時間：2023-05-29 17:19:59
開篇：寫作不僅是一種記錄，更是一種創造，它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感，將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的12篇視覺藝術創作，希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友，陪伴您不斷探索和進步。
2012年7月，澳大利亞國家課程評估和報告委員會公布《澳大利亞課程標準：藝術（幼兒園至十年級）》（以下簡稱《標準》），向社會征求意見。這是澳大利亞有史以來第一套幼兒園至中學的全國統一藝術課程標準。《標準》包括舞蹈、戲劇、媒體藝術、音樂、視覺藝術等五個藝術門類的課程。在幼兒園和小學階段，學校必須提供以上所有門類的課程，使學生能較全面地接觸和認識藝術。中學階段七、八年級開始，學生可以根據興趣和愛好在這五個藝術門類中自由選擇其中一個或數個門類。幼兒園至小學二年級的課時必須達到120小時，小學三至六年級為100小時，中學七至十年級是160小時，學校可以自行決定教學安排。
《標準》認為，藝術教育的總目標是發展學生的以下多種能力：
·創造力、想象力和各種技術，以及審美和批判性思維與實踐，通過參與創作和回應藝術作品提高自信心。
·好奇心和各種技能，研究和運用創新的藝術手法和可用的技術表達各種想法，通過多種觀點發展移情能力。
·美學知識和溝通能力：通過有意義的方式重視和分享經驗，表達、表現和交流有關個人和他人的想法。
·通過接觸各國藝術家、藝術形式、藝術活動和業界人士，洞察與了解當地、地區和全球的文化、歷史和藝術傳統。
《標準》將每門藝術學科的學習內容劃分為兩大部分——創作(making)與回應(responding)。所謂創作，即運用過程、技術、知識與技能創作藝術作品。其目的是發展學生“想象與即興創作（表演）”、“探索藝術元素、材料、技術和過程，并形成自己的藝術作品”、“實踐技能與技巧”、“通過藝術作品交流各種想法”以及“將所學的藝術與其他藝術學科和學習領域相聯系”。而所謂回應，即探索、回應、分析和闡釋藝術作品。其目的是發展學生“反思自己的藝術作品”、“回應他人的藝術作品”以及“從社會、文化和歷史的情境來看待藝術作品”。這兩大部分，既獨立又有相互之間的聯系。
2010年，澳大利亞國家課程評估和報告委員會還制定了包括聽說讀寫、計算能力、信息交流技術、批判和創造性思維、個人和社會的能力、倫理行為、跨文化理解等七項綜合能力，以及包括土著人歷史和文化、亞洲及澳大利亞與亞洲的關系、可持續發展這三個跨課程主題，并要求各門學科的教學都要融入這“七大綜合能力”的培養和“三大主題”的學習。
限于篇幅，現將《標準》中有關視覺藝術課程標準中的課程定位、課程目標、課程內容說明、各年級段的學習內容與成就標準等翻譯、介紹如下，與同行分享和共同學習。
一、視覺藝術課程定位
在視覺藝術學習過程中，學生接觸到美術、工藝和設計等多種藝術形式。通過對傳統和新興的視覺藝術創作和批評的實踐，學生相互之間探索和交流各自內心的意圖和信息。如同所有的藝術形式一樣，視覺藝術也能夠引起、鼓舞和豐富學生的各種能力，激發學生的想象力，并促進學生創意和表現能力的提高。
視覺藝術為學生提供各種機會，去探討視覺藝術領域中各種復雜和豐富的手段。通過各種探討、實踐的機會，使學生提高創意和表達能力，并能夠完善他們所創作的作品。
視覺藝術的學習能夠讓學生從視覺藝術的創作者和觀眾的角度，去探索他們所處的社會，并拓展知識、認知和各種技能技巧。視覺藝術作為一種藝術形式，已存在了數百年，并仍在繼續發展著。視覺藝術鼓勵學生進行各種視覺形式的交流，視覺語言的探討，以及了解自己和他人的社會、文化和技術，并對個人或與他人共同完成的藝術作品所反映的各種想法作出回應。
通過視覺藝術的學習，學生既對世界文化有所了解，又形成了批判性思維和創新性思維的能力，并具有想象力。通過在視覺藝術中探索不同歷史、文化和社會，學生學會了表達對世界的各種看法及用視覺進行思維以及與他人合作的工作方法。
二、視覺藝術課程目標
視覺藝術課程目標是培養學生：
·通過視覺藝術創作和交流等手段，提高自信心、好奇心、想象力和樂于表達的能力。
·運用視覺藝術的技能、語言、材料、工藝和技術，通過視覺藝術知識、理解力、制作過程和創新思維，形成各種觀念。
·通過視覺藝術的實踐和認識，成為具有批判性思維和創新能力的人，學會尊重和理解傳統的、歷史的和各種文化的視覺藝術與藝術家。
三、視覺藝術課程內容說明
《標準》要求學生在視覺藝術學習中探索了解不同藝術形式及其相關的制作方法。這些形式既包括二維形式，如素描、色彩畫等；又包括三維形式，如陶藝、雕塑、裝置藝術等；還包括四維形式，如基于時間的裝置藝術作品、行為藝術作品、數字動漫、視頻等。
其次，《標準》要求，學生應當在視覺藝術學習中，學會運用視覺語言中的“元素”和“原則”，進行視覺藝術作品創作。所謂“元素”，包括線條、形狀、形體、空間與時間、色彩、肌理、明暗等。所謂“原則”，包括重復、節奏、對比、變化、強調、比例、平衡、統一、和諧、運動等。
第三，《標準》將視覺藝術課程學習分為“創作”與“回應”兩大部分。其中，“創作”包括學生嘗試和體驗視覺藝術中傳統的和新的技術，個人或集體共同進行藝術品創作。這些藝術作品，反映學生探索視覺語言，以及對自己和他人的社會、文化和創作技術認識的各種想法。“回應”包括學生在學習視覺藝術語言、技能和技術時，對概念和空間的探索，學會從不同視角探索視覺藝術作品，并進而產生自己的看法，同時也學會理解他人的各種看法。《標準》提出，這兩部分都應注重培養學生具有如同藝術家、設計師、工藝師、評論家、歷史學家和觀眾一樣的知識、理解力和技能。
第四，《標準》要求，在視覺藝術課程中，要融入“七大綜合能力”和“三大主題”的學習。
第五，《標準》反復強調，學生在藝術創作時，要學會安全地使用工具和材料；在使用他人的圖像和作品時，應征得別人的許可，不能抄襲他人的作品；等等。
四、各年級學習內容與成就標準
（一）幼兒園至二年級學習內容與成就標準
在幼兒園至二年級階段學習中，要求學生與同伴、老師—起，學會獨立地創作和回應視覺藝術作品。通過創作視覺藝術作品，來反映自己家庭、社區以及周圍所發生的事情；學習使用一系列的材料、媒介和技術，來創作素描、色彩畫、版畫、雕塑、攝影和多媒體等視覺藝術作品；學習對自己和同伴的作品作出回應，談論自己的經歷與視覺藝術作品之間的影響關系。
1．幼兒園至二年級學習內容說明
創 作
(1)觀察和想象各種圖像、物體、圖形和形式
·認識到素描、繪畫、物體、空間可以用來代表和表達想象與各種情感。
·利用天然物和人造物中的各種圖像和物體來進行觀察和玩耍。
·結合各種圖像、形狀、圖形和空間進行玩耍。
綜合能力
批判性和創造性思維、個人與社會能力、信息交流技術、跨文化理解
(2)探索并玩耍一系列圖像、材料、物體外表、空間、技術、圖形和形式
·發現和描述自然物與人造物中各種材質的特性，例如黏土、硬紙板、油畫布、各種模型、水彩顏料、木制品、塑料制品以及多媒體。
·使用一系列傳統的和當代的數字媒介、材料和工藝流程，用富有想象力的方式探索藝術、工藝與設計的各種元素。
·使用、儲存和清潔各種材料、工具和設備時，例如，當使用剪刀、鉛筆、蠟筆、記號筆、膠水、顏料、畫筆、黏土等工具和材料時，要養成安全、隨機應變和可持續利用的意識。
綜合能力
批判性和創造性思維、信息交流技術、聽說讀寫
跨課程主題學習
土著歷史和文化、亞洲、澳大利亞與亞洲的關系
(3)創作各種圖像、立體物、形狀和空間時，談論自己的想法和材料
·談論自己創作的視覺藝術作品，描述其主題、想法以及作品名稱的命名等特征。
·在扮演藝術家的角色創作藝術作品時，要考慮自己的創作意圖。
·描述所選擇的媒介、創作過程以及工具是如何影響藝術作品的。
綜合能力
個人與社會能力
跨課程主題學習
可持續發展
(4)制作熟悉的或是想象、記憶中的各種人物、事物和經歷的視覺藝術作品
·創作原創的藝術作品，描述作品中所體現的主題、想法和特征。
·創作描繪日常生活中有關自己、家人、朋友、寵物、家庭、學校和社區情景的視覺藝術作品。
·利用自然或人造環境中的圖像、事物以及可利用的再生材料，創作視覺藝術作品。
綜合能力
個人與社會能力
(5)認識到視覺和空間的觀念是以不同方式形成和被理解的
·根據周邊世界的生活經驗設想一個主題，用二維、三維或四維等形式進行探討。
·發現視覺和空間元素可以通過不同媒介、材料和制作過程得到延伸，進而改變意圖。
·考慮到家庭、場所或社區需要，用視覺和空間的觀念創作新的圖像和立體物。
綜合能力
批判性和創造性思維、跨文化理解、計算能力
(6)視覺藝術與藝術和其他學科領域的聯系
·使用現有的數字技術瀏覽、復制、分享各種圖像和觀念。遵守不能抄襲他人作品的規則。
·嘗試在課堂上根據交通、水、植物、動物之類的主題，從色彩和肌理元素方面進行分析研究。
·通過學維的繪畫、素描形式，以及三維和四維的形式，了解藝術和其他學科領域之間的聯系，如繪制正方形圖形或塑造錐狀物體都與數學學科有聯系。
綜合能力
信息交流技術、聽說讀寫、倫理行為
與藝術和其他學科領域的聯系
音樂、戲劇、地理、數學
回 應
(7)在視覺藝術作品中使用視覺藝術術語來分享思想、觀念和情感
·描述視覺藝術作品中的視覺藝術術語。
·談論視覺藝術作品中能吸引注意力的方面。
·分享并比較自己和同伴之間對視覺藝術作品存在的各自不同的看法。
綜合能力
批判性和創造性思維、聽說讀寫、個人與社會能力
(8)談論他人創作的視覺藝術作品時，顧及不同的觀點
