時間：2023-11-24 11:15:03
開篇：寫作不僅是一種記錄，更是一種創造，它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感，將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的12篇古典音樂的種類，希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友，陪伴您不斷探索和進步。
關鍵詞：高中音樂；古典西方音樂；欣賞教學
在我國現行的教育體系中，音樂教學一直貫穿于學生學習的始終，從小學階段的音樂啟蒙教育，到高中階段學生開始學習和鑒賞西方古典音樂，時間跨度長達十二年之久，盡管學生學習音樂的時間不像學習語文、數學那樣長，但是在學習的過程中，學生對于音樂也有了一定的認識，學生進入高中以后，已經有了自主學習的意識，音樂的學習能力和感知能力，也有了較大的提升。西方古典音樂在人類音樂史中占有重要的地位，學生在學習的過程中如果能夠有效地提高自己的古典音樂鑒賞能力，對于學生學習其他音樂知識也將會有極大的幫助。那么，在高中音樂教學中，如何開展西方古典音樂教學呢？筆者從自身的教學經驗得出，可以從如下幾點入手，展開論述。
一、以西方音樂的發展史為主線，使學生熟悉西方古典音樂
西方古典音樂不同于中國的一些傳統音樂，由于文化差異的原因，許多學生對于西方古典音樂較為陌生，知之甚少，有些學生甚至連西方古典音樂有哪些種類都分不太清楚。學生對西方古典音樂的陌生，在無形中加大了教師教學的難度。因此，在進行西方古典音樂欣賞教學的時候，可以首先讓學生了解西方音樂的發展史，熟悉西方古典音樂，這樣教師在教學時就能更好地開展音樂欣賞教學。
在進行教學時，教師面對這樣龐大、浩瀚的古典音樂世界，難免會無所適從，不知該從何入手。這就要求教師在教學時自身功夫要過硬，有選擇地選取適合學生學習的樂曲，因為在許多高中，學生通常每周只有一節音樂課，教師如果自己都不了解西方古典音樂，教學時就會很盲目，學生也難以學到真正的知識。教師可以在教學時，根據西方古典音樂的發展史及其分類，先幫學生構建一個較為清晰的古典音樂發展史的大體框架，這樣，學生能夠對西方古典音樂有一個大致的了解，為后期的學習奠定一定的基礎。
二、音樂不是孤立的藝術，多學科交叉服務音樂欣賞教學
在教學時，教師可能會發現不少學科的知識都存在著千絲萬縷的聯系，并不是孤立存在的，例如，物理和化學里的不少計算知識就會用到學生學過的數學知識。同樣的音樂也并不是一門孤立的學科，它與社會風尚、文學、政治、經濟和科學的發展密不可分，音樂的產生，并不是毫無根由的，它是時展的產物。例如，貝多芬所創作的《第九音樂交響曲》就是與文學結合的產物，它是為德國著詩人希勒的詩歌《歡樂頌》所譜的曲。
基于這樣的原因，教師在教學時，可以將文學、歷史學科的知識遷移運用到學生的音樂學習上，使其他學科的知識能夠有效地為音樂欣賞教學服務。這樣學生也能夠更加清晰地理解西方古典音樂，有利于學生音樂欣賞水平的提高。
三、因材施教，尊重學生發展差異
因材施教的教學理論在我國流傳的時間很長。西方古典音樂學習也必須采用這一教學方式。音樂屬于藝術的類別，藝術不同于普通的文化知識學習，每個人對藝術的領悟能力都是不一樣的，有些人對于音樂藝術的領悟能力強，一點就通；反之，有些學生對于藝術的領悟能力較差，始終不得其法。因此，教師在教學的時候一定要注重因材施教，要尊重每個學生個體發展的差異，根據學生的不同學習需求進行音樂教學。比如說有些學生喜歡聽輕松舒緩的抒情類音樂作品，教師就可以鼓勵學生在課下欣賞這個類型的音樂，并在課堂條件允許的基礎下，給學生播放這種類型的音樂，還有的學生喜歡肖邦的鋼琴曲，在教學時，教師也應該予以尊重。根據學生發展的差異不同，對于學習能力強的學生，教師可以讓他們欣賞一些難度大的音樂，取得更大的發展，而對于一些基礎較差的學生，教師則可以適當地降低難度，鞏固好他們的基礎，循序漸進，使他們不至于失去學習的興趣。
總之，西方古典音樂是一門高雅的音樂藝術，學生在一開始接觸這個類型的音樂時難免會覺得陌生，但是音樂是不分民族、不分國界的，教師在教學的時候只要找準方法，使學生對西方古典音樂有了一定的認識，并且逐漸喜歡上了這種音樂，那么在教學時，教師遇到的障礙就會小很多。而且學生學好了這門課程，也會提高音樂感知能力。
參考文獻：
[1]黃華南.對初中音樂欣賞有效教學的研究[J].考試周刊，2015（81）.
他的最新專輯《游弋黑白》是一張與古典音樂相關的唱片。專輯中收錄了穆索爾斯基的《圖畫展覽會》、薩蒂的《歌舞》、哈恰圖良的《馬刀舞曲》等古典經典，馬克西姆似乎要用一些嚴肅的作品來強調自己的古典音樂演奏家身份。專業的古典音樂圈從不屑于談論馬克西姆，他動輒吸引數千觀眾的演出只屬于流行音樂范疇。但在馬克西姆內心，回歸古典仍然是他最終的訴求，“表演太多跨界的東西，我會很想念古典音樂。”
“有時拒絕拍照，我要練琴”
音樂周刊：你花了多長時間去制作《游弋黑白》這張專輯？
馬克西姆：兩個月。制作人非常棒，我有一個很棒的團隊，我們一起工作了很多年。
音樂周刊：中國很多樂迷試聽專輯很大一部分是因為專輯封面，你對這次封面設計有什么樣的想法，這種時尚大片感很強的照片怎樣跟古典音樂結合在一起？
馬克西姆：這張照片是很著名的攝影公司制作的，我非常喜歡這張照片，我告訴團隊我想用這個封面，這是一個非常不同的想法，非常有趣。因為我的演奏一半是跨界一半是古典，所以正好用這個照片呈現出來，這是最簡單派的藝術作品。
音樂周刊：封面照片可以傳遞出很多想法，比如說時尚跟古典音樂的融合。你希望這張照片可以傳遞出更多的是什么？
馬克西姆：我傳遞一些我喜歡的東西，這是我的想法。我會想象CD封面上面印著我的臉，人們可以對著封面說這是跨界音樂、那是古典音樂。
音樂周刊：人們對外表的關注對你來說是好是壞？過度的容貌關注對你來說有什么感受？
馬克西姆：在我的工作中拍攝照片是宣傳需要，而彈鋼琴才是我的首要工作。其實有些時候我會很享受，有時我會拒絕拍照，因為我要練琴。
音樂周刊：如今古典音樂的趨勢很注重年輕帥氣的音樂家，會從這個角度推崇一些古典音樂家。
馬克西姆：很多年輕人聽古典音樂會，我認為古典音樂是一個非常好的東西，這是一個很好的方式去鼓勵年輕人。無論是白人還是黑人，古典音樂在東歐是嚴肅音樂，這是一種吸引年輕人去欣賞古典音樂的方式。
“我會很想念古典樂”
音樂周刊：北京音樂會的演出風格是怎樣設定的？
馬克西姆：我會跟我的樂隊首先表演跨界音樂，然后進入古典的部分，最后回到跨界，暫時沒有中國主題的曲目。古典部分表演曲目是穆索爾斯基《圖畫展覽會》 。
音樂周刊：為什么一下子要回到純古典音樂？
馬克西姆：一方面表演太多跨界的東西，我會很想念古典音樂，所以想開始表演另外一方面的東西。
音樂周刊：這次為什么選擇《圖畫展覽會》？
馬克西姆：我從小就非常喜歡這個作品。《圖畫展覽會》是一部鋼琴套曲，由很多幅“圖畫”小品構成，每幅“圖畫”2分鐘，就像一個故事一樣。
音樂周刊：民族音樂――像《圖畫展覽會》――用鋼琴來演奏是一種挑戰嗎？
馬克西姆：挑戰這些是因為它們本身就是很有名的音樂，當演奏肖邦、拉赫瑪尼諾夫的協奏曲的時候，因為這些都被演奏過成千上萬次，這時你能做的東西是很少的。所以這次挑戰穆索爾斯基必須要有我自己的風格和特點。
音樂周刊：伊沃?波格萊里奇馬上要來北京演出，你之前有聽過他的現場演出嗎？你們走的路子非常不同，這兩種風格對于古典音樂來說是有不同價值的？
馬克西姆：我們從沒有見過面。我演奏跨界音樂時，與演奏古典音樂是完全不同的，希望你們可以喜歡。我和波格萊里奇的音樂完全是不同的東西，他的音樂非常特別，獨特的節奏，精彩的曲調，并帶有很長的連奏。
音樂周刊：聽說波格萊里奇每天練琴8小時，你每天會練琴幾小時？
馬克西姆：有大型的巡演練習4小時，可能沒有8小時。
“我脾氣比較大，不太在乎樂評”
音樂周刊：流行的演奏不是很嚴格按照古典音樂演奏方式，你怎么去保持古典的感覺？
馬克西姆：我平常不是這樣認為的，因為這個專輯反映了兩個身份，我小時候都是練習古典音樂，最初都是以古典音樂為主導走向，開始演奏流行音樂的時候，也是我的另外一面，所以這張專輯就是把兩個方面都呈現出來。這兩種風格完全不一樣。古典音樂有一個rubato（注），它需要流暢的方法表達音樂;跨界音樂就是完全不一樣的風格，這兩個是分開的。我剛開始做跨界表演的時候比較難，因為我本身是一個古典音樂的鋼琴家。
音樂周刊：做古典音樂專場時，會不會也像其他古典音樂家一樣，穿的很正式，還是一直保持現在的風格？
馬克西姆：演奏的時候最重要是自己的感情，其他方面其實都是個人風格，我平常的穿著其實跟演出沒什么區別。我以前不會穿西裝，我覺得很沒有新鮮感。幾年前才剛發現西裝穿起來很有趣，也是因為我自己開始喜歡了。
音樂周刊：中國有很多年輕聽眾，他們都很沉迷你的跨界音樂。而古典音樂或許你跟其他古典演奏家的區別并不大。如何去留住原有的那些觀眾？
馬克西姆：不管是哪種類型的音樂，我的粉絲都會來聽。我去泰國馬來西亞演出，那邊的聽眾對古典音樂了解較少，所以演出大部分是流行音樂，但也會加入古典音樂，可以讓那里的聽眾了解多一些。
音樂周刊：流行音樂舞臺有很個性的東西，有一種很high的狀態，你會不會在古典音樂專場中穿插這種個性的東西？
馬克西姆：我脾氣比較大，我喜歡普羅科菲耶夫、斯特拉文斯基、李斯特這些音樂家的作品，所以選擇的音樂都是因為曲子比較夸張，但表演跨界音樂的時候，樂隊有很多部分，有架子鼓，所以很難表達跟古典音樂一樣的情感，因為古典音樂每一個音都會有不同的意義，在跨界領域是不會有這種細節的。
音樂周刊：你小時候是在地下室練琴，音樂對你來說是慰藉，如今在體育場里演奏，這種感受有什么不一樣？音樂最終給你帶來了什么？
馬克西姆：我不知道。人們有時會問我更喜歡在小型劇場演出還是有5000名觀眾那樣的大場地演出。當人很多的時候，我會演奏得很興奮，如果演出場地很小的話，可以拉近觀眾和我的距離，不管場地大小，我都很享受演奏的過程。我很幸運可以演奏不同種類的音樂，與樂隊合作非常有趣。
音樂周刊：出道這么久遇到過純古典樂評的批判，你會怎么去思考？
