感及藝象的統一。書法在“興”的創作藝術表達上最具有顯著特點，不僅單從創作表現上統一協調，更是書法家內心情感與外在創作表達的統一，即情感寓藝象，藝象表現情感，真正體現出作者的情感過程及創作過程的統一，“興”已成為創作的一部分，即藝術創作尊重情感自然天成。藝術正是由這種“興”呈現的自然純正及情志、韻意，即藝術閃爍著美。
二、“興”在藝象表達中的審美特性
“興”作為藝術家審美心理的意象，能促使藝術家心中創造表達激情，自然生成的自覺沖動，潛心于自己創作作品之中，創作出許多始料未及的神奇物象。《新唐書》張旭“每大醉，呼叫狂走，乃下筆，或以頭濡墨而書，即醒自視，以為神，不可復得也”，即由于處于高度興奮，主題為興，以為是神之作品，某種意義上“興”本身是創作的主題表現，是內心抒發與某種形式上的“技法”，按照格式塔理論就是某種力在情感形式上的體現，也就是情感與藝象形式的結合體顯“興”的自主而自由的爆發特性，而真正達到藝術作品中的“心手合一”。長期以來，藝術作品所反映的都是客觀的現實，都涵蓋著藝術家的主觀思想。唐代畫家張就曾說：“外師造化，中得心源。”所概括的就是從客觀現象、藝術意象到藝術形象的整個過程。“興”的藝象表達很好地展示了藝術家創作的全過程中審美心理的情感變化及藝術形式運動。
三、“興”的藝象表達在藝術創作中的意義
“興”作為一種藝象表達的方式，從創作表達的形式入手，通過不同的方式、方法體現在藝術的創作過程中，它的藝象表達過程是自主、自由的自我體驗及自我呈現的一個游戲般的過程。在藝象表達創作中能促成藝術創造的過程統一及形式、內容、技法情感上的和諧。“興”作為主體表現，是表現自己本質力量的一種自我呈現的審美活動，它獲得了藝術品質并最后為藝象的藝術品提供了保障。在藝術創作中藝象表達貫穿其間，把各個階段匯通合一，從傳統美學范疇中體現它的完整及獨特性。作為感悟興起的審美心理，從審美心理自然發展及延伸到藝象表達中的一種審美創作形式體現到藝術創作作品中。布顏圖說：“興，乃創作之必須。”可見興是藝術創作中非常重要的東西，張法在《直覺與興》中指出“興是藝術創作至關重要的東西，有興則有藝術，無興則無藝術”。“興”具有審美心理靈感的性質，它的藝象表達在藝術創作中極好地體現了藝術家本身的情感，體現出藝術的魅力及感染力。
作者：張濱李世義工作單位：大連理工大學建筑與藝術學院藝術系
在我國傳統戲曲藝術發展過程中。戲曲藝術流派指的是以某一個體藝術家或藝術家群體為核心。集眾多藝術家的創造性藝術勞動成果。所形成的具有優秀代表作、獨特藝術創造、鮮明藝術風格、受到廣大人民群眾喜愛、得以幾代傳承的藝術派別。其標志是：1、有代表性藝術家，有傳人，得以持續傳承；2、有代表性劇目；3、有獨特的美學觀，鮮明的藝術風格；4、在一定歷史時期、在特定地域流傳，得到廣大人民群眾承認和喜愛。
二、戲曲藝術流派的形成
中國戲曲藝術流派的形成，基本上都是以某一杰出藝術家為代表，根據其客觀條件，揚長補短、揚長避短，接受眾多藝術家的幫助，吸取他們的創造性成果，尋探適合自身條件的劇目、表演藝術(唱、念、做、打)、綜合性藝術因素，從而樹立起自己獨特的美學觀和藝術風格。