·從不同的視角對自己的視覺藝術作品中的特點或內容進行描述。
·比較各種視覺藝術作品，談談對其印象或想法。
·觀看各種視覺藝術作品，探討不同時代或不同地區的人是如何進行詮釋的。
綜合能力
聽說讀寫、跨文化理解、批判性和創造性思維
跨課程主題學習
可持續發展
(9)認識在各種視覺藝術中體現不同環境、社會、文化和時代
·討論視覺藝術如何告訴我們有關生活或往日生活的變化。
·根據自己的視覺藝術作品，描述其中所反映的自身生活和文化經歷。
·討論來自不同社會和文化背景的視覺藝術作品，包括土著和托雷斯海峽島民的藝術作品中所反映出的各種符號、故事和傳統。
綜合能力
跨文化理解
跨課程主題學習
土著歷史和文化、亞洲、澳大利亞與亞洲的關系
2．幼兒園至二年級的成就標準
到二年級階段學習結束，學生會利用各種方法、技能、材料和工藝來創作視覺藝術作品，用以表達自己的各種想法。
學生會分享和描述自己或他人創作的視覺藝術作品。會把創作視覺藝術作品看成是自己的一種經歷。
（二）三至四年級學習內容與成就標準
在三至四年級學習階段中，學生與同學、老師、學習共同體—起，學習獨立地制作和回應視覺藝術作品。學生通過個性化的視覺藝術作品，發展藝術性的各種想法。學習使用各種材料、媒介以及方法，制作不同形式的視覺藝術作品。學習有特色的藝術傳統，包括素描、色彩畫、雕塑、版畫和數字作品。學生學會對自己、同伴和藝術家的作品作出回應。學習描述如何運用不同材料激勵各種想法，進行藝術作品創作。
1．三至四年級學習內容說明
創 作
(1)探索如何表達自己所看到或想象到的各種圖像、形式、事物和空間
·嘗試二維、三維和四維的創作方法和形式，啟發個人的經歷。
·探索自己和他人代表不同情境的圖像、立體物、觀念和空間。
·在自然和人造環境中學會從不同視角觀察各種空間和事物。
綜合能力
批判性和創造性思維、信息交流技術、個人與社會能力、計算能力
(2)調查與嘗試不同媒介和技術的特性，發展預期的效果
·結合各種媒介和材料的特性，探索不同的效果，例如用再生材料制作拼貼畫，顯示材料的不同肌理和對比。
·調查自然的、人造的和數字化的環境和材料，用來創作出不同效果的藝術作品。
·調查不同材料特性對環境造成的影響。選擇材料時要考慮其用途以及回收和再利用的可能。
綜合能力
批判性和創造性思維、信息交流技術、聽說讀寫、個人與社會能力
跨課程主題學習
可持續發展
(3)通過利用各種媒介、視覺藝術的實踐和各種觀念，發展藝術創作的技巧
·分析自己的視覺藝術作品中有關主題、材料和制作方法的特點。
·探索能代表他人的生活、文化和居住地的各種藝術創作技巧和方法。
·選擇最能代表其作品主題特點的形式和技巧。
綜合能力
跨文化理解、個人與社會能力、倫理行為
跨課程主題學習
可持續發展
(4)嘗試各種技術、工具和形式，以發展他們的技能，并完善其藝術創作
·使用不同的技術和形式，創作有關個人、文化和社會觀念的藝術作品。
·運用傳統的和現有的數字藝術工具、材料和技術，創作各種視覺藝術作品，探討其不同的效果和意義。
·認識到藝術家在藝術創作中為了所創作的視覺藝術作品給別人和自己觀賞，有著不斷完善和提高他們技能的要求。
綜合能力
批判性和創造性思維、聽說讀寫、計算能力
(5)分享和展示視覺藝術作品，重點關注各種細節、創作意圖和所使用的技術
·談論或用文字描述他們創作的視覺藝術作品，重點在各種細節、創作意圖和所使用的技術上。
·選擇視覺藝術作品，在學校、社區或網絡上舉辦展覽進行展示。
·設計和籌劃有效展示藝術作品的各種方法，例如選擇畫框、裝畫框或展廳空間的安排等。
綜合能力
批判性和創造性思維、個人與社會能力、計算能力、信息交流技術
跨課程主題學習
可持續發展
(6)視覺藝術創作與舞蹈、戲劇、媒體藝術、音樂和其他學科領域相結合
·嘗試采用現有的數字技術與藝術或其他學科領域組成視覺藝術作品。遵守不能抄襲他人作品的規則。
·結合藝術或其他學科領域，創作靜態或動態的圖像，例如根據一次短途旅行的照片，創作一組反映視覺經歷的藝術作品。
·根據課堂中所研究的課題，例如生物、行星等，探討色彩和肌理的元素。
綜合能力
信息交流技術
與藝術和其他學科領域的聯系
[關鍵詞]視覺設計誘導創意靈感捕捉廣度與深度側向與逆向思維
工業設計是由科學與美學、技術與藝術相互交叉、滲透、結合形成的，以機械化方式生產的工業產品為主要研究對象的一門新興的邊緣學科。工業設計活動是對人為事物的認識、再創造過程，它基于對自然以及改造自然的人為行為和階段成果的分析。由表及里、由此及彼地尋找工作的切入點，將創造性與簡潔、清晰、有序的解決問題的方法結合起來，這就形成了視覺設計的目的、內容、方法及本質。
視覺設計的發展離不開這個科學迅速發展的社會，不管理念是模糊的，或是較為清楚的，都必須接受的事實是理性因素越來越多地滲透并深入到視覺設計之中，我們越來越強烈地感覺到設計語言的那種邏輯、抽象、科學的敘述風格。設計者自己從作品內容、符號、表現、技巧處理等方面給我們解釋了視覺設計對其浸的程度。在我們這個時代，設計者不再是世外桃源客，而是推動科學化、商品化、全球化發展的一支力量。因而，社會也賦予了從事于藝術設計行業的藝術家們一種社會責任感，那么視覺設計訓練就顯得尤為重要。
一、誘導創意
由于藝術創作中有許多具體的形象或形式存在，在視覺藝術思維訓練的過程中我們可以結合這些特點進行帶有誘導性的提示。如視覺藝術思維能否對藝術用材的選擇進行有目標的誘導，對形象的構成用不同的方法進行重新處理，形成新的藝術形象；對相同或相近的對象（同類成異類）用類比的方法加以誘導，使我們的藝術創作在進行過程中受到較多較好的提示，從而增強視覺藝術思維的效果。
從形態處理方面進行誘導組合主要有：漸變、添加、簡化、打散重排、顛倒；從各種因素的類比方面進行誘導：綜合類比、直接類比、擬人類比、象征類比。根據這些有意識的提示以及具體的思維途徑，我們在進行藝術創作時對此加以分析、探討，不要忽略任何一個小小的細節和相關的因素，從中做出正確的判斷和評價，選擇那些具有挑戰性的、最賦美感的思路進行進一步的創作。視覺藝術思維的訓練更要從培養思維的創造能力和發展智力的角度著眼。
二、靈感捕捉
靈感思維是視覺藝術思維中經常使用的一種思維形式。在創作活動中，人們潛藏于心靈深處的想法經過反復思考而突然閃現出來，或因某種偶然因素激發突然有所領悟，達到認識上的飛躍，各種新概念、新形象、新思路、新發現突然而至，猶如進人“山窮水盡疑無路，柳暗花明又一村”的境地，這就是靈感。
辛勤的勞動、艱苦的探索，善于觀察、勤于思考，是靈感發生的先決條件。同時，我們還要學會及時準確地捕捉住轉瞬即逝的靈感火花，不放棄任何有用的、可取的閃光點。靈感出現的機遇對每個人是公平存在的，靈感就在每一個人的身邊，盡管它有時是稍縱即逝，甚至令人百思不解，難以捕捉。那些努力追求、刻意進取、隨時留意并敏銳地感覺、捕捉到靈感的人是成功的典范。
三、廣度與深度
思維的廣度是指要善于全面地看問題。假設將問題置于一個立體空間之內，我們可以圍繞問題多角度、多途徑、多層次、跨學科地進行全方位研究，因此有人稱之為“立體思維”。
從廣闊的宏觀世界到神秘的微觀世界，從東方與西方的文化交流，從傳統理念與現代意識的融合，都是我們進行視覺藝術創作所要涉及的內容。在現代視覺藝術設計中，思維的廣度似乎更加重要，有時設計一件藝術作品，不僅僅要依靠藝術方面的知識來指導，還要得到其他學科諸多方面的支持。
思維的深度是指我們考慮問題時，要深人到客觀事物的內部，抓住問題的關鍵、核心，即事物的本質部分來進行由遠到近、由表及里、層層遞進、步步深人的思考。在視覺藝術思維過程中，思維的深度直接關系到藝術創作的成敗。我們在進行藝術創作時，要善于透過現象看本質，客觀、辯證地看問題，不要為事物的表面現象所迷惑。視覺藝術是以塑造形象達到審美愉悅為主要目的的，在形象的塑造過程中，不要只羅列現實中的一些表面現象，而要注重形象的精神面貌、意境表現。
四、側向與逆向思維
在日常生活中常見人們在思考問題時“左思右想”，說話時“旁敲側擊”，這就是側向思維的形式之一。在視覺藝術思維中，如果只是順著某一思路思考，往往找不到最佳的感覺而始終不能進人最好的創作狀態，這時可以讓思維向左右發散，或作逆向推理，有時能得到意外的收獲，從而促成視覺藝術思維的完善和創作的成功。
逆向思維是超越常規的思維方式之一。按照常規的創作思路，有時我們的作品會缺乏創造性，或是跟在別人的后面亦步亦趨。當你陷入思維的死角不能自拔時，不妨嘗試一下逆向思維法，打破原有的思維定勢，反其道而行之，開辟新的藝術境界。在藝術創作過程中，運用逆向思維方法，在人們的正常創意范疇之外反其道而行之，有時能夠起到出奇制勝的獨特藝術效果。
綜上所述，視覺設計促成原來相互嚴格分離的不同部分和區域之間相互有機聯系，使設計者終于能夠超越自己過去被嚴格限定的領域，到這個新的領域去表現自己。
參考文獻:
[1]尹定邦:設計學概論[M].長沙:湖南科學技術出版社，1999
[2]何潔:平面廣告設計[M].長沙:中南大學出版社，2004
關鍵詞：數字媒體；語境；交互式虛擬；視覺藝術；創新
中圖分類號：TB47文獻標識碼：A文章編號：1003-0069(2016)03－0136-02
在數字時代這樣一個大背景下，媒體行業在取得巨大發展的同時，也面臨著許多問題，人們越來越重視交互式虛擬視覺藝術創新在媒體中的作用。當前社會，人們對數字媒體的要求越來越高，只有不斷進行視覺藝術上的創新，才能使媒體行業獲得長效的發展。數字媒體語境下的視覺藝術正在朝著虛擬化、交互化、網絡化等方向多元發展。因此，探究數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術創新十分有必要。