馬克西姆：我做的音樂不可能讓每個人都喜歡，我做這些東西是為了讓喜歡我音樂的人去聽，人們聽完后欣賞它贊美它，這些對我來說是很重要的。而不喜歡我的音樂的人，對我來說無所謂，我并不是很在意。
注：rubato是專業音樂中的一個表情術語，指的是彈性速度，也就是說可自由發揮的節奏處理，但是這種彈性也是在合理的范疇之內，就像延長記號一樣，不可能無限制無休止的任意延長某一個音符，還是有些規范在里頭。但是，出現rubato的段落，演奏者就可以根據主觀的理解對樂曲進行自己的處理了。
附：專輯曲目表：
1 Ballet Moderne現代芭蕾
2 Sabre Dance馬刀舞曲
3 Gymnopodie No.1歌舞No.1
4 Fiesta狂歡節
5 Midnight Menuette午夜小步舞曲
6 After Mussorgsky在穆索爾斯基之后
7 Lyra萊拉
8 Promenade漫步
9 No.1’The Gnome’ No.1侏儒
10 Interlude 1，Promenade Theme 插曲1，侏儒主題
11 No.2’The Old Castle’ No.2”古老的城堡”
12 Interlude 2，Promenade Theme 插曲2，漫步主題
13 No.3 ‘Tuileries’ No.3 “杜伊勒里”
14 No.4 ‘Bydlo’ No.4”牛車”
15 Interlude 3，Promenade Theme 插曲3，漫步主題
16 No.5 ‘The Ballet Of The Unhatched Chicks’ No.5”鳥雛的舞蹈”
17 No.6 ‘Samuel Goldenberg and Schmu？le’ No.6”兩個猶太人――胖子和瘦子”
18 No.7 ‘The Market At Limoges’ No.7”里莫日的集市”
19 No.8 ‘Catacombs’ No.8”墓穴”
20 Cum Mortuis In Lingua Mortua 以死者的語言與死者對話
1.古典與流行音樂結合的必要性
古典音樂和流行音樂是兩種不同構架、不同風格的音樂形式，古典音樂規模宏大，清新典雅，流行音樂情感豐富，易于傳唱。兩者雖然在表現形式、受眾等方面有所不同，但是它們的基本結構和本質是不變的，它們都是人們表達內心情感的音樂形式。如今，許多古典音樂在表達形式上日趨流行化，古典音樂與流行音樂的結合也更加緊密。大學生雖然已經具備了一定的音樂欣賞能力，但是由于審美方面的愛好不同，音樂素養差異，加之年齡所限，缺乏閱歷，身心發展還不夠成熟，因此，音樂教學中，應該針對不同對象的喜好，在高校音樂教學中將古典音樂與流行音樂結合起來，以豐富音樂教學內容，滿足大學生的情感和表達需求，提高學生的審美能力，使大學生養成健康的審美情趣和道德品質。
2.大學音樂教學中古典與流行的結合途徑
2.1豐富教學內容，改革教學形式。由上述可知，古典音樂和流行音樂有著不同的特點，兩者的受眾在審美興趣、喜好等方面也有所不同，針對兩者的差異性，教師可以課內外教學內容一體化理論為指導，構建課內外教學內容一體化的教學模式，將古典音樂與流行音樂都引入到高校音樂課堂上去。確切來說，高校音樂教師在音樂教學中，要樹立開放的教學思想，要結合大學生的身心發展規律、審美心理特征進行音樂教學內容和形式創新，廣開音樂選修課，為學生提供更多接觸多種音樂種類的機會。在音樂教學中，教師要加強音樂教學與社會生活的關聯，將學生喜愛的流行音樂如《告白氣球》、《不將就》等用到音樂教學中來，一方面滿足學生的審美需求，激發學生的學習興趣，一方面地學生進行正確的價值觀教育，提高學生的思想認識。在講述到與古典音樂有關的音樂樂理知識時，教師要積極借助多媒體、投影儀等現代教學設備來形象講述古典音樂知識，借助多樣化的教學方法和經典古典音樂如《高山流水》、《梅花三弄》等，加深學生對古典音樂藝術特色、樂理知識的認識和了解，構建富有傳統韻味的音樂課堂，真正使學生了解古典音樂，愛上古典音樂。2.2提高大學生的學習興趣和音樂素養。就古典音樂和流行音樂比較而言，大學生顯然更喜歡流行音樂，究其原因，許多學生從小就接觸到流行音樂，他們對流行音樂也更感興趣。在許多大學生看來，古典音樂雖然高雅別致，但是已經過時。高校古典音樂與流行音樂綜合教育，首先要改變的大學生對古典音樂的偏見，而要想改變大學生對古典音樂的偏見，教師要想方設法激發學生的古典音樂學習興趣，提高學生的音樂素養和綜合素質。這也要求高校音樂教師在教學中，在選用的教材、課堂練唱教學中，合理掌控古典音樂和流行音樂的比例，抓住一切機會給學生普及一些古典音樂知識。如在課堂休息時間，教師可以根據當天天氣情況、社會熱門話題播放一些應情應境的古典音樂，或根據該堂課所要講述的內容，將古典音樂和流行音樂進行對比分析，以引起學生對古典音樂的關注，使學生慢慢接觸并接受古典音樂。2.3借助校園文化進行音樂教學。如今，隨著社會發展，高校音樂教學的開放性不斷增強。在高校文化建設中滲透音樂教育，進行音樂教學資源開發，是大學音樂教學創新的有效途徑。因此，高校要以校園文化建設為基礎，將音樂教育與校園音樂文化建設結合起來，支持學生創建音樂社團，鼓勵學生以社團為單位開展各種音樂學習、交流活動。與此同時，豐富學生的校園文化生活，開展各種音樂表演、欣賞和文化活動，舉辦各種音樂比賽、音樂會，推進校園音樂文化建設，培養大學生的音樂素養。或者引導有音樂特長的學生積極參加社區、地方舉辦的音樂比賽、文化活動，并給予他們幫助和指導，使學生在藝術實踐中掌握更多有用的知識，提高音樂素養。
綜上所述，在大學音樂教學中，將古典音樂與流行音樂結合起來，具有一定的必要性。高校要以音樂教學改革為出發點，積極探索古典與流行的結合途徑和新的教學方法，通過兩者相互結合、創新教學實現音樂教學目標。
參考文獻：
[1]白帆.大學音樂教學中古典與流行的結合路徑探討[J].音樂時空,2016,01:152-153.
[2]趙靜.大學音樂教學中古典與流行的結合[J].大眾文藝,2016,06:239.
[3]劉興武.基于大學音樂教學中古典與流行的結合探究[J].戲劇之家,2017,03:202-203.
新一輪教育改革要求我們更多地以孩子為中心，因此幼兒音樂教育也必須向傳統的音樂教育模式發起挑戰，順應整合課程的發展趨勢，關注藝術教育在五大領域中的中介作用，促進幼兒在以音樂為媒介的整合課程中的發展。
西方古典音樂因其嚴謹、復雜的曲式結構，悠久的發展歷史，音樂本身的民族特色及其嚴肅的表現方式，讓眾多一線幼兒教師在幼兒音樂教育教學中因難以駕馭而鮮有嘗試。
一、西方古典音樂的發現之旅
（一）西方古典音樂的概念
我們現在所說的“古典音樂”，確切的說應該是“西方古典音樂”，即Classical music。對西方古典音樂的界定是有廣義和狹義之稱。廣義的概念是指那些從中世紀文藝復興時期開始至今的、在歐洲主流文化背景下創作的傳世作品。狹義的西方古典音樂特指歐洲古典主義時期（約1750-1720年）以海頓、莫扎特、貝多芬三巨頭為代表的“維也納古典主義音樂”，因其復雜多樣的創作技術和所能承載的厚重內涵而有別于通俗音樂和民間音樂。
（二）西方古典音樂各個時期的風格特點
音樂是文化孕育出的精華，是文化的外延。根據古典音樂的產生時期及其在不同時代文化背景下不同的風格特點，人們通常把西方古典音樂劃分為巴洛克時期、維也納古典時期、浪漫主義時期等幾個階段。
巴洛克時期的音樂以蒙特威爾蒂、巴赫、亨德爾為代表，因為當時宗教改革風起云涌以及中產階級的日益壯大，這一時期的音樂與文藝復興時期的音樂相比呈現出的特點體現在樂曲的音高、速度和力度的對比更加強烈甚至略帶夸張，而且音樂的表現形式開始多樣化。
維也納古典主義狹義上是指以海頓、莫扎特和貝多芬等三位維也納大師為代表的樂派，這一時期的音樂受歐洲啟蒙思潮運動的影響，在音樂表現上取代巴洛克時期的多裝飾和富麗堂皇，著重在于展現人性及實現聲響美，其在音樂中散發出來的理性和智慧的光芒，更是成為古典音樂的藝術典范。
浪漫主義音樂思潮產生于18世紀末19世紀初資產階級革命的動蕩時期，當時歐洲流行德國古典哲學和空想社會主義學說，這樣的社會文化背景也直接導致了這一時期的音樂在小巧和溫和中無不透漏出令人陶醉的浪漫氣息。
二、西方古典音樂對幼兒發展的價值
西方古典音樂以交響樂為主，講究和聲和節奏，曲式以深刻嚴肅而見長，突出主客觀的對立，著重美學及功能性。古典音樂的這些特點雖然讓很多人盲目的覺得他們太難以理解而“望之卻步”，但據研究證明，人類大腦中許多與學習相關的聯系，都可以在胎兒及嬰幼兒時期用古典音樂去激發。
（一）西方古典音樂與胎教
隨著時代的進步，古典音樂應用于胎教的功能性受到越來越多人的認同，其中，古典音樂因為曲式的復雜性和嚴謹的構成模式被普遍認為有助于培養胎兒及嬰幼兒的認知能力，而且這種能力的培養也有助于他們隨著年齡的增長去學習有關數學、科學以及語言方面的知識。此外，由于西方古典音樂大多是鋼琴曲或交響樂，例如莫扎特的《弦樂小樂曲（K525）》就是一首以小提琴為主的多聲部弦樂演奏的音樂作品，樂曲雖然復雜卻有著極其規律的變化模式，古典音樂這樣的特點有助于培養胎兒及嬰幼兒強烈的時間感和空間感，長此以往，孩子解決問題的能力、接受新鮮事物的能力自然也就有所提高，這些對于幼兒在智力游戲及科學實踐中潛力的開發也起到了很好的基礎作用。
在胎教日益受到重視的今天，我們也越來越容易在各種胎教書籍、網站上發現推薦適宜胎教的各類古典音樂，但不難發現，莫扎特的這首經典小夜曲仍舊高居榜首。
（二）西方古典音樂與學齡前兒童
古典音樂具有豐富的內涵，其音樂本身的內容和嚴謹的表達方式，對于學齡前兒童的發展也具有重要的價值和意義，這體現在：
1、可以從中學習到一些音樂知識，了解一些音樂家的勵志故事。莫扎特是一位英年早逝的天才音樂家，他曲折而富有故事性的人生經歷必然會為幼兒所吸引，因為喜歡聽故事正是每一個幼兒的天性。同時在音樂營造的氛圍下聽故事，有助于幼兒潛移默化的建立旋律感、律動感和節奏感，為以后音樂的學習打下牢固的基礎。同時，故事的記憶、復述和想象，有助于幼兒未來學習能力的提高，促進其語言能力、注意力、想象力和創造力的發展。