京劇“四大名旦”中的梅蘭芳、程硯秋、尚小云、茍慧生是如此，須生中的余叔巖、譚富英、馬連良、楊寶森也是如此。越劇中的袁雪芬、范瑞娟、傅全香、徐玉蘭亦無例外。
程硯秋幼時，各方面條件都很好，可是13歲后倒倉，嗓音變暗，音域變低、變窄，所以，他就一方面揚長補短，苦練低音、中音，使之由暗淡變得寬厚醇真；另一方面揚長避短，揣摩唱腔旋律，注重發聲與音量控制的密切配合，行腔收放自如，氣口運用自然，充分發揮其中低音區的特長，形成似斷似連氣斷情連、纏綿婉轉、深沉抑郁的唱法特點。并且在人物方面著力于悲劇性人物竇娥、富于同情心的薛湘靈等形象的塑造，多演出《荒山淚》《竇娥冤》《青霜劍》《朱痕記》《鎖麟囊》等劇目，從而形成了以深沉悲怨為美學追求，以抑郁纏綿為風格特點的程派藝術。
梅蘭芳則以唱、念、做、打全面優秀，嗓子“寬、亮、響”為特點。因此，擅長于表演雍容華貴的楊貴妃、趙艷榮，也適合于文武雙全、“昆”“亂”不擋的穆桂英。其劇本創作得到了齊如山等人的合作和協助，唱腔創作接受了王瑤卿等前輩的指導，得到了徐蘭沅等琴師的協作，舞臺藝術的其他方面得到了眾多藝術家的支持與協作，形成了以《霸王別姬》《宇宙鋒》《貴妃醉酒》《西施》《洛神》《天女散花》《穆桂英掛帥》等為代表劇目，以富麗堂皇為美學追求，以優美華麗、順暢大方為風格特點的梅派藝術。
越劇中的袁雪芬，于20世紀40年代得到當時的話劇和電影工作者的支持，對越劇的編劇、導演、音樂、表演、舞美等進行了全方位的改革，強調寫意與寫實相結合的美學觀，以弘揚愛國主義精神、頌揚民族氣節、反對封建禮教題材的劇目《香妃》《木蘭從軍》《祥林嫂》《梁山伯與祝英臺》《西廂記》等為代表作。其唱腔樸實穩健、細膩優美，形成了以深沉委婉為風格特點的越劇袁派藝術。
以上這些不同流派的戲曲藝術，雖然有不同的美學追求和鮮明的藝術風格，但是，共同的都是具有以表演藝術家為中心的一元化藝術創作方式的綜合性特點。也就是說，在戲曲藝術流派形成的過程中，代表性表演藝術家始終是處于中心位置的。其基礎是表演藝術家的客觀條件，如：程硯秋的中低音區嗓音、梅蘭芳的“寬、亮、響”等。在流派藝術創造的全過程中，該代表性表演藝術家既要充分發揮自身的表演藝術(唱、念、做、打)的專長，又要善于選擇和修改適合于自己演出的劇本，還要琢磨服裝、頭飾、化妝、道具、布景設計，并且要善于發揮劇作家、琴師、司鼓、服裝、道具人員的積極性和創造性，吸收他們的藝術創作成果。因此，如果從某種意義上說。這種戲曲藝術流派既是以杰出藝術家為代表而集中眾多藝術家創造性勞動結晶的產物，又是當時以表演藝術家為中心，集表演、唱腔、劇本編創、導演、服裝、舞美、燈光設計于一身的綜合性特點的產物。在那個時代里，戲曲藝術流派的代表性人物，既是表演藝術家，又是劇作家、導演家、唱腔作曲家、舞美設計家。所以，才會有人把梅蘭芳的表演藝術與斯坦尼斯拉夫表演體系相提并論。
三、戲曲藝術流派之現狀
時至今日，戲曲藝術流派的現狀如何呢?簡而言之，是只有繼承，沒有發展，沒有新的戲曲藝術流派的出現。就以流派唱腔來說，這種繼承主要有三種方式：一是在傳統流派的代表性劇目表演中原樣繼承；二是在新創作劇目中效仿流派唱腔，或吸取某流派因素來創作新唱腔；三是在“京歌”或其他音樂藝術形式的音樂創作中引用某些流派唱腔的旋律音調。這三種方式，都只是被動的“承”，而不是主動的“創”，因此，從總的趨勢來看，當今戲曲藝術流派的繼承是處于停滯狀態的。