一基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術理念
媒介是藝術存在的基礎。藝術和媒體從產生之日起，兩者就有著緊密且不可分割的關系。從某種意義上來說，媒介就是將新媒體的藝術聯想具體運用到新媒體的藝術實踐中的載體。再通過對新媒體的反思和批判，將成果集中體現出來就成為了新媒體藝術。在藝術領域中應用數字技術，能夠為藝術家提供更多的創作平臺，創新藝術形態，使其變得更加豐富和多元化。基于數字媒體語境下的視覺藝術，可以將設計師的理性思維與藝術的感性思維有機融合在一起，利用數字科學技術以及現代媒體技術，開展新的藝術形式。既可以將其定義為通過計算機技術以及數字技術全面參與或者部分參與的創作活動，也可以將其定義為具有數字技術特征的藝術作品本身的創作活動。基于數字媒體語境下的視覺藝術，在創作過程中、承載過程中、傳播過程中、鑒賞過程以及批評過程中，把計算機技術和網絡技術當作技術支撐，推陳出新，創造出新的藝術形態。在藝術審美的感受方面、體驗方面以及思維方面也發生了深刻的改變，設計師通過計算機等數字設備，對自身的創作理念進行描繪和創作，最終實現帶有數字技術特征的藝術作品的產生。基于數字媒體語境下的視覺藝術，就是通過網絡技術、計算機信息技術等數字技術作為傳播媒介，向觀眾展示作品，為觀眾提供參與平臺和互動平臺。
二基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術特征
（一）交互性和超文本
互聯網使視覺藝術實現了“超文本”的構想，觀眾能夠使用一種和傳統觀看方式完全不同的方式，只需要利用電子搜尋功能就能夠快速正確地找到任一文本。利用“超文本”的特征。觀眾可以從多個維度、多個角度進行藝術觀看，而不再是傳統的單一線性觀看方式。不需要觀眾一頁一行甚至是一本地去觀看，而是通過直覺、想象的方法將這些信息聯結起來。交互性特征主要體現在三方面，第一，關于虛擬空間，可以通過計算機的輸入設備、輸出設備和計算機用戶進行互動。第二，關于現實空間，利用根據傳感器設備、激發器設備以及計算機組成的系統，對人體的位置、人體的觸摸、人體的聲音進行檢測和反應。第三，關于信息擴散和傳播。計算機網絡上的終端具有信息接收功能以及信息發送功能。利用這些功能可以實現人機的雙向互動，達到信息擴散和傳播的目的。數字媒體技術使信息的擴算速度和傳播速度更加快速，在信息量的規模上也比以往更大。不僅如此，數字媒體技術還為人機互動提供了交流和體驗空間。因此，交互性是基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術最突出的體征之一。
（二）現實虛擬以及沉浸體驗
現實虛擬即通過計算機對現實世界進行模擬，創建出一個虛擬的三維空間世界，為觀眾提供視覺方面、聽覺方面以及觸覺方面的感官模擬，讓觀眾仿佛置身于真實世界，能夠及時地、無限制地對三維空間里的各項元素進行有效觀察。虛擬的現實和真實的現實，兩者之間的關系主要有，第一，虛擬的現實世界是真實現實世界的特殊部分。第二，虛擬的現實世界與真實的現實世界相互平行。第三，虛擬的現實世界和真實的現實世界相互套疊。沉浸是指當事人把自身的注意力完全集中到某一境界或者某一思想活動中的特殊精神形態。這種精神形態通常表示人們對這一境界高度向往，這種思想活動往往具有非同一般的意義。基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術，把這種“沉浸”體驗當作創作的最高追求。沉浸體驗是在陳金技術支撐下所產生的一種藝術形式，具有三方面的表現，第一，全感官體驗。第二，參與性。第三，戲劇性。
三基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術創新
（一）將科學信息技術和交互式虛擬視覺藝術進行完美結合
當前社會，計算機技術和互聯網技術都在飛速地發展和創新，在許多行業和領域都在引進相關的科學信息技術，并且效果非常顯著。推動交互式虛擬視覺藝術的發展和進步，不僅能為科學信息技術增加更多新的活力和元素，還能夠促進交互式虛擬視覺藝術擁有更多的創作平臺、展示平臺等。在網絡技術和新媒體技術蓬勃向上發展的同時，交互式虛擬視覺藝術的風格和優勢特色被彰顯和強調，交互式虛擬視覺藝術的創新能力也在不斷提升。將科學信息技術和交互式虛擬視覺藝術進行完美結合，是當前信息化時代最基本的要求和最根本的標志。只有這樣，才能為基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術的發展提供最根本的動力。
（二）對虛擬藝術進行創新
虛擬藝術就是將傳統的藝術形態進行打破和創新，不再僅僅局限于對藝術的模仿和復制，對藝術的應用方式高度重視。傳統的藝術往往是通過平面二維的方式進行作品的展示。而基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術，則可以通過計算機技術、多媒體技術等數字技術對作品進行三維空間立體的展現。首先，設計者可以通過豐富的想象，利用數字技術，對虛擬的事物進行適當地發揮和聯想，展現出事物的三維立體形態。其次，利用虛擬技術改變藝術在時間上的進度，讓觀眾能夠在同一時間里對大量的事物進行觀察和體驗，實現藝術從圖像世界到視覺藝術世界的創新發展。
（三）利用高科技作為交互式虛擬視覺藝術的載體
視覺藝術從誕生之初到今天，其發展歷程經歷了不同時期的改革浪潮。視覺藝術從誕生以來，就在各個發展時期對人類的日常生活產生不同的影響，為人類的日常生活帶來了新鮮的元素，也為人類的日常生活帶來了許多的便利。特別是基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術，對人類日常生活的影響更為顯著。在交互式虛擬視覺藝術的基礎上，注入先進的高科技技術，并且把這些高新技術當作藝術創造的后盾支撐。利用高科技作為交互式虛擬視覺藝術的載體，在現代視覺藝術創作中十分普遍。例如，電影行業、網絡行業、電視行業都利用了高科技作為藝術載體，為觀眾呈現出了一場場恢弘的視覺盛宴，讓觀眾在體驗畫面真實感的同時，還深切感受到了設計師創作的藝術理念。利用高科技，可以為交互式虛擬視覺藝術帶來新的創作元素和新的創作活力，使其在發展過程中能夠為交互式虛擬視覺藝術提供源源不斷的新元素和新活力，為交互式虛擬視覺藝術的可持續發展奠定堅實的基礎。
（四）利用視覺信息的跨界組合，實現交互式虛擬視覺藝術的多維創新
對交互式虛擬視覺藝術進行創新，就是對交互式虛擬視覺藝術的表現形式進行創新。因此，在具體的創新過程中，設計師不僅要對藝術形式創新，藝術風格創新，還需要對藝術語言創新，藝術手法創新。在這些環節中，最重要的就是設計師的思維模式。設計師的思維模式就是交互式虛擬視覺藝術創新最根本的動力，通過設計師運用自身的大腦對當前的交互式虛擬視覺藝術模式進行改變。只有隨著社會的不斷進步和發展，緊跟時代的步伐，交互式虛擬視覺藝術才能夠取得高速地發展和進步。利用視覺藝術實現交互式虛擬視覺藝術的多維創新，就需要設計師在不同的領域對各種藝術手法進行不同的嘗試和創新，并且將人腦和科學技術緊密結合，從而實現視覺藝術形式上的多維創新，讓這些藝術形式、藝術風格、藝術語言等從多維度為交互式虛擬視覺藝術引入新的活力和新的生機。
（五）對基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術的觀念進行創新
雖然基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術在實際創作中已經取得了相當大的成績。盡管如此，對基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術的觀念進行創新也是至關重要的。第一，技術研究人員要具有先進的相關藝術觀念，只有這樣，技術研究人才才能夠研發出先進的技術和設備，為視覺藝術的創作提供物質條件。同時，科學技術的發展，在一定程度上，也能夠反映出設計師們先進的藝術創作理念。其次，觀眾也要具有先進的藝術觀念。傳統的視覺藝術體驗方式在觀眾的心中已經基礎深厚，不易動搖了，觀眾習慣于傳統的視覺藝術體驗方式，特別是老年人極其不容易接受新生事物。傳統的行為模式使觀眾的思想得不到解放，造成創作過程中的時間浪費、勞動力浪費以及資金浪費。因此，對基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術進行創新，就要重視技術人員和觀眾的觀念更新，從而為基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術發展提供思想基礎，引導人們對交互式虛擬視覺藝術創新進行更深層次的思考。
四、結束語
通過本文的分析可以知道，基于數字媒體語境下的交互式虛擬視覺藝術，具有交互性特征、超文本特征、虛擬性特征以及沉浸性特征。因此，對該視覺藝術的創新需要從這些特征著手，融合技術和藝術，創新虛擬藝術，利用高科技作為藝術創作的載體，整合視覺信息，轉變藝術觀念。
參考文獻
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摘要創造性思維的科學體系在藝術設計活動中至關重要,我們要在藝術設計教學中注重設計前沿理論的研究和開發,加強對學生藝術潛質、思維方式、創造能力等綜合素質的全面開發和培養,幫助學生掌握科學的思維方法、搭建完備的設計理念構架、構建合理的設計知識體系,自覺運用創造性思維的科學原理進行藝術設計。