2、可以培養兒童邏輯性和理性的發展。古典音樂是具有規則性本質的音樂，具有嚴謹的曲式結構且曲式結構合理，注重邏輯和形式的美感。這些都有助于幼兒在音樂的感受、欣賞、學習和表現過程中逐漸培養起縝密的邏輯思維模式和理性思維方式。古典音樂的這些本質性的特點在《K525弦樂小夜曲》中同樣有著深刻的體現，小夜曲由四個基本部分組成，其主旋律在第一部分的中間開始出現，此后，在后幾個小節中開始反復出現，樂曲的反復性和規律性有利于兒童在捕捉樂曲旋律的同時培養其邏輯性和理性的發展。
3、古典音樂有助于幼兒情感的發展。正如音樂家斯特拉文斯基所說：“音樂就是情感，沒有情感就沒有音樂。”古典音樂作為“流行”于各個時代的“經典”音樂，任何一首樂曲都是作曲家情感的凝聚和體現。《K525弦樂小夜曲》是莫扎特在布拉格演出歌劇《費加羅婚禮》獲得巨大成功之后，緊接著創作出的作品。整首樂曲節奏活潑流暢、旋律溫柔恬美，充滿了明朗的情緒色彩和青春氣息，跳蕩著無憂無慮的情感，象征著幸福完美的感情。因此，兒童在感受、欣賞和表現樂曲的同時，自然會感受到曲作家強烈的感情，并且也會受到感染，從而促進自己情感的形成和發展。
4、古典音樂促進幼兒審美的發展。古典音樂作為藝術的一種，本身就是一種美的體現。幼兒在欣賞古典音樂的同時，審美的能力將與音樂審美目標同時發生，從而促進幼兒審美能力的提高。
三、西方古典音樂應用于幼兒音樂教育的現狀及存在的問題
（一）應用現狀
雖然西方古典音樂以其嚴謹的結構、和諧的旋律而經久不衰。但是大部分人在聽到“古典音樂”這幾個字的時候，腦海中仍舊不由自主的浮現出演奏者高雅的服裝、嚴肅的指揮、恢弘的表演陣容、面容肅穆的聽眾……從而很難對“古典音樂”產生親近感。
那么“古典音樂”在幼兒教育中的狀況究竟又是什么樣的呢？
筆者曾在陜西省多所幼兒園見習或實習，期間對于這些幼兒園的音樂教學進行了細致的觀察并進行了詳盡的記錄，結果發現，部分幼兒園音樂教學仍舊是傳統的“學唱歌”——老師教一句，幼兒唱一句。在“學唱兒歌”和“律動表演”的主旋律中，部分學校也會開展專門的奧爾夫音樂集體教學，由受過相關培訓的老師進行執教，不過這樣的機會每個班級并不是很多。然而，在眾多的幼兒園音樂教學形式和教學內容中，將古典音樂的欣賞納入到正常的教學活動設計中的少之又少甚至沒有，因此筆者在看到這一現狀時也甚感擔憂。
通過筆者在幼兒園的訪問觀察發現，西方古典音樂在幼兒園的教育教學活動中所占的比重少之又少，甚至是空白，這樣的音樂教育現狀讓人不得不深感擔憂。
而與西方古典音樂在幼兒園“市場”冷淡的場景相比，奧爾夫音樂教學在幼兒園相對發展比較“繁榮”。大部分幼兒園會有受過專業學習和培訓的教師負責全園幼兒的音樂教學活動。
（二）當前幼兒園音樂教學中存在的問題
部分幼兒園在吸收奧爾夫音樂教學法的同時，雖然學會了奧爾夫音樂教學的方式和模式，但是在對其教學精神的領會方面仍舊存在著一些問題和不足，具體表現在：在對孩子進行音樂的培養上存在著專業化傾向；強調某一作品的工藝性，輕視幼兒的整體性發展；教師教學中，忽視幼兒的主體性，教學方法比較單一；只把音樂教育簡單的理解為“唱兒歌”“打節奏”等，不注重音樂教育與其他領域的整合。
在國際幼兒教育界已經逐步認識到“整合”對于兒童學習的重要意義的前提下，幼兒園整合課程的設計顯得尤為重要和關鍵，而以音樂為中介的幼兒多元發展也成為眾多幼教專家的研究方向。而在關于如何“整合”方面，加德納教授的“多元智力理論”為我們提供了解決問題的理論基礎。
四、整合活動設計思路——以《K525弦樂小夜曲》為例
（一）理論基礎
1983年，美國哈佛大學發展心理學家Dc.Howard Gard—ner在批判智力單因素論的基礎上，運用發展和認知心理學、生物進化論、人類學、心理測量學等領域的知識，通過對天才兒童、大腦損傷病人、環境和教育影響等方面的實證研究和事實分析，系統的提出了多元智力理論。
加德納認為，“世界上兩個人沒有完全相同的智力組合，每個孩子都是一個潛在的天才兒童，只是經常表現為不同的方式，除了‘天才’之外，對一般人而言，只要教育得當，每個人的七八種潛能，都能得到相當高的發展水平。全面開發學生的潛能不僅是必要的，而且是可能的。”
20世紀90年代后期，加德納在擴展研究并探討多元智能在教育實踐中的運用的過程中，對自己原先提出的7種智能進行了修改，增加了八種智能。這樣，代表兒童不同發展發面的智能包括了：語言智能——人身上所表現出來的對語言文學的掌握能力；數理邏輯智能——數學和邏輯推理的能力，科學分析的能力；空間智能——在頭腦中形成一個外部空間世界的模式并能夠運用和操作該模式的能力；音樂智能——能夠敏銳的感受音樂和創造音樂的能力；身體運動智能——運用整個身體（或身體的一部分）解決問題或者表現創造的能力；人際關系智能——理解他人的能力，即善于理解和認識他人的動機，與他人交往合作的能力；自我觀察智能——欣賞大自然并善于把握自然中各種物體和物體之間關系的能力。
加德納的多元智力理論使我們認識到，教育需要在尊重兒童發展的個別差異性和注重兒童發展的全面性方面尋找一種平衡。將多元智力理論應用到幼兒園，一方面是提醒幼兒園教師“每一個孩子都是不同的，每一個孩子都是一個潛在的天才”，從而不以統一的標準要求所有的兒童、不制定所謂的標準、認同孩子在學習以外的其他方面的表現并予以鼓勵。在另一個方面，給孩子提供更大發展空間和發展舞臺，能夠在更為自由和寬廣的天地里探索自己更為感興趣、更喜歡、更寧愿專注于的事情。而這些正是幼兒園整合課程發展的迫切要求的體現。
在整合課程中，必須以幼兒的核心經驗進行課程設計，課程的內容既要充分考慮各個領域課程的發展要求，即既可以按照《幼兒園教育指導綱要（試行）》中劃分的健康、語言、科學、社會、藝術等五大領域進行設計，也可以根據多元智力理論劃分的兒童發展要求，即語言智能、數理邏輯智能、音樂智能、空間智能、身體運動智能、人際關系智能、自我認識智能和自然觀察智能來進行設計。
（二）樂曲分析
莫扎特一生共創作了13部小夜曲。G大調弦樂小夜曲（K·525）創作于1787年8月24日，是當時器樂小夜曲的典范。此曲是莫扎特在布拉格演出歌劇《費加羅婚禮》獲得大成功之后，緊接著創作出的作品。這首弦樂小夜曲，是為黃昏或晚間貴族們娛樂、餐宴而作，曲子極為美麗，抒情宜人。
這首《小夜曲》全曲共分為四個樂章，好似一部小型的交響樂。
第一樂章是4/4拍子的奏鳴曲式，是進行曲風格，具有輕快、流行的氣質，輕快活潑的音樂符合孩子純潔活潑的天性，必然可以吸引他們的注意。第二樂章是2/2拍子的三部曲式，曲調十分浪漫抒情，在這個部分適宜的加入一些符合樂曲背景的故事，既符合樂曲的特點，又能為幼兒所喜歡。其中中間部分第一小提琴和大提琴卡農風的對話，由于高音區和中音區的互相對照，加強了音樂的戲劇性，并在征收小夜曲的色彩對比上起到了很大的作用。第三樂章為3/4拍子的復三部曲式，明快、有力的第一段和柔和、甜美的第二段相應成趣，為小舞步曲中的杰作。這部分似乎是在暗示著故事將有一個美滿而快樂的結局，王子和公主將要過上幸福的生活，幼兒的情緒也必將隨著音樂而有著無法抑制的快樂。第四樂章是2/2拍子的回旋奏鳴曲式，洋溢著輕快的青春氣息，如同一個故事結束了，老師和幼兒還沉浸在剛剛的故事中，砸著嘴巴慢慢品味呢。
（三）整合活動設計思路（活動月）
活動名稱：《小夜曲K525》
活動目標：1.通過活動參與，體驗《小夜曲K525》的旋律；2.知道作曲家的生平及曲子的創作緣由；3.認識提琴的種類及其聲音；4.培養幼兒聆聽古典音樂的愛好。
活動準備：
1.幼兒準備：（1）讓幼兒習慣聆聽音樂，可以在幼兒午睡或做工作時放輕緩的古典音樂；（2）訓練幼兒以音樂代替老師的口令進行集合、安靜、I-N所等。
2.教師準備：（1）收集有關17、18世紀歐洲宮廷生活圖片；（2）收集提琴的圖片及音樂；（3）讓家長陪同幼兒聆聽《小夜曲K525》。
教學設計與內容：
（一）情境布置
1.整體教室布置：利用窗簾布、桌布、皺紋紙、床罩等材料，將教室布置成17、18世紀歐洲宮廷的樣子。
2.區域布置：（1）娃娃家：將娃娃家布置成歐洲貴族飲用下午茶的地方（提供茶具及假的西點，供角色扮演）；（2）繪畫區：雕塑——用紙黏土做出你所知道的歐洲紳士、淑女的樣子。撕貼畫——撕出歐洲宮廷建筑的輪廓；（3）建構區：運用大積木或樂高建構歐洲宮廷建筑；（4）圖書區：放置與17、18世紀歐洲宮廷文化相關的書籍。
（二）手偶劇表演：以《小夜曲》為背景音樂，利用手偶生動的講述莫扎特和音樂的故事，并請幼兒復述和扮演。
（三）影片欣賞：放映有歐洲貴族宴會的影片（建議：卡通《凡爾賽玫瑰》）
（四）說故事：以《小夜曲》為背景音樂，講述《灰姑娘》或《睡美人》等以宮廷為背景的童話故事，可以請幼兒復述、角色扮演。
（五）戲劇扮演：1.請幼兒扮演成歐洲貴族的紳士或淑女參加宴會；2.故事分角色扮演。
（六）認識樂曲中的演奏樂器：提琴家族：大提琴、小提琴、中提琴、低音提琴。
（七）校外教學：帶領幼兒參觀幼兒園附近的樂器行，認識提琴家族。
（八）游戲：讓幼兒分組進行猜樂器游戲。（樂器聲音提前準備）
（九）音樂律動：隨音樂節奏自由搖晃身體或進行有節奏的動作表現。
（十）音樂畫圖：隨著音樂的節奏、旋律，根據自己的體驗，自由創作畫面。
活動延伸：有趣的下午茶。在教學分享時間舉辦這個活動，讓幼兒體驗歐洲貴族的飲茶文化。
五、結語
基于這種想法，我開始在教學中進行嘗試。
一、分配時間。教育心理學資料表明：每節課出現三個時間狀態，即“最佳時態”、“始抑時態”和“近閉時態”。“最佳時態”約在一節課的前25分鐘，學生在這段時間呈現出情緒高漲，精力集中，體力旺盛，思維活躍的學習狀態。“始抑時態”約在一節課的25-35分鐘，學生在這時精力已不夠集中，精力下降，注意力開始分散。“近閉時態”約在一節課的35分鐘之后，學生在這時呈現學習興趣極低，無精打采，思維不能隨教學內容的變化而變化，學習的效率極低。各時態的持續時間，隨著不同的班級、內容而發生變化。因此我盡量把課本教學安排在“最佳時態”和“始抑時態”這兩個時間段內，約為30分鐘左右；將課外音樂欣賞安排在“始抑時態”后期和“近閉時態”中，約為5-10分鐘。
二、選擇內容。首先，我做了一個問卷調查，對象是我所教的四年級學生。調查結果表明，對流行音樂感興趣的，約占95%；對兒童音樂感興趣的，約占60%；對戲曲感興趣的，約占20%；了解原生態音樂的，約占5%；了解古典音樂的，約占12%。對比著這次調查的結果，我開始有針對性的通過各種渠道搜集音樂素材。然后，我把搜集來的音樂素材分門別類進行整理，并根據不同的內容制定了不同的教學方法。例如：