究其原因，主要是由于工業化時代的發展，帶來了戲曲藝術創作方式的變化。傳統戲曲藝術流派追求綜合性的一元化風格特點的創造，而當今的分工細致、創作主體多元化的創作方式與之是相矛盾的。也就是說，戲曲藝術流派的各單一個體，原來以創造富有個性特征的美學觀和藝術風格為追求目標。其內部講求的是總體上統一的一元化的風格特點，為此，從創作主體上，必須以某一個體(在一般情況下是以杰出的代表性表演藝術家)為核心，在其周圍團結一批劇作家、唱腔設計者、琴師、司鼓、作曲家、導演、表演藝術家、舞美設計者，博采眾長，形成一個志同道合的一元化的創作群體，從而成就一個戲曲藝術流派。然而，自上個世紀50年代以來，由于分工的細致化，劇作家負責創作、改編劇本。作曲家設計唱腔、創作場景音樂，專業導演從事戲曲排練，舞美師、服裝師、燈光師專事舞美、服裝、燈光設計，如此種種，使綜合性的藝術創作出現多元分化、互相割裂的狀況，劇作者、唱腔設計者、樂器演奏者、導演、舞美設計者分而治之，各司其職，各創其藝，各美其美，各求其韻，這種多元化的創作主體，不可能服從于以表演藝術家為中心的綜合性藝術風格一元化的藝術流派形成的需要。最后都將各自設計的獨立方案，交給演員，搬上舞臺，所以，很難形成布局周密、風格鮮明統一的一元化的綜合性戲曲藝術流派。
又由于細致的分工，放松了對代表性表演藝術家的全面素養的要求，未能出現像梅蘭芳這樣集表演藝術家、導演、劇作家、作曲家、舞美設計者于一身的杰出的綜合性戲曲藝術大師，所以，更增加產生具有強烈藝術感染力和生命力的新的戲曲藝術流派的難度。
四、啟示
啟示之一，是正確理解“一”與“多”的辯證統一關系。從戲曲藝術流派的每一個體來說，雖然內部講究對比、變化、平衡、統一，追求豐富多彩，但是從這一個體與另一流派之比較而言，講求的是獨特的美學觀、鮮明的個性、標新立異的藝術風格，也就是說，從這一個體對外而言，它是一個統一的個體，是“一”；然而，對于戲曲藝術這一整體來說，正是由于有了眾多的流派，有了眾多的“一”。才能構成異彩競呈、絢麗繽紛的“多”。就像是一個大花園那樣，你一朵紅牡丹，我一枝白芍藥，他一簇黃，如此這般，也就形成了百花競放、豐富多彩、繁榮昌盛的局面。
【關鍵詞】地域文化資源；現代纖維藝術；作用
中圖分類號：J53 文獻標志碼：A 文章編號：1007-0125（2016）11-0164-01
在造型藝術領域，現代纖維藝術最早出現在20世紀初的美國，上個世紀80年代才被引入中國。雖然發展歷史較為短暫，但由于它所具有的材質表現、材料使用、造型形態的多元化吸引了越來越多的藝術家加入到創作中，這使得現代纖維藝術成為具有激情活力的一門藝術。歷經16年，“從洛桑到北京”國際纖維藝術展暨學術研討會已成為世界規模最大，規格最高的國際纖維藝術展，它讓世界纖維藝術家走向中國，讓纖維藝術走向我們的生活。基于現代纖維藝術蓬勃發展的勢態，我們必然要考慮地域文化與現代纖維藝術創作之間的一些關系及作用。
一、淺析現代纖維藝術