關鍵詞:視覺藝術 教學實踐 創造性思維
中圖分類號:J04 文獻標識碼:A
視覺藝術設計是當代藝術設計最為活躍的領域之一。其作為藝術教育的前沿課程,應當怎樣用科學的眼光審視并把先進的觀念傳達給學生、引導學生正確認識并掌握這門學科的問題,就擺在教育工作者的面前。本文對自身教學過程中就創新性設計思維領域存在的一些現象談談個人看法。
首先,從概念上講,藝術是“人類以情感和想象為特征的把握和反映世界的一種特殊方式”,即通過審美創造活動再現現實和表現情感理想,在想象中實現審美主題和審美客體的互相對象化。作為一種意識形態,藝術主要是滿足人們多方面的審美需要,從而在社會生活尤其是人類精神領域內起著潛移默化的“作用”。而視覺藝術是“通過人的視覺感受而將客觀內容容納如主觀心靈并予以對象化顯現的藝術形態”。一些美學研究者認為,從審美主體的角度來看,藝術離不開創造者和欣賞者兩方面,而這兩方面都要通過一定的感觀和響應的感性特質媒介,前者創造出審美對象,后者達到審美愉悅。
針對學生綜合使用知識的能力偏低,以及在學習中不能確立自己獨特的創作風格和表現力,更不能夠通過正確分析作品案例、歸納總結經驗等等現實存在的問題,很關鍵的一點就是怎樣引導并大力提倡學生運用創造性思維進行學習和創作,以此改變原有陳舊的教學體系,從真正意義上實現提高學生專業素質的目標。
第二,從創造性思維的角度來說,單元課程的講解、灌輸課程的概念、作業范例標準等,使學生不能充分發揮自我潛能。在創作思維的過程中,把握形象思維、抽象思維、靈感思維等正確運用的同時,更應將幾種思維形式相互聯系、綜合運用,也就是形成所謂的創造性思維。創造之意在于想出新的方法、建立新的理論、做出新的成績。在實踐中我們應敢于提倡學生用新的理念表現新的形式風格,這就需要通過提高學生的藝術修養來實現。創造性思維的本質特征是開拓和創新的,是能動的“思維形式”。創造性思維形式的協調統一,是高效綜合運用和不斷辯證發展的思維過程,是在創造活動中表現出來的具有獨創性的、產生新事物的高級、復雜的思維活動。
第三,創作性思維具備若干基本要素,如求異思維及求同性思維、直接思維和靈感思維,以及創造性想象等等。
求異性思維又稱發散性思維,其特點是從多方面進行,最終達到一個思考的目的,即將各方面的知識加以運用,分析問題、開闊思路、舉一反三、融會貫通。我們以人的大腦作為思維的中心點,將思路向外擴散,形成一個發散的網絡,思維的線路在發散的過程中并不完全以直線的形式進行,而是不斷地探索,尋找新的途徑,這樣創作的火花就會不斷增多,新的構思就會層出不窮。如設計一幅環保公益廣告“節約用水”,常規的思維往往是表現干裂的大地、枯萎的樹木,但如果展開發散性思維我們往往可以聯想得更多。
求同性思維又稱集中性思維,強調的是在某一創作過程中的深入探討和研究。它是建立在發散性思維之上,并與其相輔相成,共同發展,它也借助發散性思維找出多個創作觸點,提出多種有價值的創作方案,再集中思維,深入整合,使其敏銳的找到切入點。因此只有高度發散、高度集中,二者再反復交替進行,才能創作出更好的作品。
想象與聯想思維的訓練,也是設計學習中不可缺少的重要成分,是決定藝術創作成敗的重要條件之一,設計者的想象力除了天賦之外,后天的訓練也是舉足輕重的,因此要讓學生積極地開動腦筋,有針對性的對藝術創作中的主題、類型、手法、想象內涵、形式美感和色彩表現等方面進行訓練,并使其充分展開想象的翅膀,發揮藝術創作的想象能力,讓自己的思維遨游于無限的未知世界中。
很多例子都證明了藝術創作中離不開想象這個心理過程。想象是通過賦予若干對象之間一種微妙關系,從中展開想象而獲得的新的形象的心理過程,比如一提到“速度”,人們頭腦中會閃現出呼嘯而過的飛機、奔馳的列車、自由下落的重物等,隨之還會產生“戰爭”、“爆炸”、“閃光”、“粉碎”等一系列聯想。這些聯想引導我們去體驗它的力度、色彩和線條組合。雖然聯想思維的形式往往是快速閃現或是模糊不清的,但設計者卻能夠在藝術創作過程中及時捕捉而使其成為清晰的視覺形象。
第四,在視覺設計領域中,尤其是在設計教學過程中要強調藝術的創作應不斷創新,從藝術風格、內涵、形式、表現等諸多方面強調與眾不同。它不安于現狀、不落俗套,敢于標新立異。
“標新立異”是視覺設計中非常獨特的方法,它強調個性的表現,任何藝術作品,如果沒有獨特的個性則容易流于平淡、落入俗套。所以在教學中應有意識地加強培養和支持學生這方面的能力。教學實踐中標新立異的訓練方法很多,例如透視錯覺和矛盾空間造型的訓練,就是培養學生在這一方面能力的一種很好的訓練方法。
在日常的藝術創作中,人們往往習慣于接收符合常規的視覺形象而忽視變異,而藝術作品如果看上去總是一板一眼沒有變化,便容易令人生厭。在平面設計中,視錯覺方法在一定程度上呈現出與眾不同的創作思路。如我們在停著的火車上看到另一列剛剛開動的列車時,一時間會誤認為是自己所乘的列車開動了,這是人們無感覺上的瞬間錯覺現象。繆勒?萊依爾錯事圖中是兩條等長的平行線段,在線段的兩端各加上方向相反的引導線,將人的視覺向不同的方向引導,會使人產生上線短下線長的錯覺。同樣,原本是完全平行的直線分別用不同的線段進行分割交叉排列,由于重復排列的線條導致視覺引導力使人產生了線條排列的方向錯位感、不平行感、線段的彎曲感。在教學中強化錯視思維的訓練,利用線條的方向、線條的穿插、圖形大小的對比等方法使人產生非自然的視錯覺,達到一種獨特而又富于變化的藝術效果。
矛盾空間造型訓練是更為復雜的形式之一。矛盾是在平面空間中表現出的一種特殊的主題感幻覺空間,人們觀察這種圖形時,初看是完全合理的形象,經過仔細觀察后又發現許多不合理的矛盾空間形態,如邊洛斯三角、矛盾形、斜線交叉不合理形等。矛盾空間形式的應用非常廣泛,矛盾空間造型訓練的方法,能夠培養學生在理性思考中也具有其趣味性、個性和標新立異的特征。
第五,在常規教學中,學生思考問題時常常“左思右想”、“旁敲側擊”,這就是側向思維形式之一。在視覺藝術思維之中,如果只是順著某一思路思考,往往找不到最佳的感覺而始終不能進入最好創作狀態,這時可以讓思維向左右發散,或做逆向推理,往往那個能得到意外的收獲,從而促成視覺藝術思維的完善和創作的成功。
逆向思維是超常規的思維方式之一,按常規的創作思路有時作業或者作品會缺乏創性,或亦步亦趨,使學生陷入思維的死角,此時應嘗試逆向思維的方法,打破原有的思維定式,開辟新的藝術境界。古希臘神殿中有一個可以同時向兩面觀看的兩面神,而我國羅漢堂中也有個半張笑臉、半張哭臉的濟公和尚,人們從這種形象中引申出“兩面神思維方法”,依照辯證統一的規律,在藝術創作過程中,可以在常規思路的基礎上作逆向思維,將兩種相反的事物結合起來,從中找出規律;也可以按照對立統一的原理,置換主客觀條件,使視覺藝術創作達到特殊的效果。
“多一只眼看世界”,打破常規,向你所接觸的事物相反的方向看一看,多找些原因,多問些為什么,就會多一些創作思路。在藝術創作過程中,運用逆向思維方法,有時能夠起到出奇制勝的獨特藝術效果。
總之,視覺藝術思維的訓練要從培養學生創新能力、發展智力的角度著眼。每個學生因為智力高低、能力大小不同,所受教育環境的影響以及興趣方向的不同形成了思維能力、思維效果和思想認識之間的差異,這決定了師生之間交流的重要性。師生之間的交流實際上是一種智力相互激勵的過程,通過交流,每個同學都會在不同的方面受到啟示,在認識上有所突破。
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事實上，現代藝術的發展逐漸需要更高技術含量的工具，而計算機的誕生則則滿足了這一需求。從內容上來看，電腦被看做成一個簡單的輔助空間可視化工具，然而它的實際價值卻并不僅比于此，電腦帶來了審美的一場變革，豐富了媒體的表現方式。并且，許多計算機藝術的發明者與創作者，認為計算機的作用很大，不能只拘泥于表現一種藝術創作，它還能延伸成為獨特的內涵，發展成藝術家的重要工作助手。
計算機通過數字方式和增強電影影像，打造許多神奇的畫面，不僅能構建數字化的棚外場景、打造優質的濾光效果、合成數字化的影響，而且還能夠修復增強數字式的影片、生成信息化素材、去除不必要的數字式線痕、集成膠片素材等等。山此可見，計算機的作用非常巨大，豐富和推動了數字化視覺藝術的制作。
與傳統鉛筆相比，電腦相對簡單、廉價，計算機的生產與工作效率非常快，能夠滿足音樂創作者與藝術家的使用需求，即一種生產型的“罐頭”。并且，計算機可通過自身的技術構造，提供一種藝術的替代品，即所謂的“藝術”麥當勞。此外，計算機不可避免存在一些問題，在帶來新鮮血液的同時，也有很多令人煩惱的地方。
首先，電腦是科技的產物，自然與現代和傳統的沖突。而怎樣把傳統的藝術進行新一輪的技術淬煉，實現與新電腦媒體融合，這將成為現在和未來必須深思的重要課題。目前，全球的許多電腦設備大多會使用同樣的軟件工具，如果全部跟隨主流，藝術創作將劃船到極限，從而失去的藝術之美和深度。其次，如前所述，方便的工具，容易造成個人風格的缺失，和失去視力，因為一旦造物主過去依賴電腦修改功能，創造性動機是漸漸退去，例如:使用PHOTOSHOP攝影師可能如此，不拍照的決定性的時刻，如果使用計算機創造模擬化的環境，然后進行一定的修改。這樣雖然能取得快速的效果，卻沒有藝術內涵。
也就是說，計算機藝術雖然與傳統媒體的表現方法與表現內容存在一定的差別，不過其根本上還是無法在模仿過去的基礎上進行有效的創新風格。因此，怎樣從過去的意境中破局，創造更加新穎和符合藝術內涵與藝術價值的計算機藝術，將成為計算機自成一格的關鍵要點，而不僅僅是帶來新的藝術表達方法。