1.勇于入“流”入“俗”。
“流”是為流行，“俗”意為通俗。如果課堂上你對“周杰倫”、“林俊杰”、“SHE”、“筆筆”等一無所知，那學生將會取笑你的落伍。如果你對此有所了解，并能說出自己獨特的見解與感受，那學生將從你身上找到共鳴而親近你。小學階段的學生，對流行和通俗音樂的欣賞與崇拜是盲目的。課堂上，常有學生叫囂著喜歡周杰倫的歌，問其為什么喜歡，他侃侃而談：“周杰倫他很有才華，唱的歌都是自己寫的，每年都能出一張新專輯。他自己還說呢，每張專輯里都會有一首中國風的歌曲。這說明他很愛國。”然后有學生又提出不同的看法：“我不喜歡周杰倫，他口齒不清，唱歌速度又快。”于是我就找了一首比較有代表性的歌曲《霍元甲》放給他們聽。欣賞完之后，我和學得出一個結論：周杰倫確實是一個值得我們崇拜的歌手，但是他的大多數音樂并不適合小學生來學習和演唱。從那以后，學生們對周杰倫的歌曲就有了比較理性的認識。所以說，流行音樂并非洪水猛獸，教師無須談之色變。只要教師擅家引導，它將是音樂課堂的調味品，更是師生感情的劑，是寶貴的課程資源。
2.重視民族音樂。
我國是個多民族的國家，少數民族音樂特別豐富，每個地方都有自己獨特的音樂。在課程資源開發上，要把當地的自然環境、人文環境、現實生產、生活環境與民族音樂特色相結合起來，因地制宜的把民族音樂采入課堂。
四年級學生在學完了民歌的三種類型后，我利用周末的時間，去老藝人那里錄制并“偷師”了一段民間音樂，然后在隨后的教學中展示給學生，使學生認為自己家鄉的音樂是“不入流的”觀念徹底更新，并對民歌有了新的認識。我還給他們播放了原生態歌手阿寶和全國十大男高音歌唱家戴玉強以及著名民歌歌唱家吳雁澤同臺演唱的《草原上升起不落的太陽》，讓學生深切感受到這三種不同文化內涵的歌唱都有著打動人心的巨大魅力。這種具有地方特色與個性化的教育資源才是我們真正要重視的多元音樂。這些內容貼近學生生活，和我們教材的共性內容形成互補，使我們的音樂教學變得更加親切、有趣、新穎和豐滿。
3.淺嘗古典音樂。
俗話說“詩言志，歌詠言”，歌為心聲。如果音樂缺乏與學生生活產生共鳴的東西，就難以讓學生產生興趣，吸引學生。例如，從小學習古典鋼琴的周杰倫偶像是有“鋼琴詩人”之稱的肖邦。他的新專輯《十一月的肖邦》從造型到主打歌都以古典為基調；SHE的新歌《波斯貓》在編曲中引用了凱爾巴特的《波斯市場》中的樂句；王力宏自幼學習古典音樂，他的流行音樂的創作精神就有古典音樂的影子，在他的歌曲《感情是舞臺》中，王力宏以為對象，編曲中用了他的《第四交響曲》中的一個樂句。由此可見古典音樂對現代流行音樂的影響是十分深遠的，所以我就在課堂中給學生們欣賞了一些古典音樂。音樂是沒有國界的語言，通過給學生們欣賞不同時期、不同國家、不同語言的古典音樂，使學生們對古典音樂有了初步的了解。
三、資源運用。教材外音樂資源不同于教材中的音樂資源那樣有配套的磁帶或教學光盤。從網絡中下載音樂，也是我常用的一種手段。我把下載好的音樂，刻成CD來播放，可是每次將音樂刻成CD，價格高，成本大，還有易磨損、不方便攜帶等諸多不便，所以僅僅依靠CD是遠遠不夠的。在這里，我向大家推薦使用錄音機播放MP3。方法是用一根音頻連接線的一端連接MP3的PHONE接口，即音頻輸出的接口，另一端連接錄音機的karaok接口，即話筒接口，在播放MP3的同時按下錄音機的PLAY鍵，這樣就可以用錄音機播放MP3播放器中的所有內容了。我還把話筒運用在了教學過程中，結合MP3的錄音功能，把學生演唱的歌曲錄制下來放給大家聽，并讓學生來評價。這種方法也極大的刺激了學生的表現欲望，提高了學生對音樂課的興趣。
這些音樂課堂的“題外話”似乎是我“多管閑事”，但是身處音樂教師這個圈子之中，身在學校教學一線，“題外之話”卻又是和我們的教學事業息息相關。只有不斷地提升音樂課的質量，豐富音樂課的內容，才能有效地拓寬學生的音樂視野，同時才能使自己成為一名優秀的音樂教師。
參考文獻：
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艾奧迪說：“當人們為自己有限的時間感到疑惑時，就想用全部的精力和情感來填滿它，并想象著自己超越了時間的界限，像孩提時代那樣認真度過生命中的每一刻。”
意大利作曲家、鋼琴家魯多維科·艾奧迪（Ludovico Einaudi）的第十二張專輯《時光定格》（In A Time Lapse）于2013年6月在中國大陸發行。專輯錄制于2012年10月，十四首曲目歷時兩年時間創作完成，作品延續了其一貫的阿波羅式冷靜觀照、光明澄澈的音樂風格，探討生活中易被忽略的某些瞬間，試圖用音樂捕捉并還原其本人對大自然與日常生活中細碎情節的感悟，頗具哲學內涵。艾奧迪說：“當人們為自己有限的時間感到疑惑時，就想用全部的精力和情感來填滿它，并想象著自己超越了時間的界限，像孩提時代那樣認真度過生命中的每一刻。”
《時光定格》的演釋以鋼琴、電聲、弦樂和打擊樂為主，弦樂部分由意大利名家室內樂團擔綱，并邀請到小提琴家丹尼爾·霍普傾情獻演。專輯在歐洲率先發行后大獲好評，穩坐英國UK古典銷售榜三甲寶座，至今仍居Amazon UK古典銷售榜冠軍，并一直保持在Amazon UK銷售榜Top 100之列。不僅如此，《時光定格》的數字銷售量占專輯銷售總量的大部分比重，此舉更打破了古典音樂數字銷售記錄。這樣的成績不僅為古典音樂數字銷售打開了新局面，艾奧迪也由此成為了古典音樂全新銷售模式的先驅者和領路人。
魯多維科·艾奧迪1955年出生于意大利都靈，母親也是一位鋼琴家，他從小就受到了鋼琴音樂的熏陶。他曾在米蘭音樂學院學習古典作曲和鋼琴，師從二十世紀最重要的先鋒派作曲家——意大利著名作曲家、指揮家和音樂教育家貝利奧（Luciano Berio），并獲得了作曲學位。
艾奧迪早年專門從事比較嚴肅的交響音樂的創作和為一些電影、芭蕾舞劇配樂，包括電影《黑天鵝》等。隨著作品的日臻成熟，他開始展現出更多的個人風格，將自己對于音樂本真的思考以及對生活無限的熱情融入其中，在創作上努力融合非洲音樂、民謠及搖滾樂等諸多音樂元素。二十世紀八十年代中后期，艾奧迪轉向更自由的創作風格，意外地和新世紀音樂與極限主義走進同路，嘗試用新的形態來進行音樂制作和電影配音創作，卻沒料到由此進入New Age領域而一發不可收。他扎實和渾厚的古典鋼琴、交響樂作曲功底和才華，無疑使得他的音樂渾然天成，盡管只是獨奏，氣勢也依然獨到。
1996年，艾奧迪發行了自己獨特風格的個人專輯《Le Onde》，獲得世人的矚目和贊譽。他的作品追求簡約主義的風格，汲取了世界音樂和流行音樂的各種元素，寧靜優美，又充滿沉思和內省的氣質。與一些世界音樂圈大師的合作，他的作品增加了更多地域與音樂融合的表現力。2006年《演變》（Divenire）專輯，音樂主題繼承了早先作品的思緒和簡約風格，除鋼琴之外，艾奧迪擴展了他的音樂框架，與利物浦皇家愛樂樂團的合作，讓音樂內涵愈發滿含強烈張力、憂郁、冥想和美麗。
近年來，艾奧迪悄然登上了世界著名音樂家的寶座，他扣人心弦又激奮人心的美妙旋律讓全球為之動容。艾奧迪在歐洲的音樂會時常一票難求，他的作品不僅備受樂迷追捧，也得到很多音樂家的認可。鋼琴王子理查德·克萊德曼的最新專輯《浪漫》中就收錄有他的作品《海浪》。英國《每日電訊報》說：“魯多維科·艾奧迪打破界限，看似簡單的旋律卻具有深深的感染力……讓人感到興奮，并為他藝術化處理的鋼琴作品而著迷。”英國著名的在線音樂雜志《The Line of Best Fit》給予他音樂這樣的評價：“溫婉的憂傷，虛無縹緲的美，整個房間像被施了魔法，物體緩慢地移動，每一個當下都深刻地停留。他在為愛人、為孤獨、為生命、為生活雕琢不同的聲音。”英國《獨立報》稱艾奧迪的創作“既遵循古典音樂的框架，又有似流行樂般對美妙旋律的渴求”。他的音樂總被認為是容易接近的，被描述為“最低綱領主義者”，曲風深受巴赫、莫扎特、肖邦等音樂家的影響，古典大氣而不乏現代感，只是始終無法被簡單歸為某種類型，因為它總是讓人領略到多元音樂相互融合的美妙。
一、普通高校流行音樂的就業形勢
隨著高校畢業生人數的逐年增多，我國就業形勢日趨嚴峻，廣大高校畢業生也逐漸認識到了就業工作的重要性，為此，我國高校流行音樂學科近十幾年來的快速發展也沒能抵御這嚴峻的就業形勢，同樣面臨著就業形勢十分艱難的局面。
據相關資料凋查顯示，我國高校流行音樂學科專業中實際就業情況主要有以下幾種：從事中小學音樂教育工作，如當音樂老師、舞蹈老師等；加入專業藝術團，從事相關演出作，如：參加商業演出、公益演出、義演、藝術展演等活動；自主或合伙創業，如開辦器樂培訓機構，設立演唱、舞蹈、電吉他、薩克斯等流行音樂相關的課程培訓，或者共同建立藝術傳媒公司。從事以上幾種工作的學生中，很多學生往往都會在鞏同自己專業的前提下，利用白己的業余時問來做兼職代課，以此來提升自己，以求更好、更快地發展。
根據當前流行音樂學科專業學生的就業情況來看，各高校應該樹立明確的教學目標，有針對性地豐富教學內容、改變教學模式，在新形勢的驅動下，為適應市場需求，培養出既能熟練掌握流行音樂學科專業的理論知識，具有較高的流行音樂演奏水平、富有創作性，又能夠勝任巾小學教育工作、藝術團體相關演出工作等的高素質專業人才。然而，多數學生在踏進工作崗位之后，往往無法滿足工作單位的實際需求，他們在學校所學的相關專業知識與就業單位的實質性工作需求脫節，從而使得流行音樂學科專業的學生就業前景不樂觀。
二、我國高校流行音樂學科的實際教學情況
我國高校流行音樂教育近十幾年來能得以快速發展的原因在于以下兩個方面：首先是流行音樂潮流的涌進，深刻影響了流行音樂在我國的發展，又由于為實現科教興圍的長遠戰略，我國各大高校的招生人數激增，從而額外開設了一些新型學科體系，增加了許多新型學科課程學習，從而為流行音樂學科的教育發展奠定了堅實的基礎。其次是因為流行音樂本身潛在的原因，其內在的發展動力也推動其快速發展。流行音樂教育的快速發展，取得了相應成果，同樣也面臨著許多問題急需我們解決。
（一）缺乏合理的學科建設和獨立的教育理念