現代纖維藝術作為現代造型藝術的表現形式之一，指的是以天然的動物、植物纖維（絲、毛、棉、麻）或人工合成纖維為材料，運用編織、環結、纏繞、縫綴、拼貼等多種制作手段，創造平面或立體形象的一種藝術。現代纖維藝術作為一門具有綜合性及多元性的藝術作品，它與我們的高品質生活息息相關，現代纖維藝術越來越多地走進了我們的生活空間，為人們展現出視覺上及觸覺上的美。
二、現有作品中地域文化資源的使用
最早將我國傳統文化元素與現代纖維藝術相結合的藝術家是朱偉和施惠，他們兩人一起合作構建的《壽》，是以龜甲為原型，上面的甲骨文清晰可見。在現代纖維藝術上應用地域文化資源的作品還有一些，這些藝術家之所以能夠獲得成功，主要體現在以下三點：（一）在傳統技術上及材料上實現自我突破，使作品具有震撼心靈的張力。（二）創新了傳統的美術風格，使作品在審美方面更具有現代意義。（三）將地域文化資源應用在現代纖維藝術中，反映了不同地域及不同文化背景中藝術家對藝術不同的表現形式及理解。通過作品可以使我們看到在不同文化背景下構建出現代不同的文化理念及形態。[1]
三、地域文化資源對纖維藝術的重要性
地域文化一般是指特定區域源遠流長、獨具特色，傳承至今仍發揮作用的文化傳統，是特定區域的生態、民俗、傳統、習慣等文明表現。它在一定的地域范圍內與環境相融合，因而打上了地域的烙印，具有獨特性。地域文化中的“地域”，是文化形成的地理背景，范圍可大可小。地域文化中的“文化”，可以是單要素的，也可以是多要素的。作為藝術創作資源，地域文化是凝聚了先人們的優秀文化傳統及品質，是不可再生的資源。熱愛纖維藝術創作的藝術家們應該一邊本著與時俱進的創作態度尋求創新之路，一邊思索如何將廣博的地域文化合理地應用到現代纖維藝術創作中去。現代纖維藝術雖然起源于西方，但在傳統編織技藝中，中國是當之無愧的鼻祖。比如人們耳熟能詳的中國四大名繡（蘇繡、湘繡、粵繡、蜀繡）因為在刺繡技巧、使用原料、表現題材、造型特點等方面有著各自顯著特點，自成一體，流傳至今。作為地域文化資源，無論是東北地域的薩滿文化，關東文化，還是西北地域的黃河文化、太行文化、抑或是其他地域的中原文化、嶺南文化、齊魯文化及吳越文化；無論是南方的亭臺樓閣，還是北方的大漠草原，抑或是少數民族的風俗都可以是纖維藝術創作者取之不盡用之不竭的源泉。各地域文化資源均具有較高的受眾意識，將其合理應用在現代纖維藝術中，不僅能夠充分反映不同地域文化特點及美學內涵，還能通過受眾特性使人們能夠感受到地域文化資源的存在，使地域文化資源能夠繼續傳承下去。[2]
四、結束語
從古至今，任何一種能夠持續發展的藝術形式都離不開本民族的文化根基，現代纖維藝術的發展亦是如此，如何將纖維藝術作品烙印上中國地域特色的印跡，是每一個從事纖維藝術創作的藝術家都值得思考與踐行的問題。受地理、文化、宗教、民族、環境等因素的影響，中國形成了不同的地域文化資源，這也是我們人類的寶貴財富。將其運用在現代纖維藝術中，使傳統藝術與現代藝術相結合，創新出全新的設計理念，必然有助于地域文化向更廣泛的領域傳承及發展，必然會賦予現代纖維藝術更加強烈的感染力和生命力。
參考文獻：
[1]汪帆.蘇繡在現代纖維藝術中運用的意義[J].劍南文學：經典閱讀，2013，（10）：237-237.
[2]劉珊.淺談現代纖維藝術在現代建筑空間設計中的運用[J].當代藝術，2011，（4）：61-62.