影視數字化從根本上改變了影視的命運:通過數字化影視，傳統的娛樂設施遭遇新技術的洗牌，數字化新時代誕生。當影視觀眾被其他傳媒所吸引的時候，影視必須通過變革才能獲得市場生存的機會。數字化運算創造出的多層合成的神氣場景、震撼人心的音響效果，同時，配合上沒有幕框的超大銀幕視覺效果、真實的現場觀影感受，這都是其他傳媒沒有的影視優勢。另一方面，不同于傳統單一的活動影像節目，影視數字化可提供娛樂化的特效節目、零距離的虛擬現場、動感時尚的電影種類，更加拉近觀眾與影視的距離。影視節目的制作和播放，通過數字化的技術工具，使影視制作實現了全球化、娛樂化、多元化與隨機化。
影視后期軟件的操作界面越來越像電腦主機的配置，應盡可能低實現集成化、板塊化，形成美觀的影視視覺效果。過去的繁瑣的影視制作流程，比如剪輯、特技、字幕等多集中在相同的后期軟件中。比如COMBUSTION,DIGITALFUSION等技術軟件實現了升級優化，具備的功能非常多。正是因為技術上得天獨厚的優勢，加強軟件的集成化成為許多軟件)‘商的技術研發重點。
隨著數字技術成熟，光和速度，實現虛擬映像通過媒體傳播，復制不再是一個模仿、替換真實或虛幻的錯覺，數字世界山虛幻變為現實。山于能快速地吸收和輸出數字圖像語言，形成逐漸演變成一種重要的信息。因此，藝術行為是明顯不同于之前，藝術家在大量的圖像信息，選擇、過濾、重組，不僅使用技術來解決問題的視野，拓寬視覺效果，更多地使用新媒體出現在人們的生活，工作的意義存在的血管事件和與觀眾的互動。
數字電影和電視從根本上改變了命運的電影和電視，數字電視，創建一個新時代的娛樂設施。當電影和電視觀眾吸引其他媒體，電影和電視只能活再次創新。數字操作創建多層合成空氣，聲音音效，沒有窗簾盒山影院大屏幕畫面的即時性和真實性是任何媒體都無法比擬的。各種特殊效果的娛樂，動作片，虛擬場景，各種各樣的新計劃將為移動圖像顯不生產增添新的活力。同時，對于影視生產與廣播來說，數字方式的出現，更能實現影像的多元化、隨機化、市場化。
科學和技術的創新，從計算機和網絡虛擬現實，改變極大的藝術創作，是實驗的先鋒藝術家熱衷于新媒體和材料和尋求新的藝術形式，數字技術從出生日期和革命影響影視制作方式，擴大影視表演的空間創造出人們從未聽說過，也沒有見過，甚至想象不到的視聽奇觀和虛擬現實。產生一種新的敘事模式，并提出一套新規則。從最早的觀眾接受，到現在已成為一個參與者，過去以視覺藝術為中心的形式，現在劃分為平面繪畫和三維雕塑，形象領域在未來將會展現重要的視覺藝術效果。隨著計算機圖像處理、多媒體、高度等新媒體技術發展，未來的視覺藝術將呈現更高的質量，這將促使傳統視頻技術的新一輪技術革新。數字設備價格的下降，大容量硬盤的流行，流行的個人編輯軟件的應用，使個人工作站架構成為現實，電影和電視變成個人的一項民事活動。同時，從性質上來說，技術并不是唯一的，就像電影和電視的電影和電視，電腦和電腦。我們應該注意技術的同時不要忘記關心文化和現實的經驗。使數字和電影和電視，電影和電視藝術發展和科技進步，使影視取得更大發展。
科學和技術幫助人類突破心靈的障礙，也改變了人們的思維和創造方式，但相對的，科技高度發展不可避免產生了許多安全隱患。因為人們兒乎忘了所處的地球仍然有其極限性，而藝術心靈的重要性在于憑借限制性的條件來進行穿孔，發揮主觀能動性的作用，進行藝術的想象力創造。同時，藝術的價值并不是單一的，它不僅的藝術品自身的價值，最重要的是呈現一種對藝術的深層次思索。因為很多科技藝術家也是大自然的愛好者，不論使用什么方式的科技，來源于大自然與生活的職能結合，才能成為重要的藝術創作素材。所以，不管未來世界怎樣變化，科學與技術都是藝術家意識形態的拓寬，是一種“高感度”的美學創作。
關鍵詞：視覺；聽覺；影視；繪畫；藝術
一、引言
一部音樂作品有華采樂段，一幅繪畫作品有主題中心，一部優秀的影視作品會有令人回味久遠的經典鏡頭。繪畫與電影之間所存在的深刻關聯作為一種美學現象已成為共識。藝術作品不論由哪種技術手段制成，它總是意味著藝術家用這些手段來表現自己的創作意圖，自己對材料的態度以及自己對作品的主題與內容的思想和藝術的理解。影視作品要鮮明而深刻地揭示出主題形象，就得充分地運用影視藝術的表現手段，如語言、音響和造型因素等。在影視作品的創作中，電影攝影師的藝術是電影繪畫藝術，攝影師是真正的電影繪畫藝術家，以非常鮮明、真實而富于表現力的繪畫形式來表現影片中各個鏡頭的思想和內容。優秀影視作品可以做到聲畫相融，有虛有實，有藏有露，視覺和聽覺相互映襯，相互補充，創造引人入勝的優美意境。
二、視覺、聽覺和諧的影視作品
影視作品設計的關鍵在于必須具有一個個性化的視覺解讀。影視作品視覺化過程的第一步是設計包含有影片思想或劇本精神的畫面，為影視作品創造一個整體的畫面基調。《英雄》選擇的是旖旎奔放的自然景觀和沉穩厚實的秦王宮，空間橫向調度氣勢磅博，場面闊大，濃墨重彩的氣氛渲染和造型視覺的張揚，營造了一種歷史氣度與人物的英雄悲歌。《無極》作為帶有神話色彩的故事影片，不僅色彩艷麗，而且時空寫意，使得影片帶有一種神秘虛無的訴求語境。此外，不管是《英雄》還是《無極》，其中的電影音樂恰如其分地渲染了故事主題，給了留下了深刻的印象。
從電影美學的角度來看，影視藝術具有時空統一性、聲畫可融性、表現綜合性、形象逼真性等審美特征。影視這一藝術門類的各種形象都是在畫面和聲音的統一中，通過造型而表現出來的。影片的整體形象結構、情節發展的順序、在具體環境中進行的動作，都是由導演構思，而形成了一套連貫的繪畫處理。形象的各個場面在膠片上構成畫面，乃是攝影師藝術創作勞動的成果。攝影師，這個掌握著一種新的造型形式、活動的電影繪畫的表現手段的藝術家，其任務就是把影片的內容作為許多活動的繪畫構圖——肖像、室內景物、戰斗場面以及群眾場面，在膠片上表現出來。現代影視編導在構思時，不僅要善于汲收美術、戲劇的特長，要考慮畫面的安排，關注畫面美，同時還要善于通過各種音響來構成節奏感與和諧美。聲畫可融性傳統藝術如繪畫藝術等，也要借鑒影視藝術的這一特點，進一步用畫面和聲音來塑造和完善繪畫藝術，形成視覺和聽覺統一和諧的優秀繪畫藝術作品。
三、繪畫藝術的視覺和聽覺
1. 繪畫藝術的視覺和聽覺
繪畫藝術又稱造型藝術或視覺藝術。繪畫藝術作品都是可見的視覺形象，美術創作是形象思維活動。繪畫藝術創作者在創作中可以通過寫實或寫意、夸張或變形等多種手法來創造美術形象。這種創作活動是繪畫創作者以客觀世界的存在為依據，加上自己主觀的創造性勞動而創作的，它是瞬間性的創造。塞尚說繪畫是“眼睛的思維”，古往今來，繪畫藝術家不得不為吸引眼球煞費苦心，繪畫自身的形式積累也很豐富，視覺質量方面，前輩大師們給現代繪畫創作者提出了更高的要求，也是每個優秀的繪畫藝術創造者不得不面對的挑戰和機遇。總之，繪畫藝術就是以造型和色彩體現人的本質力量，就是實現視覺信息與精神和思想的同構。
音樂與繪畫似乎是兩種毫不相關的藝術，前者通過音響訴諸人們的聽覺的感受，能使人直接感覺到在時間中的運動與發展，但是沒有視覺形象；后者通過線條和色彩訴諸人們的視覺感官，具有視覺形象的直接感染力，但不能表現出形象在時間中的運動與發展。但在現實的繪畫藝術創作活動中，繪畫作品中視覺和聽覺的律動往往是繪畫藝術家們經常談論的話題。人們在長期的藝術實踐和藝術感受中形成的一種感性經驗不僅表明了音樂與繪畫之間的某種聯系，而且也表明了音樂中可以表現繪畫性的內容。
音樂史學家安勃羅斯曾經說過:“音樂是心靈狀態的最偉大的繪畫家。”我國古代伯牙鼓琴，鐘子期聽音的記載充分說明了在繪畫藝術中音樂的重要作用。《呂氏春秋·本味》記載；伯牙鼓琴，鐘子期聽之。方鼓琴而志在太山，鐘子期曰：“善哉乎鼓琴，巍巍乎若太山。”少選之間，而志在流水，鐘子期又曰：“善哉乎鼓琴，湯湯乎若流水。”伯牙能用訴諸人們聽覺的音響描繪高山大河的視覺形象，鐘子期能聽其聲見其形，在琴聲中感受到高山大河的視覺形象。音樂是以聲音為表現手段塑造形象的聽覺藝術，它只能訴諸于人們的聽覺，但并不是說人們只能用聽覺來感受音樂。實際上，在藝術創作活動中，創作者不止通過聽覺的渠道而是用整個身心去感受，體驗和認識生活的，在優秀的繪畫作品中所表現的思想情感不單是聽覺感受，而是整體的感受。在繪畫藝術創作中，作者可以發揮聯想、類比、象征、發展再現等音樂手段來表達作者自身的內心感受，這種感受不是一時一景所引起的，而是經過較長時間對社會與現實生活事物的思考后形成的。
2．繪畫藝術視覺和聽覺的通感
通感是指人們的感覺器官，即:視覺、聽覺、嗅覺、味覺、觸覺之間的相互感通。在“藝術通感”中，最活躍的是視覺和聽覺，通常人們把它稱之為“視聽通感”。音樂藝術和繪畫藝術由于“視聽通感”的廣泛存在，它們在美術和音樂這兩門視覺藝術和聽覺藝術之間搭起了橋梁。在繪畫藝術中視覺與聽覺的通感是歷久存在的現象，藝術家們一反過去學院派和偽古典主義的重理性、重寫實的傳統，而要以音響、色彩、光線等抽象形式直接表現瞬間即逝的視聽印象和內在感情，這種抽象性、表情性的藝術傾向，使得在繪畫藝術中音樂與繪畫之間有了更多更好的親和力和契合點。
繪畫藝術創作者在創作時，通過線條的長短變化、粗細的控制、剛柔并用等來表現畫面空間感和質感，通過線條的美勾勒出畫面。然而不同的線條在相互制約中產生了不同的節奏，節奏是藝術的生命，猶如音樂中高低、長短和強弱不同的音和不同的節奏組成的旋律線條時而悠揚、時而回旋，構成了畫中無聲的旋律。畫面中線條的長短變化、粗細的控制和抑揚頓挫、跌宕起伏的音樂旋律線具有本質的共性。音樂通過聲音在時間持續中表現感情，不同的聲調、節奏、旋律組成的樂章，可說是一條情感的流水線，繪畫以線條的長短、粗細、曲直、剛柔結構形體，創造形象。繪畫中的線條是經過審美情感凈化了的，雖靜猶動，富于節奏感，韻律感，與音樂無形的流水線有著心理動力學上的相似性。這就使得繪畫藝術家能夠把時間持續的音樂與空間并列的繪畫溝通起來，用無形的聲音畫出形象，用有形的形象表現出音響。總之，繪畫創作中，視覺藝術和聽覺藝術具有一種共通的、本質上相感應的和諧，使繪畫創作者受到心靈的震撼和靈感的沖擊。