目前我國各大高校的專業音樂教學方式主要還是傳統的灌輸式教學，教學內容也是參考西方古典音樂的教育體系的，為此西方古典音樂深刻影響了我國音樂教育的評判標準，使得我國流行音樂學科教育的教學理念脫離社會實際需求。我國高校流行音樂學科的建立還處在初步階段，其是西方古典音樂教育體系的分支學科，各大高校的多數任職教師普遍接受過西方古典音樂教育，他們習慣性地保留了西方古典音樂教育的思維方式，從而導致流行音樂的學科知識和整體結構的教育理念始終依賴著西方古典音樂教育體系，缺乏合理的學科建設和獨立的教育理念。
（二）對高校流行音樂學科專業方向的定位難以達成共識
隨著流行音樂潮流的涌進，各大高校相應地開設了流行音樂學科體系，然而，對于流行音樂各專業院系名稱的命名、專業方向的定位以及名稱的內在含義、相關概念、涉及范圍等，整個學術界都難以達成共識。對于名稱的含糊定義會對流行音樂教學的準確性產生嚴重影響，例如：如何正確區分流行音樂和現代音樂，并對各自的內涵所涉及的范疇做出明確的界定。而對于名稱的解析不同，往往會導致各高校在流行音樂的教育定位以及名稱命名上呈現多種形式，從而不利于流行音樂學科的規范化建設。
三、以就業需求為導向的高校流行音樂教學模式的改革
流行音樂學科教育作為一個新型的教育體系，機遇與挑戰共存，因此，要以就業需求為導向，針對目前高校流行音樂學科的教學模式做出進一步的改革，構建科學合理、標準獨立的流行音樂學科教育體系來適應形勢的發展，滿足社會就業單位的實際需求。
（一）樹立正確的教學目標，確定合理的學科體系
隨著社會不斷前進的步伐，對于音樂學科的教育也提出了更高的要求，而流行音樂學科教育的基礎是要培養出符合時代需求的音樂專業人才，明確發展方向來滿足社會市場需求。當流行音樂教育力爭轉變成為一個不再依賴西方古典音樂教育體系而獨立存在的學科教育體系時，它需要一個切實可行的、科學的理念來實現自身的價值，確定合理的科學體系并加以規范，從而使其可持續發展。
（二）合理劃分流行音樂相關專業，確定各專業基本發展方向
對于高校流行音樂專業的劃分，要做出合理的規劃，各專業之問不應有明確的界限，這樣才可以增加學科的專業互動，突破灌輸性的傳統教學模式，根據流行音樂各專業本身所具有的優勢來確定其發展方向，從而培養出適應社會就業需求的復合型專業音樂人才。
一
在西方，“藝術音樂”一詞習慣上指用較復雜的結構和一定的創作理論創作(書寫)音樂的傳統以及與民間音樂(folk music)、流行音樂(popular music)相對而言的一種音樂類型。CI，這類音樂的特征是注重形式風格和創作技術的復雜，與通俗音樂相比，聽眾要完全領會需要花費更大的努力。pl藝術音樂也稱嚴肅音樂(serious music)或博學音樂(erudite music)，主要指西方歷史上的古典音樂(classical music)，同時也包括現當代的電子藝術音樂(electronic artmusic)、實驗藝術音樂(experimental art music)和極簡抽象派藝術音樂(minimalist music)以及“一些更具挑戰性的爵士、搖滾音樂類型，”C3，但不包括通常被認為是通俗音樂的形式。盡管有某些作品處于藝術音樂和通俗音樂二者邊界或者被包括在兩種類型中，但是它們通常不同；C4I同樣盡管有某些類型的作品處于藝術音樂和傳統民間音樂之間，但是藝術音樂被認為和傳統民間音樂不同。
在國內，“藝術音樂’一詞的使用與西方一樣，主要指一種音樂類型或音樂模式。主要出現在以下學者的文論中。田耀農在《民族音樂與藝術音樂的最后分野》16I一文中認為，“藝術音樂指的是人類以聲音為物質材料所進行的充滿激情與活力的創造性勞動，是按照美的規律創造表達自身感受的聲音世界的實踐活動”，“井認為這種音樂開始出現于歐洲]2世紀，但一直到巴羅克時期才開始“真正獲得和繪畫、文學等其他藝術形式相等的位置”，即“]600年。以佩里(]561一]633)作曲的歌劇《尤麗狄西》的正式演出為標志，開始了藝術音樂的新時代，在經歷了巴羅克]50年的積累之后，]9世紀上半葉逐漸形成了以維也納古典樂派作曲家的個人創作作品為典范’的藝術音樂模式，這里作者在強調藝術音樂在歐洲]9世紀上半葉以前的歷史演變的同時，也指出了藝術音樂的“按照美的規律創造”、“非功利性”、“供人賞聽”等特征。作者進一步認為，藝術音樂是一種音樂的思維和行為模式，當“藝術音樂的思維和行為模式確立后，如同現代教育模式和科學技術一樣，迅速傳遍了世界各個民族或地區，就像沒有必要把大學、汽車稱作西方大學、西方汽車一樣，也沒有必要把藝術音樂的這種音樂模式稱為‘西方音樂”。顯然。作者所謂的藝術音樂主要指一種音樂文化模式。
楊燕迪在《音樂的“現代性”轉型“現代性”在20世紀前期中西音樂文化中的體現及其反思》一文中談到西方音樂的“現代性’轉型時指出，“隨著現代工業文明和城市文化在20世紀的不斷成熟，音樂的品種開始明確分化為彼此有別但又相互依存的三大種類：藝術音樂、民間音樂和流行音樂。……藝術音樂以專業作曲家的創作為中心，著力于具有深刻人文思想內涵和嚴肅審美意趣的開掘，在音樂表現上講究創新意識和個性追求。但其嚴重的危機在于，其明確的社會功能趨于減弱，對社會的文化影響力趨于衰微。另一方面，聽眾與新創作之間缺乏溝通和交流，趣味趨向保守，由此造成日常音樂生活中傳統的保留曲(劇)目占據支配地位。”這里作者所指的“藝術音樂”也是一種與民間音樂、流行音樂相對的音樂類型，是產生于西方近代以來的“以專業作曲家的創作為中心，著力于具有深刻人文思想內涵和嚴肅審美意趣的開掘，在音樂表現上講究創新意識和個性追求’的音樂類型。
張伯瑜在《中西音樂關系討論中概念與內涵的錯位》一文中認為“專業藝術音樂作為一種眾多個體創作的結果主要體現著藝術與技術的結合，滿足的是社會審美的需求”。這里作者在“藝術音樂’前加了“專業”二字，從名稱上就突出其“專業’特征。作者認為，這種音樂產生于西方，即它的“中心’在西方，但在它的影響下，世界其他地區也都有了專業藝術音樂，“可以說，西方專業藝術音樂已成為人類所共有的財產，成為各國音樂文化的一部分。廣泛一點說，已經是世界的了。……西方的專業藝術音樂承載著人類共有的審美因素，被世界各國人們所接受，成為了人類的共有財產，另一方面，世界選擇西方專業藝術音樂時除了全盤引進，常常予以民族精神和民族音樂因素的注入。至此，它還是西方的嗎?源于西方的專業藝術音樂承載著人類的共性因素，以同一種語言傳遞著不同的話語。”這里作者也是基于三大音樂類型而言的，和田耀農一樣，更加強調了藝術音樂思維模式的普適性，
在其它一些論文中出現“藝術音樂’一詞時，也有一定的所指。如杜亞雄在《數字“三”在西方藝術音樂中的象征意義》l’l中稱“本文中的‘西方藝術音樂’是指由歐美國家專業作曲家創作的音樂，和西方國家中狹義的‘音樂學’(MusIc00。gy)調研的范圍相一致”；高士杰在《基督教精神與西方藝術音樂傳統》rTo，中的“藝術音樂’概念也是指從格里高利圣詠發展而來的由專業作曲家創作的音樂；古宗智在《“藝術音樂”的傳播者一姜筑》IIIl一文中說”藝術音樂’指受過專門訓練的專業作曲家創作的作品，這個概念的科學內涵雖不那么縝密，但其外延指向約定俗成，故襲用之。’等等。
以上可看出，“藝術音樂”一詞在國內外的使用中雖有表述和范疇的不同，但主要指與民間音樂、流行音樂相對的一種音樂類型及其文化模式，這類音樂的主要特征是專業作曲家按照一定的理性思維模式和較復雜的理論技術創作的。這種音樂類型主要產生于。西歐]7，]9世紀，到]9世紀中葉，這種音樂的創作思維、創作手法、創作理論以及表現形式等成為一種“范式”滲透在音樂教育、音樂表演、音樂評論、音樂研究、音樂欣賞等各種音樂活動中。
二
]9世紀中葉以后，藝術音樂的范式向世界各地傳播，世界多數地區都不同程度地接受了這種音樂類型，井產生了具有本國或本地區特色的藝術音樂作品。相對而言，西歐以外的東歐、北歐和美國在]9世紀就較早地接受了這種音樂類型。112，其次是日本等現代化啟動較早的國家或地區。20世紀以后，世界多數地區隨著社會現代化的開始都已不同程度的借鑒或接受了藝術音樂的文化模式。20世紀下半葉以來，“學習西方專業藝術音樂已成為世界各國人們的選擇之一，如鋼琴是顯示受到良好音樂教育的標牌世界大多數國家的中小學音樂教育中含有西方音樂內晃鞣絞降囊衾盅г涸謔瀾綹鞴處處可見。”這種音樂類型向中國的傳人始于]9世紀末20世紀初。由于這種音樂類型的傳人沖擊了我國原有的音樂理論、創作方法、表演形式、音樂風格、音樂格局等，因而，我 國接受這種音樂文化的過程帶有曲折性。在20世紀初和20世紀末產生過兩次大規模的有關“中西音樂問題”的爭論或討論，盡管這一接受過程曲折，也無論這種接受對我國音樂文化的建設與發展是好是壞，但現實是，到2]世紀初，“中國目前有九所專業的音樂學院，有數十所大學的二級音樂學院，有上百所大學或藝術學院中的音樂系，它們構成了一個龐大的音樂教育體系。然而，這個體系無論在其形成的過程中，還是在其教學模式的設計上無不受到西方專業藝術音樂的影響。””’這在某種程度上說明我國已經接受并發展了這種音樂文化模式。
從語言學的角度看，無論是英語的“。rt music’還是漢語的“藝術音樂’，都是由兩個詞組成的短語。按照語言習慣，前面的詞是“修飾語”，它的功能是對后一部分的修飾或限制，后一部分叫“中心語”，它才是整個短語的核心，即“藝術”是用來修飾或限定“音樂”的。按照這一邏輯，“藝術音樂”，實指有藝術性的音樂，虛指藝術中的音樂。那么，何謂藝術性?一般的理解是“藝術作品通過形象反映生活、表現思想感情所達到的準確、鮮明、生動的程度以及形式、結構、表現技巧的完美的程度。0C15l作為藝術組成部分中的音樂，和繪畫、戲劇、舞蹈、雕刻等一樣，是一個概括性的泛指概念，它包括所有的音樂，只要能被認為是音樂，那就是藝術的組成部分。然而，并不是所有的藝術類型或作品都具有鮮明的藝術性，為此，一些理論家又將藝術劃分為美的藝術、流行藝術、民間藝術等幾個范疇。如英國當代藝術社會學家亞歷山大在其《藝術社會學》一書中就這樣劃分藝術。其中美的藝術中的音樂部分，正是我們前面所說的藝術音樂，包括歌劇、交響樂、室內樂等藝術性強的音樂。”盡管這樣的劃分就未必準確、令人信服，但至少說明美的藝術與民間藝術、流行藝術之間是有區別的。
三
由于藝術音樂是按照人類傳統的音樂思想、音樂理論、音樂實踐的基礎上發展起來的，并且和古代(主要是古希臘)音樂在某些方面有淵源關系，到]8世紀的“古典主義”時期，似乎達到了歷史的高峰，因而，人們又時常把藝術音樂稱為‘古典音樂”。但是“古典音樂”一詞是“泛指過去時代具有典范意義或代表性的音樂(不包括民間音樂)。有時專指西方資產階級上升時期的音樂，特別是維也納古典樂派的音樂或師法于該樂派的音樂。亦常用作現代派音樂或爵士音樂的對稱。”’l“古典”一詞所強調的是兩個層面：“古”是指與“今”相對的時間概念；“典”指一種標準或法則。按照這一含義，“古典音樂”的基本含義應是古代流傳下來的在一定時期認為正宗或典范的音樂。應該說，這種音樂多數民族或國家都有，這一含義中的“古”字又把今天的具有古典特征的音樂排除在外了。因而，在漢語范圍內，用“古典音樂”一詞來稱謂藝術型和審美型音樂時并不能簡明涵蓋其本質特征。
由于藝術音樂主要形成于西歐社會轉型期，這時期產生了許多影響人類歷史進程的文化運動和思想潮流，如“文藝復興’、“人文主義”、“啟蒙運動”、“理性主義’、“古典主義”等。在這些文化運動和思想潮流的影響下，當時的文學藝術都力求反映和表現這種“時代精神’一一人類的精神、文化、思想，社會的進步與發展等。當時的藝術音樂在題材內容上也具有嚴肅性、思想性和社會性等特點，所以，人們時常把藝術音樂又稱為“嚴肅音樂”。但是，“嚴肅音樂’一般是從題材內容的角度對音樂所作的一個分類概念或術語。它是相對于娛樂性質的音樂而言的“泛指題材內容嚴肅、藝術形式嚴謹、在較大程度上具有認識、教育和審美意義的音樂。”這一概念強調的是音樂題材內容的嚴肅性與社會性，“諸如頌揚民族的光輝歷史，贊美祖國的壯麗河山，謳歌崇高的革命理想。描寫被壓迫人民的苦難，傾訴個人的不幸遭遇等，均屬嚴肅音樂表達的范疇。”但并不突出音樂的藝術性和審美性。因而，在這一概念下，“不僅包括眾多的音樂體裁，如交響曲、康塔塔、清唱劇、歌劇、舞劇、室內樂，也包括大量的民間歌曲，如勞動號子、敘事歌曲、史詩；同時包括與政治、宗教有關的典禮儀式音樂、軍樂、革命歌曲、宗教音樂等。叩‘，盡管藝術音樂中的多數作品在題材內容上具有嚴肅性和社會性的特點，但是，題材內容的嚴肅性和社會性只是藝術音樂的部分“靈魂”，而不是全部。藝術音樂及其理論與形式之所以能向世界各地流傳，既有題材內容嚴肅性的因素，但更重要的是藝術音樂具有強烈的藝術性與普適的審美性及創作和表現藝術音樂的普適的理論與各種形式。此外，題材內容嚴肅的音樂在世界各地區和各個歷史時期都有。因而，用“嚴肅音樂”來指稱藝術音樂時，也不能準確涵蓋其基本特征。
好的喇叭應該盡可能接近現場演奏的聲音
我制造喇叭的哲學是，使其聲音盡可能地接近原演奏（唱）的聲音，即接近現場演奏。當我們開始設計音箱時，我們并不去找別的音箱來做比較，而是去音樂廳聽現場音樂，每周去好幾次，我們也去餐廳聆聽爵士樂的現場音效。我的妻子很善唱歌，而我的女兒愛彈鋼琴，所以我每天都會聽到好幾個小時的音樂，我很幸運，能夠把聲音記在腦海中。在設計制造喇叭時，我盡力使之發出的聲音與我所聽過的音樂相近。由于我很小就對音樂著迷，也在爵士樂隊干過，所以對音樂的聲音很熟悉。當我們測試音箱時，我們用很多類別的音樂和人的講話聲音來比較。我們用成百上千個小時的時間來調整音箱，調試它們在箱體內的細微變化，調試分頻器帶來的細微變化，而有些細微變化你是不大可能測出來的，但人的耳朵非常敏感。可以聽得出來。你面對喇叭，細細調整，其精細就象調鋼琴一樣。
好的喇叭必須能準確重放不同類型的音樂
我們設計理念還有一個方面：你的喇叭必須要能夠重放各種類型的音樂，搖滾、爵士、古典音樂。當你讀Hi-Fi類雜志時，你常看到這樣的評論：某某喇叭適合重放搖滾樂，某某喇叭適合古典音樂……，但我的看法，這些都算不上是好喇叭，好的喇叭必須能準確重放各種不同類型的音樂，否則便不是好喇叭。所以我們在測試喇叭時一定要聽多種類別的音樂，古典音樂對測試喇叭的立體聲效果、聲場效果很有用，而爵士樂用來測示人聲的自然與否特別好，因為爵士樂通常都不用電聲，它讓樂器本真的聲音直接傳給你的耳朵，這里很少有失真，所以你很容易判斷這是不是真正小提琴或真正的薩克斯的聲音。搖滾樂對測試動態很有用，因為它音量的變化很大。所以我們要用不同類型的音樂來測我們的喇叭，你不能說古典音樂是好的，搖滾樂是不好的音樂，各類音樂都有自身的特點和表現力，它們就象不同的語言，能表達人們的不同感情，激動的、憂傷的等等。
好的喇叭必須重視精微的細節
我希望我們的音箱能夠為中國的愛好者所欣賞。我知道中國朋友也非常喜歡音樂，你們的語言本身就充滿音樂性，好的喇叭必須要重現非常精微的細節，而你們的語言便有豐富的細節。在古典音樂中，你同樣需要豐富的細節，沒有了它們，你便失去了氛圍。
做喇叭，技術與音樂修養缺一不可
技術對音樂的重放是非常必要的，例如你必須具備所有相關的基礎知識，以避免失真。如果你做音箱，而材質很薄，那么箱體的振動便會毀了音樂。當然，音箱與放大器不同，放大器的一切都是可測的、可量化的，而音箱則不然，它的聲音表現涉及到很多方面，例如空間環境、音色、音質等。所以它的評定對人的耳朵和感覺依賴性很強，這時候人的音樂修養就會顯得非常重要。
我如何選擇設計喇叭單體
喇叭單體對于音箱設計是至關重要的，因為聲音是直接從它那里發出來的，對它的設計制作你必須非常小心，不幸的是，你的要求越嚴格，你產品的成本便會越高，因為您必須仔細地測示調整各個方面。不過我們很幸運，因為在丹麥，有很長很長的制造喇叭單體的傳統，如果你在世界上舉出五、六個著名的單體制造商，那么丹麥的會占到三、四家。我們有Scan-Speak，我們有Vifa、Dynaudio、Peerless，我們的鄰居挪威還有Seas，這些都是很好的品牌，由于我許多年來一直在這個圈子里，所以我了解它們，很早就了解它們。每一種喇叭單體都有屬于自己的聲音，我到他們那里把我的要求告訴他們：“這里請這樣做，那里請注意什么問題”，他們就會知道怎樣去做，例如音圈是重一點還是輕一點，它的材料用什么，振盆用什么材料等等。如果用紙盆，它是一種聲音；如果用Kevlar，那又是一種聲音。失真在很多環節都是可能產生的。你必須找出一種辦法，實現最小的失真，但這不是最終的目的，最終的目的是要讓人的耳朵聽起來舒服，就象電子管放大器一樣，它的失真是較高的，但它的聲音很漂亮，同樣的情況也在喇叭材料的選擇上出現。你必須找出某種適合音樂、適合人耳的東西。所以尋找喇叭的材料是非常重要的，無論對低音、中音還是高音單元都是如此。只有重現每一個環節，你才可以制出好的單元。
我們通常都用丹麥的產品，因為我認為丹麥的是最好的，有一點須強調：我們從不用“標準型”的單體，這即是說，我們要對單體廠家提要求，讓它合于我們的理想、我們的規格、我們對聲音的設計。
必須的妥協和必不能有的妥協
第二次世界大戰后的世界音樂，派別林立，異彩綻放。其中阿根廷的現代音樂作品，作為一種氣質獨特的樂曲不僅在拉丁美洲有著深遠的影響，在世界范圍內也漸漸受到了大家的關注。皮亞佐拉（AstorPantaleon Piazzolla，1921――1992）是阿根廷現代音樂家的代表之一，被譽為“現代探戈的革命之子”。他以阿根廷原有探戈的樂器、節奏、編成等要素為基礎，吸取了古典音樂及爵士音樂等一系列新的要素，創作出了新的探戈形式，開拓了新的探戈世界，在拉美及世界范圍內引爆了一場探戈革命。目前，國內掀起的皮亞佐拉的熱潮是以手風琴為主，他的鋼琴作品還尚少滲透。為了讓廣大的音樂愛好者能夠全面地了解這位不朽的探戈作曲家，以下以他的鋼琴作品為出發點，介紹其音樂創作的背景，分析其音樂作品的特點。
一、影響皮亞佐拉創作的音樂背景
在皮亞佐拉的音樂中，繼承了阿根廷傳統的節奏模式，但在旋律的運用上卻與傳統音樂大相徑庭。原有的阿根廷探戈是以歐洲流行的探戈輕音樂作為動機音樂，以波爾卡和華爾茲為主的舞蹈性探戈，而皮亞佐拉的作品則不然，他的探戈是為了聽而寫的音樂。在他的作品中既吸取了巴洛克時期賦格音樂的成分，同時又兼有了美國的流行音樂――爵士樂的要素，這使得探戈音樂在2拍子強烈的節奏感上，既充滿了巴洛克時代的沉重感又兼有了爵士音樂的輕。
巴洛克音樂是皮亞佐拉音樂的原創動力，皮亞佐拉深信在探戈中加入賦格的形式會讓聽眾留下很深的印象，所以在作曲時吸取了很多賦格的形式，如代表作《賦格與神秘》。但探戈并沒有因皮亞佐拉而進入古典音樂的行列，他的偉大之處是把自己民族的音樂提升到了一個比較精致的高度，同時又擁有著不變的自我準則。
在皮亞佐拉的作品中，不僅流淌著古典音樂的要素，各種現代音樂的要素也被有機地融合在一起，其中爵士樂就是最典型的代表。受皮亞佐拉所生活的紐約城市流行音樂的影響，在其音樂作品中反復地使用爵士樂的切分節奏，這使得樂曲強弱倒置的感覺異常突出，有著強烈的節奏感。同時，皮亞佐拉還特別愛用不諧和音程，如采用突然的變調，在音樂中插入奇妙的噪音，在主旋律中頻繁插入裝飾音，其目的不僅在于裝飾，更多的像是在“游玩”。這些寫法，使探戈產生了一系列新的特點。
二、皮亞佐拉的鋼琴作品的特點
以下就皮亞佐拉的鋼琴作品中富有特點的音型、節拍和節奏作一些簡單分析。
1．音型的運用
皮亞佐拉在使用經過句音型的時候，有著他的獨特之“筆”，他會在一個非常短小的經過句中，把這七個音符全部運用。倘若再對這七個音符仔細研究一下，還會發現這些音程均為三度關系，而這七個音的組合其實是個由三度關系疊置的十三和弦。
譜例1：《斯坦塔托》（鋼琴小品）
另外，由于皮亞佐拉從導師金納斯特拉（Ginastera）那里接受了新古典主義的創作技法，因此半音階的經過句在作品中也頻繁地被使用。
譜例2：《斯坦塔托》（鋼琴小品）
皮亞佐拉在音階的使用上，還喜歡運用單純的逐個遞進的創作手法。如探戈曲《自由》。
譜例3：《自由》
2. 節拍的運用
在皮亞佐拉的作品中，節拍的運用也是豐富多彩的。如《鋼琴奏鳴曲》（第1首）中，三個樂章的節拍各不相同。在第一樂章中，4/4拍的半音階的第1主題和3/4拍的第2主題混合在一起，使主題產生了復雜的節奏感。在第二樂章中，連續的8個變奏更是頻繁地進行著節拍的切換，主題先從4/4拍開始，逐漸變化為2/4－3/4－6/8－4/4－4/4－4/4－3/4，到最后回歸主題，使得該變奏的形式呈著多樣化的格局。第三樂章則為2/4拍，是以8分音符和16分音符為主的托卡塔形式。