3.我的繪畫藝術創作感受
為了在自己的繪畫藝術作品中表現視覺與聽覺形式的和諧，在平凡的事物中，我發現為自己，也為他人而去捕捉的美。這美的含義包涵著色彩、光影、形體以及音樂中的旋律、節奏感等。不論這些事物只能存在于瞬間、幾小時或已存在了數世紀，只要它們之中有某種東西能引起我的興趣和美感，我就用畫筆盡力去表現時空瞬息和音樂般的旋律。為了這一目的，我常到原野中去寫生。自然中的山川日月、房屋建筑、人物都深深吸引著我。當進入繪畫時，景物似乎又是創造力的障礙，我不希望被具體的觀察所束縛。我是用感覺、激情和理智來繪畫，我所完成的作品一般同視覺與聽覺喚起的靈感聯系著。音樂是一種感染力很強的藝術形式，它有很多東西與繪畫是相通的，它確曾給我的創作以巨大而實在的影響與幫助。笛的清新悠遠；簫的沉靜、深摯；圓舞曲的優美、絢麗而勻稱；清音樂的優雅、自然……都是值得我們學習和借鑒。有些音樂不只是優美、使人神往，還能給人以生動、具體的聯想，它能把人引向廣闊的空間和紛繁的彩色世界。從音樂的旋律中聽出色彩、節奏，感受到力量，觸及到實在的自然。此外，我探索不同的藝術語言，通過增進情感認識，讓我的認識在作畫的進展中變化和成長。這使我有足夠的主張、估價自己構思的靈活性。當一個視覺形象浮現時，我會在色彩、陽光、節奏、旋律的感動中去構思、去探索、去發現。長期以來，我總是在生活中興趣盎然地搜尋，發現那種由明與暗、光與色交織而醉人心靈的感受。那種感覺一直保留在我的心里，力圖用繪畫來表達一種音樂和繪畫的綜合效果。
山城重慶是我近年來繪畫表現的主要對象，大都是從本土民宅的建筑中去尋找一些認為有意思的感覺給予提升，給予構成，采用和諧的色調，細膩的表現和文雅的筆觸，用一種色彩世界的重構表達非具象思維的抽象性。我在《陽光的節奏》的繪畫創作中，采用了傳統的油畫技法和現代構成的平面圖象，力求構圖平衡中具有節奏感，畫面大膽運用了陽光的虛幻與幾何圖象的構成，黃色的高調與深略的重音對比，給人一種既現實又夢幻、音樂與視覺的和諧之美。人類在陽光下建造的巢穴，也只有陽光才能賦予它真實形色，叮當作聲的金輝潑灑在磚石土木之間時，人與太陽的協奏曲才真正奏響。
四、總結
音樂與繪畫是兩種不同的藝術形式，音樂以聲音為物質媒介，表現人的主觀情感，主要作用于人的聽覺，是“聽”的藝術；繪畫則用形體色彩、線條描寫客觀事物，主要作用于人的視覺，是“看”的藝術。一個是無形無相的聽覺藝術，一個是有形有相的視覺藝術，它們之間有著明確的界限。但在繪畫藝術創作中，并不存在一條不可逾越的鴻溝，在繪畫創作中的藝術審美活動中，音樂的音響與繪畫的造型可以相感而相通，形成通感。只有視覺和聽覺效果達到和諧統一的繪畫藝術作品才能夠具有藝術感染力，給人帶來美的享受。
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摘要：當代的藝術設計教育，插圖藝術已普遍用于現代設計領域的各個方面，其制作手法，集繪畫、圖形、攝影、電腦等其它藝術之大成，綜合成了一種新的藝術樣式。傳統的插圖設計教學經過數代人的努力，已經取得了豐碩的成果。但是時代在發展，社會在演進，要求我們與時俱進，更要有所創新，因此教革勢在必行。本文就探討了插圖設計在設計教學中的創新研究及運用。
關鍵詞：插圖設計；設計教學；創新
教育是國家發展的重中之重，傳統的教學科目經過數代人的努力，已經結出豐碩的成果。但是時代在發展，社會在演進，要求我們與時俱進，更體現在傳統課程的基礎上有所創新。因此教革勢在必行。我們的“插圖在藝術設計教學中的創新研究及運用”應運而生。
插圖在中國已有悠久的歷史，我國古代插圖的歷史演變，從“出相”、“全圖”發展而來，可以把它看做是版畫發展史。歐洲的插圖歷史與我國相似，最早也出用于宗教讀物，后來被廣泛的運用于各種書籍當中。所以，傳統的插圖教學是依附于某種制作方式之下，對學習者的造型等各方面繪畫能力要求較高。插圖教學的創新正是在這個基礎上的全面提升。
從傳統教育觀念來看藝術設計教學，包豪斯時代對“藝術與工藝的教學應采取什么樣的方式”進行了激烈地討論;現在“設計教學的改革與變革”依然是值得我們不斷思考的問題。從以往的”裝潢”的概念，到現在的“平面設計”名稱的轉換，也揭示著藝術設計教學與國際接軌。同時，藝術設計教學的分科細化，課程設置的細化，使學生的學習更加輕松容易.所謂”大一大二學基礎，大三大4學創作”但是，創造和整合能力是長時間培養而來。在實際教學中，學生往往不知道要表達什么，或者是不知道自己的意圖用怎樣的視覺方式表達，更不用說設計意圖的創新實現了。在這樣的實際情況中，我們為設計教學的創新而開設了設計思維訓練等新興課程。但是，新課程的設置研究所需周期較長。
然而對于當代的藝術設計教育，插圖藝術已普遍用于現代設計領域的各個方面，其制作手法，集繪畫、圖形、攝影、電腦等其它藝術之大成，綜合成了一種新的藝術樣式。其藝術要素的多元性，使插圖藝術將各種藝術的再現性與表現性緊密交織，成為一種由多種藝術元素組成的有機整體。插圖的發展與平面藝術、動畫以及新媒體藝術息息相關，可以預見插畫與這些學科的專業界線將逐漸模糊化，插畫與這些專業間的滲透性越來越強，插畫的專業外沿逐步擴大。插圖從它誕生的母體――書籍之外，找到了寬闊的生存空間，插圖更多更有效的為社會服務。
所以根據以上論述與分析插圖藝術教學存在主要問題：
1.新課程的設置研究所需周期較長。
2.傳統的插圖教學是依附于某種制作方式之下，對學習者的造型等各方面繪畫能力要求較高。
在生活節奏越來越快的今天，用新的方式，以較短的時間繪制新視覺的商業插畫，是我們與市場接軌所面臨的新問題。
3.藝術設計的創作教學方法偏重于對某一種技術的探索學習，忽略了其它技術的延伸和對思維方式的開發訓練。
如何來解決以上三個主要問題呢，本課題的研究從2008年至今2年時間，用較為充分的時間和多個年級的教學進行此教改項目。已經在平面設計方向的書籍裝幀課程、動畫設計的原畫設計課程環藝專業的壁畫設計等教學中體現出插圖設計教學的創新和運用。這一部分的教學融合在書裝原畫和壁畫設計中，使課程教學豐富，提高了學生學習能力和創作能力，為視覺藝術的教學研究提供行之有效的新辦法。在本年度的畢業設計展上，插圖設計也作為了一種獨立的藝術創作形式展示出來，體現了插圖設計在設計教學中的創新研究及運用的成果。
而在插圖教學設計的研究分析中得出以下幾點改進方式：1.對舊的插畫知識體系的發展、更新，開拓插畫藝術新領域，為視覺藝術設計創作與教學提供新辦法。2.注重設計思維開發：培養學生的動腦習慣和能力，拓展固定的思維模式，使學生有良好的思維能力和創新精神，并把這種好的思維方法和學習習慣帶到今后的學習生活中去。使學生勤于思考、敢于思考、懂得思考和學習。3.本項目將在視覺藝術設計的多個領域推廣實踐。具體的實踐內容涉及：動畫腳本創作、DV影像、書籍裝幀、裝飾壁畫、產品設計等視覺藝術。
因此可以看出改革的插圖設計教學應有時間充分，涉及年級廣泛，涉及課程豐富等特色。插圖設計可使用的方式和材料的廣泛性，使學生便于掌握并能夠廣泛的運用并在視覺藝術設計的多個領域推廣實踐。具體的實踐內容涉及：動畫原畫創作、書籍裝幀、裝飾壁畫、產品設計等視覺藝術。
本項目的改革以小見大，是對舊的插畫知識體系的發展、更新，開拓插畫藝術新領域，為視覺藝術設計創作與教學提供新辦法;以點代面，培養學生的動腦習慣和能力，拓展固定的思維模式，使學生有良好的思維能力和創新精神，并把這種好的思維方法和學習習慣帶到今后的學習生活中去。使學生勤于思考、敢于思考、懂得思考和學習。
課題研究的切入點“插圖設計”，小而明確，具有多學科性，具有推廣面大，調整容易的特點，而所需教學工具也簡單，易于教學實踐；涉及的研究對象多元化，研究方向多角度，避免學科單一化對教學研究的結果帶來的以點概全的偏差，使教學創新的研究具有廣泛的推廣潛力和效果。
在插圖設計教學中“創新”是關鍵問題。圖像、圖形創作，是一切視覺藝術表達的關鍵。傳統的視覺藝術創作方式往往以某種固定的技術手段為前提，然而藝術創作的本原是要解決“創作者要表達什么？”這個根本問題。在習慣了以某種嫻熟技術手段為前提的制作方式下，往往表意不準（表面技法的嫻熟效果迷惑了本要表達的根本問題）。那么，從文字（立意）到圖像的表達，進而轉化為圖形，是基本功欠佳的廣大學子的一個瓶頸。習慣了普通高中用文字表達意愿（創作意圖）的學生，怎樣把文字的思維變為圖像、圖形的表達是藝術教學中的關鍵問題。
在實際教學中，從一個可樂瓶子的圖像轉化為一個人體的圖形相對容易。然而，要表達出跑、跳這樣的動詞，進而轉化為準確的表達悲傷、喜悅這樣的形容詞是藝術創作的一個難點。那么，要表達“迷惘的人”這樣一個命題更是難上加難。但是讓習慣了文學表達的學生從分解句子入手就容易多了。找到相關情景，如，“找不到路的人會有這樣的典型情緒” 。首先，其名詞“路”“人”提煉出來。分解其形容詞使其變為：“靜止的”“沒有路標”、“沒有（來或去的）方向”、“非暖調”、“單獨的”，這樣，我們可以聯想到這樣一個畫面“一條沒有起點和終點的路橫在畫面兩頭，一個人站在畫面角落，藍色”。為了加強“無方向感”，畫面的路可以調整為多條，交錯的；為了強化“人”在這個主題的參與感，人可以調整到畫面中心，但面積要小；在這個情景里“迷惘”還表現為“選擇不了”“不確定”。最終，“一個黃灰色的人，很小，在畫面中央。四周被藍灰色的路交錯包圍”的形象躍然眼前，在紙面上的“迷惘“的情緒表達（在一切視覺藝術中的表達） 清晰可見。在此草圖的基礎上， 教者需要精心引導教授使學生嘗試使用多種工具手繪并可以選擇使用電腦技術合成處理，甚至用綜合材料表達，最終確定適合這一主題的表達方式表達出來。