又如《鋼琴組曲》（第2首）中，首先在“前奏曲”（Preludio）中運用了12/8拍，緊接著在“西西里舞曲”（Siciliana）中則運用了6/8拍和9/8拍的形式，再在“托卡塔”（Toccata）的部分中運用了3/4拍，但值得注意的是左手卻運用了6/8拍，該樂段中這兩種音型交替反復使用，直至全曲結束。
從上述兩例中，可以發現皮亞佐拉在節拍的運用上，不僅僅使用傳統的單拍子形式(如2拍子、4拍子等)，混合拍子在作品中也屢屢出現（12/8拍、6/8拍和9/8拍等），音樂也由此變得復雜且有生機。
3.節奏的運用
探戈存在以下幾種基本節奏：
a.康同貝（Candombe）：非洲的奴隸敲擊太鼓進行跳舞的一種儀式的節奏（1870年左右）。①
b.古瓦希拉（Guajira）：18世紀起源于西班牙的3拍子民謠，運用在即興詩和舞蹈中（1800―1850年左右），逐步轉化為6/8拍和3/4拍兩者結合的復雜的節奏型，到1870―1880年左右，轉變成為吉他伴奏，節奏由復雜變為簡單。②
c．哈巴涅拉（Habamera）：最初來源于古巴，后成為面向歐洲為主的意大利民謠，又稱拉•唐桑（La-danza）（1855年－1875年左右），它與黑奴帶來的非洲舞曲等構成了探戈節奏與旋律的原型。③
d．探戈－昂塔魯斯（Tango-Andalonse）：a與c組合而成（即康同貝與哈巴涅拉的組合），是太鼓的節奏和悠揚的非洲舞曲旋律的完美結合，具有強烈的節奏感。
對于探戈來說，節奏是最為重要的，也是最容易被理解的。皮亞佐拉對阿根廷傳統的探戈進行了徹底的革命，產生了一種新的探戈形式（QuintetoTangoNuevo），④具體表現為以下幾個方面：
a．皮亞佐拉的音樂中不僅繼承了阿根廷探戈的基本節奏 2拍子反復的強烈的節奏，在此基礎上，皮亞佐拉還對其進行了新的改變。也就是在每拍的后半拍上加上重音，這成為皮亞佐拉創作中的一個重要節奏型。
b. 皮亞佐拉常用的節奏音型是由古巴草原向歐洲流傳的哈巴涅拉以及西班牙的探戈混合而成的音型，原本是4拍子，但皮亞佐拉改變其拍子，使之成為3＋3＋2的音型。3＋3＋2＝8個半拍，皮亞佐拉還在拍頭的第1拍上注上重音，豐富了節奏感。在《米隆加》(Milonga)的節奏音型中，全部55小節中就有44小節（占80％）運用了該節奏型。
譜例4：《米隆加》（鋼琴小品）
如果用音符來表示則為
現在的皮亞佐拉將該節奏變化為⑤
c．皮亞佐拉在音樂中還喜歡運用切分音，以前的探戈中并非沒有切分音，但皮亞佐拉在作品中卻頻繁使用，往往與低聲部的固定節奏音型形成一定的對比，從不孤立地單獨使用。因為皮亞佐拉不喜歡非常單一的以一拍一拍形式出現的節奏音型，而是在很長的樂句里加上細致的、微妙的節奏變化，使音樂富有動感，所以切分音就成為了他的所愛。
基于上述因素，不難發現節奏在皮亞佐拉的音樂中占有重要的地位。
三、結語
追述音樂的發展，探戈音樂與古典音樂在不同的階層孕育和發展，它們有著很大的相異性，皮亞佐拉用他那充滿個性的音樂語言，創造了一種脫胎于民間而風格莊重的紳士音樂，將探戈推到了一個無法估量的高度，給后人留下了豐厚的音樂遺產，成為此領域中一座難以逾越的高峰。現在，國內對皮亞佐拉手風琴演奏的探戈較為熟悉，但皮亞佐拉的鋼琴音樂還尚少滲透，希望他的鋼琴作品能逐漸被大眾接受和喜愛。
附錄一：皮亞佐拉的生平介紹
皮亞佐拉戲劇性的人生可劃分為如下3個階段。
第1階段：初期（1921年――1953年）
成長在紐約――對手風琴的無趣――熱衷于手風琴――放棄探戈音樂，寄希望于古典音樂――交響樂《布宜諾斯艾利斯》獲國際大賽的第1名。
皮亞佐拉于1921年3月11日出生于阿根廷的馬•德•普拉塔 (Mar del Plata)。為了孩子能受到良好的教育，1925年，全家移居到了美國的紐約。在皮亞佐拉8歲時，父親花19美元買了一臺手風琴送給他，最初的皮亞佐拉沒有一點興趣，但是到了10歲時，興趣大增，每天要練習很多時間，奠定了作為手風琴演奏家的基礎。1933年，皮亞佐拉在紐約聽了移居匈牙利的演奏家Bela Wilda的演奏后，深受感動，并得到了大師的指點，學習了基礎的和聲和作曲技法。
1939年，皮亞佐拉作為托羅依羅樂團的手風琴演奏者，在阿根廷首都布宜諾斯艾利斯定居下來，但那時的皮亞佐拉始終沒有忘記要成為古典音樂家的夢想，跟隨著名的作曲家希那斯特拉繼續學習，從此奠定了正規的和聲基礎。此時的皮亞佐拉希望自己能夠成為古典音樂的作曲家，他認為“我讓我自己成為自學的天才，我對探戈的感覺不好，我已經放棄它了。取而代之的，我是個交響曲、序曲、鋼琴協奏曲、室內樂、奏鳴曲的作曲家，每一秒鐘在我的腦海中會投射出上百萬個音符。”于是，皮亞佐拉幾乎完全放棄了探戈音樂，開始探尋新的命運。1951年創作的交響樂《布宜諾斯艾利斯》獲得了法比安•塞維滋基(Fabien Sevitzky)大賽的第1名。也正是由于這首作品，為皮亞佐拉贏得了法國政府提供的獎學金，從此創作有了質的飛躍。
第2階段：中期（1954年―1960年）
巴黎留學――矛盾中搖晃、掙扎――茅塞頓開，鎖定探戈――探戈革命――《阿帝諾斯－諾你諾》。
1954年8月，皮亞佐拉到法國跟隨著名的作曲家納第阿•普朗熱(NadiaBoulanger) 學習。在這段時期里，皮亞佐拉在探戈和古典音樂之間搖晃。此時，導師給了影響他一生的珍貴建議：“探戈才是你的真正原創動力。”皮亞佐拉茅塞頓開，決定鎖定探戈。
在探戈音樂的發源地――阿根廷的首都布宜諾斯艾利斯，人們穿也探戈、行也探戈，整個城市彌漫了狂野激情和悲傷哀怨的情調。20世紀20年代，卡洛斯•卡德爾和他的舞蹈隊將探戈舞帶到了巴黎，改變了探戈只在下層社會中傳播的卑賤出身，從此，探戈征服了巴黎。同時為了迎合上流社會，又對探戈進行了一些修整，淡化了探戈中充滿野性的成分，使之優雅，漸漸成為了一種國際性的舞蹈種類，在世界范圍內擁有了無數的探戈迷。難怪阿根廷前總統卡洛斯•梅耶曾這樣說過，“Tango is happiness!――探戈就是幸福！”探戈的激情和藝術，促使了皮亞佐拉的回國發展。
1955年7月，從巴黎學成回國的皮亞佐拉組成了8重奏樂團與管弦樂隊，以演奏探戈音樂為主，使得布宜諾斯艾利斯成了一座充滿別樣探戈氣味的城市。1959年，皮亞佐拉的父親去世，皮亞佐拉寫出了著名的代表作《阿帝諾斯－諾你諾》，對于這首作品，他曾說道：“當時，我好像被天使包圍著，使我寫出如此絕妙的音符，我甚至對這一切深感懷疑。”⑥對于這首作品，皮亞佐拉至少采用了二十種不同的配器來演奏，這是一首伴隨了他一生的杰作。自此以后，代表作接連不斷。
第3階段后期（1961年――1992年）
九重奏樂團――《自由》――電子樂團――徹底的“自由”
1971年以后，皮亞佐拉結成九重奏樂團。1974年，他移居意大利，錄成了聞名世界的探戈曲《自由》，全曲先以充滿力量感的節奏出現，強大的力量逐漸轉化為溫柔，最后成為甜蜜。樂曲因有很強的藝術性，博得了大眾的喜愛。1975年，他又組建了電子樂團，從這以后，皮亞佐拉在世界各地進行演奏。1987年8月，在紐約滯留期間寫了鋼琴曲《天鵝》與《前奏曲》（三首）。1990年8月4日，皮亞佐拉突發腦溢血，從此臥病不起，于1992年7月4日去世，享年71歲。
1馬小蕓.《F代のアルゼンチンのピアノ作品における特柵窩芯卡Dヒナステラとピアソラを中心に》，2006.3：p52
2、小沼純一.《ピアソラ》.河出房新社，1997：p51
3、梁毅梅.《探戈大師Astor piazzolla對探戈音樂發展的影響》.四川音樂學院
4、盤儷湔. 《アストルEピアソラLうタンゴ》. 青土社，1998：p27
5、小沼純一.《ピアソラ》.河出房新社.1997年：p135
一、音樂之美
假如生活是一片晴朗的藍天，那么我們所追逐的音樂藝術就如藍天上的云霞。它們時而潔白如雪，時而五彩繽紛，時而輕盈如柔曼的絲絮，時而輝煌如燃燒的烈火！假如人生是一條曲折的路，音樂藝術就是路邊的花樹和綠草。大自然的花草會凋謝，被我們所追逐的音樂藝術的花草卻永遠新鮮美麗。
走在青春大路上的我們，意氣風發，斗志昂揚，踏著青春的旋律，盡情的感受這絢麗多姿的生活！青春帶有動力，擁有趣味而又不失溫文爾雅，充滿好奇與怪異而又不丟本身的質樸與韻律！與其說音樂像青春不如說音樂就是青春的象征，體現著高雅與通俗。音樂藝術是聽覺的審美消費品。一個健康、發達、文明的社會應該能夠滿足所有人群的消費需求——只要它是有益健康的。通俗音樂與高雅音樂之間應該是共存、伴生、互相幫襯與支持的關系。{參考文獻 網絡搜索}這就好像美食的世界豐富多彩，軟飲料與烈性酒、洋酒、啤酒相安無事，各司其責，滿足人們味覺的審美需求一樣。下面就讓我們走進高雅音樂與通俗音樂的世界。
二、高雅音樂的含義、作品，代表人物，點睛之處
正如貝多芬說“音樂是比一切智慧，一切哲學更高的啟示，誰能滲透音樂的意義，便能超脫尋常人無以自拔的苦難。音樂便使人類精神爆出火花。”所謂的高雅藝術就是指思想內容比較深刻的，需要正襟危坐的頂禮膜拜的去欣賞的一種大師們作出來的音樂，作曲的過程可能很漫長、復雜，充滿了生活的射影，也可能很意外、簡單，就是一時興起的靈感。高雅音樂這個稱呼，和通俗音樂是直接對立的，比一般音樂等級高，難作曲，難聽懂。高雅音樂使用的音高較多，發展變化較多，往往包含著轉調、離調等復雜的音樂發展手法；節奏的律動相對變化較多，力度變化較復雜、細膩、幅度大，有些作品還包含著較復雜的復調性因素。高雅音樂中比較嚴肅的作品往往對聽眾的聽覺耐受性要求較高，要在極為專注的情態中去欣賞，使之生化人生。
高雅音樂其中蘊含多類藝術精華。如起源于意大利的歌劇，其中比較經典的有意大利歌劇巨匠威爾第的《茶花女》《弄臣》；把德國浪漫歌劇推到頂峰的巨匠瓦格納的《尼伯龍根的指環》；歌劇大師莫扎特的《費加羅的婚禮》《魔笛》；還有施特勞斯的《玫瑰騎士》，比才的《卡門》等。如震撼人心的交響樂，浪漫樂派的古典音樂家同時又是德國古典作曲家最后一人的勃拉姆斯的《d大調小提琴協奏曲》；德國繼承古典音樂傳統的其中一人門德爾松的《e小調小提琴協奏曲》等等。再如就是最為盛期的古典音樂，精華之作數不勝數。鋼琴詩人肖邦的《圓舞曲》；歷史上第一位自由作曲家莫扎特的《安魂曲》；“集古典主義之成就，開浪漫主義之先河”“扼住命運的喉嚨”的樂圣貝多芬的《命運》《第九交響曲》；交響樂之父又是“弦樂四重奏奠基人”海頓的驚愕、時鐘、告別交響曲等，維也納三杰的精點之筆盡在其中。
三、個人觀點的抒發
高雅音樂之作開拓人們的心靈，陶冶著人們的情操。我個人偏愛比才的《卡門》，它最大的藝術價值在于為歌劇舞臺留下了個性極為鮮明的人物形象，其中創造性地運用了西班牙風味的音調、節奏及完整的舞曲，使歌劇中的人物、情節、環境表現得生動、親切，真實而又典型化，全劇的歌唱與說白，音樂與戲劇之間緊密結合，使整部歌劇相當精煉，緊湊交織著濃烈的激情和色彩。使之完美的點綴了高雅音樂！
四、通俗音樂的特點、作品，影視、現代商業性和影響
所謂的通俗音樂，準確的概念應為商品音樂，即以盈利為主要目的創作的音樂。它的商品性是占主要位置的！有些歌曲雖然用通俗的唱法演唱，但它的思想性、藝術性較高，這類歌曲不屬于商品歌曲。如《好大一顆樹》《大中國》《亞洲雄風》等。其實歌曲的類型和唱法沒有必然聯系，不能認為藝術歌曲只能用美聲唱法演唱，民歌只能用民族唱法演唱，通俗歌曲只能用通俗唱法演唱。三類唱法并沒有明確的劃分，其次，唱法目前有三種但歌曲的類型遠不止藝術歌曲、民歌、通俗歌曲三種，還有頌歌、抒情歌曲、進行曲、校園歌曲等。
眾人周知的中央三套節目《同一首歌》極具體現通俗音樂的特點。其中貫穿著不同的唱法演唱，開始時是由童聲演唱，引人注目，一顆顆璀璨的童星象征新時代音樂藝術的傳承與發展，是那樣的奪目光彩照人！最后是由通俗唱法或美聲唱法結尾，憨厚而有力量，抒情而又耐人尋味。《同一首歌》的延續正是繼承著過去而又展現著未來，同時體現出通俗音樂為現代生活增添的娛樂與歡笑。因此，一般的流行歌曲屬于通俗音樂，我們知道當今社會通俗音樂的影響已遠超過嚴肅音樂，它擁有廣闊的聽眾和市場，是現代社會、現代生活的組成部分，也是現代音樂不可漠視的一部分。通俗音樂具有著鮮明的時代性！
五、高雅音樂與通俗音樂的差異及聯系
高雅音樂與通俗音樂各具特色。如果辨別它們二者的差異可從“聽覺適宜性”、“知覺鮮明性”與“結構復雜性”三方面著手。通俗音樂與高雅音樂好比是飲料與酒。飲料，口味很甜，但各種飲料之間的味道差不多；而酒類則從低度的米酒、葡萄酒、白蘭地、白酒等種類與口味繁多。這通俗音樂的“飲料”會更加創新使之吸引人們。那高雅音樂的“酒”也必將越釀香美，越醇厚，越耐人尋味！它們所散發的藝術氣息會使人終身樂此不疲，甚至成為生活中不可缺少之物！
流行音樂與大學生的關系
音樂通識教育是大學教育的重要組成部分，是關于審美教育、德育教育、人格教育、心理教育、創新教育、素質教育、成功教育、價值教育的全面發展新時期復合型人才的“通才教育”。而在所有音樂形式中，流行音樂這種具有青年文化代表性質的藝術形式和現代大學生尤為親近。究其原因主要在于流行音樂自身的特點：
1.通俗性流行音樂的內容大多都取材于現實生活，用一句俗語來說就是“接地氣”，很多作品以描述普通人的生活和情感為主，其中包含人生的理想、人生的哲理以及對于一些社會認知的現象等。在高校通識教育選修課中，大學生更容易掌握的原因就在于，流行音樂通俗易懂、易學易唱、旋律優美、風格多樣，它不像古典和傳統音樂那樣必須經過專門的技能訓練和具備深厚的音樂基礎，大學生可以通過體會平淡直白的歌詞和豐富的情感，即可理解流行音樂的內涵。
2.情感性德國著名的社會批判理論學家阿多諾認為：流行音樂真實地反映個人與社會的矛盾，是人們宣泄不良情感、消除社會危機和重塑文化民族性的重要渠道。大學生經常承受著各種精神壓力和困惑，如就業和戀愛問題、價值取向等，往往無法自我排解。流行音樂所具有的鮮活明快抑或纏綿傷感的旋律，更容易引起大學生的情感共鳴和滿足他們的情感需求。
3.時代性如果說古典音樂反映了音樂的藝術高度，那么流行音樂則代表了社會文化的晴雨表。流行音樂在思想觀念上和情感上總是緊隨時代潮流，契合時代精神訴求。所以每個時期都會產生相應的流行音樂作品，其中都體現和反映了那個時期的社會特點。這也迎合了大學生們追趕潮流、緊扣時代脈搏的文化口味。
4、商業性。流行音樂是現代文明與科技相結合的產物，它與商業性文化娛樂圈活動緊密相連，憑借現代電子信息技術和手段．加上近乎瘋狂而頻繁炒作的音樂選秀活動，流行音樂強勢的市場運作使得如今大街小巷到處都播放著流行歌曲，電視、網絡、MP3、手機都成為流行音樂傳播的重要媒介。這對身處網絡化、信息化時代的大學生來講，無疑都是無法抗拒的。
高校流行音樂通識教育的現狀
1.緊缺的教學資源相關流行音樂開設的通識選修課程不足，全校范圍內出現供不應求的情況。由于缺乏獨立的教育教學組織，承擔教學任務的藝術類教研室基本都掛靠在專業學院。另外，在專業學院的教師由于受專業教育和傳統教學方式的影響，很難適應非專業學生的學習特點和實際要求，特別是對當代流行音樂沒有系統的學習和研究，導致課程內容的淺顯化。
2.灌輸式的教學方法教師教學以知識灌輸為主，學生被動聽講，教學方法的枯燥和單調性，削弱了學生參與互動的能力，逐漸失去了對流行音樂學習的興趣。
3.單一的成績評定我國現行的通識選修課程考核大多以知識考試方式為主，側重于對學生知識面或知識記憶能力的測評，基本上還是沿用期末測試題等進行以知識記憶為主的考核，計分方式為百分制。事實證明，對于像流行音樂教育這類理論與實踐相結合的活性動態課程，并不只能通過理論的紙質考核才能顯現學生的學習狀態與成績水平。
高校流行音樂通識教育的教學反思
在強勢的大眾傳媒瘋狂傾銷的信息時代，為大學生提供另一條接觸流行音樂的歷史、風格、經典作品、優秀作家、人文思想、社會心理的通道，提升大學生對音樂的感受、體驗和認知能力，正是音樂教育工作者的值得思考和研究的課題。
1.樹立多元開放的教育理念
不可否認，以往在大學音樂教育占主導地位的古典音樂和傳統音樂，它們以深廣豐富的創作水準，復雜精妙的體裁結構影響著大學生的精神世界、心理世界、道德世界，甚至還給他們帶來無窮的智慧和力量。但流行音樂對大學生產生的影響是客觀存在的事實，正如所有的文化形式都存在是否適宜的問題，我們也不可否認流行音樂中有一部分并不適合大學生。不過假如學校音樂教育就此把流行音樂拒之門外，則如掩耳盜鈴一般自欺欺人。所以高校音樂教育工作者必須對流行文化有所了解，能知其利弊，辨其真偽。只有在摸準流行文化的脈搏，通過對學生需要的分析，抓住流行音樂中的亮點，找準流行音樂與大學生教育之間的結合點，才能引導學生正確的對待流行文化，創造師生、生生之間的和諧互動。
2.選擇具有價值導向的教學內容
流行音樂良莠并存是不爭的事實，它的純度、含金量絕非可與正統音樂相比。音樂教師要精心挑選一些健康向上，適宜大學生年齡特點、身心特點，并且有一定的思想性和藝術性的音樂作品介紹給學生。同時，教師還要提高學生對于流行音樂美丑、優劣的識別能力，形成正確的審美觀念。由于流行音樂得到了眾多人的歡迎，也就難免被各種力量，尤其是商業和政治所利用，在其推廣過程中充斥著無中生有、過度包裝、炒作造勢和虛假宣傳，教師應提醒大學生絕不能隨波逐流，媒體中播什么就聽什么，社會上傳什么就唱什么，而應考慮這些音樂是否適合自己，是否可以豐富自己的人生體驗、提升自己的文化素養、滋養獨立精神和自由思想[5]。如只是為了追求商業的最大利益化而創作和包裝的《愛情買賣》《香水有毒》等流行歌曲，只表現了“卿卿我我”“你情我愛”的簡單低俗，對大學生產生了負面的影響。而近年來最受大學生歡迎的歌曲之一《我相信》,以勵志色彩的歌詞，加上慷慨激昂的演唱，給大學生帶來了積極的正能量。此外還有環保主題的歌曲《地球的孩子》愛國主義歌曲《龍的傳人》等等都可以作為教學資源，加入到教學內容中，不僅凈化了大學生的心靈世界，拓寬了他們的音樂視野，還為校園文化建設注入了新鮮的藝術表現形式。
3.運用參與互動的教學方法
流行音樂之所以是流行音樂，是因為它具有與古典音樂、民族民間音樂不同的特點。所以教學方法也不能照搬古典音樂和民族民間音樂教學的模式。課堂上除教師講授以外，還應適時地進行課堂討論，有的章節可以與學生合作講授（教師引導、補充、點評等）,教學方法應特別注意學生的互動參與性。節奏是流行音樂的核心要素，其節奏規律較其他音樂更為動感，在課堂教學中學生不僅是端坐靜聽，而要感受律動，讓身體參與到音樂搖擺中來。比如，在聽賞某些演奏的流行音樂時，學生可以通過多種方式來感受節奏和表現節奏(打出各類音樂的核心節奏或者搖擺身體)，又如在學習流行歌曲的演唱時，要注意現場互動的多樣性，包括歌唱者與伴奏者的互動、學生間的互動、師生間的互動等。總之，鼓勵學生“動”起來，教學方法和唱、奏、演結合起來，從而使學生更直接的感受流行音樂的魅力。另外，可以在課余時間播放合適的流行音樂作品，培養學生聆聽音樂的情趣和習慣，為音樂課堂的教學起到一定的鋪墊作用。同時組織開展流行音樂方面的專題講座、評論、舉辦流行歌曲比賽等，不僅可以引導學生正確的看待流行音樂，提高他們的審美鑒賞能力，還可以通過豐富的課外實踐活動，鍛煉他們的舞臺表演能力和心理素質，從而提升他們的自信心和實踐能力，多方面調動學生學習的積極性和主動性。
4.采用靈活多樣的評價方式
評價方式是對事物發展的一種指向，錯誤和不適宜的評價方式會導致評價對象的異化，繼而造成評價結果的不準確。由于流行音樂特有的不拘一格的即興性，教師對學生學習情況的考核方式也需要靈活多樣，不能呆板僵化。比如任課教師在開設流行音樂通識教育選修課之前，自己先編寫出具體的教學方案，可以包含流行音樂欣賞、流行歌曲演唱、樂器常識等基本教學目標，再根據自己的教學規劃，逐步引導學生欣賞流行音樂、掌握演唱方法、認識和了解各種樂器，進而領略流行音樂的美。在整個課程的實施過程中，教師應該通過觀察、訪談等方式記錄學生對于音樂理解的變化，并將報告提交教務部門，為下一次通識教育課程作出參考。另外，期末考核方式可以采用唱、奏、演等非紙質顯現形式，也可用論文寫作、題目問答等方式給予學生成績評定。
美國教育家雷塔克曾說過：“只有教師在教學過程中以自己的獨特方式尋找自己道路的時候，教育才能成為藝術，才會有高質量”。高校音樂教育工作者應充分利用流行音樂這一深受大學生喜愛的教學資源，結合切身的教育教學實踐，不斷反思自身的教學行為和方法，以具有藝術魅力的教學影響力，培養出愛國榮校的當代大學生。
參考文獻：
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[4]董莉,楊穎,斯蕓,劉龍,張勁梅.高校通識教育選修課教學探討[J].大理學院學報2014(11);85.