在這一屆的畢業設計展上，有專門的一面墻體展示了本課題研究的具體成果。學生們或用綜合材料或用彩稿或用簡單的黑白圖案的方式體現了豐富的創意；所運用的制作方式有手工制作，有電腦制作。
由此可見，插圖設計在設計教學中的創新研究及運用課題的研究，其理論價值主要體現在設計教學的運用上面。良好的運用性使教學研究很容易被推廣在教學中去，便于發揚創新，提高學生的想象力和創造力，收集最切實的實施效果能很好的拓展學生的思維.在完善和表現插圖設計的同時，給學生提供了熟悉各種材料和表達方式的可能性，了解材料的豐富性和各種材料的特點并鍛煉了學生的動手能力.在動手制作和實踐中使學生具備設計思維能力，并能用簡便的方式明確的圖像組合體現自己的設計創意并勇于具體實踐.未來的插圖設計教學會延伸進視覺藝術的各個領域并以其獨有的思維方式和藝術特的發揮著積極的作用和意義。
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認識李秀勤老師很多年，但卻是第一次寫關于她的文章。李老師是天生的藝術家胚子，熱情爽朗、敏感、樂觀執著并且充滿激情，她總是興致勃勃非常享受地聊著藝術、教著藝術、做著作品，只要一談起藝術，她的眼睛就會發亮，她好像是一個永遠不會衰老的人，腦子里總有層出不窮的想法，身上也總有用不完的勁兒。
今年年初接到她的電話，邀約我做她今年十月份個展的策展人，我自然十分爽快地答應了，一來李老師是我十分敬重的藝術家，同時對這個邀請我也看做是對我最大的認可與尊重，再說彼此又是青島老鄉并且我也算比較熟悉她多年來的創作理念與軌跡。但這次的展覽非同尋常，它與二十年前李秀勤的一次個展密切相關，而正是因為二十年前的那次個展，李秀勤奠定了二十年來自己藝術創作的核心理念與獨有路徑。
1982年剛剛從美院畢業的李秀勤由于勞累忽然得了一場大病，而這場大病幾乎令她雙目失明。可想而知一個熱愛藝術從事視覺藝術創作并且剛剛走上藝術創作道路的年輕藝術家在面臨失明的危險時，內心該是多麼的焦灼與恐懼啊，而這種焦慮和憂患在她之后歲月里始終揮之不去如影隨形。幸好當初及時的治療和休養讓她度過了這次難關，但正是這場危機令她意識到盲人這樣一個一直以來被視覺藝術徹底排斥在外的特殊群體，她開始重新思考藝術與個人、創作與生活、視覺與感知等一系列問題的本質與核心。
因為這樣的機緣，李秀勤接觸到盲文這樣一種特殊群體的特有語言和媒介方式時，那些排列變化多端、安靜而微小的凹凸深刻地打動了她，對于看不見的盲人群體來說，觸覺和聽覺是他們唯有的感知世界的通道和方式，觸摸就是存在，盲文幾乎就是他們能夠了解的世界！這不正是她要尋找的能夠直抵內心的雕塑語言嗎？自那以后，李秀勤開始了盲文與雕塑之間融合與鏈接，她為幾千年來早已被界定在三維空間中的雕塑又發展出了另一個特殊的維度，那就是觸覺！她創作出了一系列可以用觸摸來“觀看”的作品，一種可以逾越視覺而直達觀者內心的雕塑，而這種可以不用依賴觀看的雕塑在藝術的歷史上還從未出現過。
1987年李秀勤獲得了去英國留學的機會，李秀勤坦言三年的海外學習令她在這個全球當代藝術的最前沿最大的收獲就是對于當代藝術的理念的理解以及對于藝術的判斷能力大幅提高，開始清除自己真的想要做什么了。從英國回來以后她覺得就應該做自己感覺最需要的，或者說是最擔心的，日常生活中時刻能引起她注意的，于是她覺得她應該從一直困擾自己的對于失明的恐懼出發，尋求一種回歸本質的雕塑語言去開始自己的創作。她開始注意和觀察盲人這個特殊群體，開始接觸和研究盲文，開始嘗試將最當代的藝術理念與創作方法論和受盲文啟發一直以來渴望實踐的觸覺凹凸雕塑創作結合起來。一旦有了方向和感覺，李秀勤的創作激情迅速被調動出來，在很短的時間內一氣呵成地創作了一系列的觸覺凹凸雕塑作品并為此籌劃了一個特別的個展。她通過朋友的協助專門去邀請了很多盲童學校的孩子來“看”展覽，讓盲人這樣一個曾被藝術長期遺忘的群體，第一次有機會走入藝術的殿堂，通過親手觸摸第一次感受藝術、感受美、撫摸觸覺凹凸雕塑，那次觸摸藝術的經歷在參與的盲童們幼小的心靈里留下了強烈的震撼和深刻的記憶。二十年后，李秀勤老師通過當年幫助她的朋友們再次找到了當年的那些盲人小伙伴們，將在新的個展中再一次邀請他們走進她的作品，再一次觸摸藝術、傳遞精神、感懷人生。
當代藝術的創作強調原創性、開拓性、實驗性，強調作品與作者自身經驗的關聯與對社會現實的介入，強調作品與時代的緊密關聯。李秀勤的觸覺凹凸雕塑實驗正是基于自身的經歷與感悟，找到了一個個體藝術家與社會與時代的鏈接點，以及基于人性的高度構建出藝術家與藝術、作品與受眾、實踐與歷史之間微妙而又堅實的關系。充分展現了一個充滿創造力和普世情懷的優秀當代藝術家創造美、拓展美、感受美、傳遞美的藝術理想。展現了藝術家通過一種獨特的語言方式為一個曾被藝術“遺忘”的人群帶來精神的慰藉并給予他們通路重新回歸藝術的懷抱。這樣的創作是飽含著情感與關懷而非煞有介事的，是妙趣橫生而非虛張聲勢的，是樸實接地氣而非傲慢和高高在上的。這樣的作品是有感情、有溫度、有觸覺、甚至有生命的，是可以與之竊竊私語并用內心去感受的。它們不是佇立于現實空間中的冷硬物體而是可以抵達觀者內心深處的溫暖存在，它們不再依賴于眼睛才能被觀看，它們可以通過安靜的觸摸而被感知。而這正是李秀勤近三十年來對于人生、對于藝術、對于社會知行合一的深刻思考與堅定實踐。
李秀勤是個真誠而感性的藝術家，她的所有創作都是與自己的生活歷程密不可分的，從自己內心的真實感受出發，從自己對于生活的觀察和思考出發。作品理念清晰而切中本質，創作語言樸實而真摯。她三十年來的創作實踐幾乎就是人生歷程的一個個并行的腳印。早年那個四處求學的清貧少年對于知識的無限渴望以及對于書本翻開的滿足記憶幻化成后來她很多作品中的“開啟”意象；經常路過居所附近鐵路而產生的對于人生旅程與選擇的思考與領悟被轉換成用枕木和鐵軌構建的大型裝置；散步中看到深秋落葉時對于生命消逝的傷懷和對自然輪回的敬畏轉變成落葉成冢的地景藝術；而觸覺凹凸雕塑更是沿襲她一貫的思考路徑與感知方式的一次跨越二十年的系列創作實踐，是對視覺藝術的一次勇敢的突破，為視覺藝術創建了一條新的感知通道，也為三維的雕塑拓展出了觸覺這樣一個新的維度，我不敢妄下斷言，但我感覺到李秀勤的嘗試已經對視覺藝術的界定提出了新的質疑，這很有可能會為在藝術史的演變發展做出一點具體的貢獻。當然，她并不關心這一切，當她二十年中數次去回訪那些當年來“看”展覽的盲童們，看到自己的創作帶給他們的奇妙感受、深刻記憶和人生影響時，那一刻對她而言才是最幸福和最欣慰的。
關鍵詞:藝術設計學;學科定位;視覺藝術
中圖分類號:G639文獻標識碼:A文章編號:1003-2851(2010)08-0210-02
1997年頒行的《授予博士、碩士學位和培養研究生的學科、專業目錄》中說:“在‘文學’這一學科門類中,有四個一級學科:中國語言文學,外國語言文學,新聞學與傳播學,藝術學。在藝術學中有八個二級學科:藝術學、美術學、音樂學、電影學、舞蹈學、戲劇戲曲學、廣播電視藝術學、設計藝術學。”
中國教育體制中的藝術學以及設計藝術學的學科體系的建設,是包含著學理與現實需求兩方面的綜合考慮。例如,國內的藝術設計學院在初始時,基本上是根據原中央工藝美院的學科體系而設定的,只是近年來,由于社會對藝術設計需求的日益增大,以及國內學術和教育不斷融入世界學科背景之中,從而促成了設計藝術學日益成為一個交叉性較強的學科,甚至與工業設計相并置、相融合。事實上,在1997年頒行的這個學科專業目錄中,確實存在著概念混亂的現象。在“文學”這一學科門類中,有四個一級學科,藝術學是其中之一。在藝術學中有八個二級學科,其中又有一個藝術學。顯然,這種學科命名和歸類是存在問題的。
藝術學科與其它人文學科不同,具有自己獨特的學科特質。其它人文學科可以集中于人文科學研究,如文學研究并不一定要培養作家,而藝術學科卻應該主要集中于對藝術創作經驗的研究,并培養學生的藝術創作實踐能力。教育部2005年《中國高校哲學社會科學發展報告》中,把“藝術學”英譯為“Art Studies”,也反映了我們國家教育體制中,將藝術學突顯為“學”的語義內涵。筆者認為,不突顯出藝術學科的“藝術創作”性質是一個明顯的問題,這個問題會造成研究和教學方向上的誤導。特別是對于專業藝術院系的藝術學教育,如設計藝術學等,應該首先突出設計藝術創作實踐的優先地位,其次才是關于設計藝術的研究。而中國高校的評價機制一旦以學術性的價值尺度為主來進行考量,就與藝術院系的實際情況相左了。目前國內的教育體制把一級學科授予權和博士點的多少,作為評價學校等級的主要標準,把尤其是核心期刊論文的多少作為教師晉升職稱的主要標準。這在傳統的人文學科和以研究型為主的學科體制之內是無可厚非的,但在以創作為主的藝術學科里,這種考量標準的適用性是值得認真質疑和反思的。比如,本人母校中央美術學院的雕塑、繪畫、書法中的所有院系都納入“美術學”這一學科體系中,對教授的評介主要看的是學術著作,著名畫家招收博士研究生也須寄“美術學”之籬下。另外的怪現象還有,中國第一個電影學的博士點是首先由北京師范大學獲得,不是北京電影學院;北京舞蹈學院作為我們國家培養舞蹈家的搖籃和最高學府,至今沒有“舞蹈學”博士點。而近年來北京師范大學,中國傳媒大學,南京藝術學院都獲得了藝術學的一級學科點。那么,這是否意味著在這些學校設立“舞蹈學”博士點,就一定會比沒有博士點的北京舞蹈學院的舞蹈學教育和研究更專業,水平更高?
歐洲和美國的一些著名大學里的藝術學科體系都特別注重藝術史的研究和教育。在歐洲首先將藝術史作為一門學科確立,這主要依賴于其藝術學學科體制的完善。在德國大學里,藝術史課程授課主要采用講座、討論和學術考察的形式:教授先就某一藝術史問題進行闡釋說明,配以具體的藝術作品或幻燈展示。學生則對自己的研究成果進行宣講,與同學進行討論,教授則提出指導意見。而尤其重要的是,藝術學專業的學生必須進行藝術史的考察,主要是增強學生對藝術品的直覺體驗。在美國大學強調學生應該從事藝術創作實踐。在藝術系的培養計劃上明確寫明“要讓學生成為藝術家”。
在目前我們國家教育體制中的作為學科的藝術學以及設計藝術學面臨的正是藝術學的內涵問題。我們應該再思考:藝術學以及設計藝術學應該由具體的藝術性質來決定呢,還是應該把它們放在學科體系的整體中,并由此來決定它們的學科性質?我們又不能回避這個根本的問題。本人結合我們中國傳媒大學的特點,談一點初步的構想。
卡西爾認為“藝術可以被定義為一種符號語言”,是“一種在激發美感的形式媒介中的表現,是大不相同于一種言語的或概念的表現的”。從藝術考古學的角度來看,圖像的發生是在文字之前,只是,隨著人類文明的發展,文字與圖像漸漸分離,文字成為人類表達抽象概念的符號,而圖像則成為一種能激發美感的具有“自身實在性”和“表現性形式”的具象符號。具象的視覺藝術在人類社會的整個歷史進程中都發揮著重要的作用。比如,在西方歷史上,中世紀的基督教藝術是“文盲的圣經”,是向人們灌輸宗教精神的最強有力的有效方法。而文藝復興時期的畫家也和作家一樣描繪基督教,對于《圣經》里面的同一個故事,福音書的編著者用詞語來描寫,而畫家則用形象來描寫。也正是在文藝復興時期,油畫因其能夠更細膩和生動地表現出被描繪的事物,更鮮明、逼真地揭示出其所有的性質,所以,它超越了其他那些樣式,因而更常用于教堂之中。達?芬奇甚至宣稱“繪畫既全面優越于詩歌,也全面優越于音樂”在中國藝術歷史中,雕塑、繪畫等藝術也一直被認為在社會生活中起著重要的作用,如張彥遠在《歷代名畫記》中認為“圖畫者,有國之鴻寶,理亂之紀綱。”我們由此可以看出,視覺藝術比起抽象的語言在整個人類文明歷史中,承擔著同樣重要的作用。
或許有人認為傳統的視覺藝術在今天已經不如在以往的歷史中那么重要了。確實,隨著印刷術的發明所帶來的書籍的普及,視覺藝術的重要性就開始受到影響并逐步被抽象符號書寫的書籍所取代。目前,人類已進入麥克盧漢的“媒介即信息”的傳播時代,傳統的視覺藝術又受到攝影、電影、電視之類媒介的強勢影響。有人甚至認為,傳統的油畫等視覺藝術在20世紀的媒介環境中已經喪失了自己以前所具有的很多功能。但是,筆者堅持認為傳統的視覺藝術的這些功能實際上并沒有消失,甚至也沒有式微,只不過,它們所失去的只是在藝術形態學意義上的以前所具有的獨立性和優越性。從數字媒體技術迅速發展并帶動相關產業的發展這個現實來看,我們今天已經處在一個越來越視覺信息化的時代,特別是電視已經成為最主要的信息傳播媒介。也就是說,在當代影視媒介占統治地位的情境下,傳統的視覺藝術如繪畫必須與其他現代傳播媒介尤其是影視媒介結合起來,才能更好的在現代“文化工業”社會里發揮出比之于以前更強大的藝術影響力。羅杰?菲德勒說:“當比較新的傳媒形式出現時,比較舊的形式通常不會死亡――它們會繼續演進和適應”。至于在現代影視媒介的背景下,在現代“文化工業”的情境里,傳統的視覺藝術該如何實現不斷地演進和適應,這是需要我們不斷加以藝術實踐和理論探討,才能做出回答的課題。傳統形態的藝術學以及設計藝術學應該通過攝影、電影、電視和數字呈像等現代圖像或影視媒介手段來記錄、儲存、傳播學科信息,建構自己的嶄新的學術話語和學術體系,這已經是藝術學以及設計藝術學走出困境的必由之路了。
參考文獻
關鍵詞：藝術發展；綜合材料；當代油畫
1 材料的基本概括
1.1 材料的基本含義
20世紀70年代，人們將信息、能源和材料稱之為當代文明發展的三大支柱，成為了人們賴以生存的物質基礎。到了80年代的時候，隨著高新技術的發展，人們又逐漸將新材料、信息技術以及生物技術看做是新技術革命的重要標志。而這主要是由于材料的原因，因為材料的發展與國防建設及經濟建設、人民生活都有著非常密切的關系。除此之外，“材料”還能夠直接進行加工，形成良好的用品，是構成客觀事物存在的基本條件，是人類思維的認識活動范疇。材料所表現出來的是物質的，它存在于我們生活的每個角落。具體而言，材料的表現可以是有形的，既可以用肉眼看到的或者能夠觸摸得到的，也可以是無形的，既能夠聞到但是觸摸不到的，就連我們所具有的思想觀念，都可以看作是對藝術進行傳達的媒介――材料。
1.2 綜合材料的基本概括
對于“綜合材料”而言，它不僅包括水性、油性顏料、同時也包括化學試劑、現成品、礦物色、染料、廢棄物等等，而這些多元化的材料都可以運用到繪畫的使用當中。在西方，這些被使用的材料稱之為“Mixed Media”，即綜合材料。綜合材料在20世紀初都已經被廣泛運用到繪畫當中。隨著20世紀對藝術的不斷發展，綜合材料逐漸成為現代藝術表現最為重要、鮮明的手法之一，對繪畫的表現和重構都有著重要的意義。
2 綜合材料的運用是展現油畫視覺文化的需要
2.1 綜合材料是視覺藝術實現自我的必然選擇
由于現當代油畫創作受到多元化文化的影響，從而表現出以下兩方面的主要特征：其一，是造型材料運用的多樣化；其二，是藝術觀念表現上的多樣化。但是，從藝術本身的發展來看，藝術材料作為對藝術表現的切入口，從十九世紀開始就逐漸展現出一種材料藝術之美。綜合材料的運用作為對藝術觀念進行展現的重要語言媒介，是藝術創作觀念展現的重要外殼是各種視覺藝術觀念自我呈現的展示途徑。造型觀念上的自由表現與造型媒介材料上的大膽拓展使各畫種之間相互影響、互為滲透。這一現象從微觀上來說，是藝術創作者自身的內在需要；從宏觀上來說，更是整個視覺藝術在適應新的時代情境下，實現自我發展的必然選擇。同樣，對于油畫藝術亦是如此。
2.2 綜合材料是油畫新觀念實現的推動者
現如今，許多油畫創作中開始在油畫創作當中選擇對綜合材料的運用，以新的媒介材料來對油畫語言、表現進行豐富，從而凸顯自身的情感理念，進而在全興的層面之上對視覺文化進行重新構建。在油畫創作當中對綜合材料的創新應用，不僅是對藝術風格及觀念進行的表現，其實質上則是藝術思維的轉換。而且，全新的融入能夠不斷完善和推動對油畫創作的表現，從而不斷地注入和表現新的繪畫觀念及視覺表現。因此，油畫創作開始從單一的繪畫材料和繪畫技巧的運動逐漸發展到以綜合材料的應用為主的表現形式，從僅限于關注材料的本質、內涵以及相關特性到靈活處理相關元素之間的關系和創新搭配組合等方面。
2.3 綜合材料是油畫創作者展現精神理念的主要載體
在油畫當中運用綜合材料也是對藝術進行交叉的運用和表現，能夠為油畫的發展注入巨大的能量，在油畫創作當中，將這些具有不同特性的元素進行綜合使用，可以在油畫創作當中顯現出極強的表現空間。由于綜合材料作為一個相對繁瑣的綜合體，因此在其表現上蘊藏著豐富的精神理念，創作者在進行創作的時候可以運用不同的形式和表現，直接對自己的情感進行展現，從而達到在創作與油畫表現上達到視覺展現于精神理念相互結合的特點，因此，對于油畫創作當中綜合材料的使用，成為了油畫表現與精神形成共鳴的重要基礎。獨特的綜合材料語言來源于從認識方法到應用方法兩方面，它與“主題觀念”共同構成當代藝術創作的重要元素。
3 綜合材料的應用對我國油畫發展的意義
3.1 轉變傳統中國油畫的創作觀念
隨著我國經濟的快速發展，國內文化逐漸與世界接軌，油畫藝術也因此獲得了長足的進步。當然，這種發展也得益于國內創作者對于西方藝術表現的學習和借鑒，尤其是在近段時間，由于歷史原因，由于受到傳統觀念的影響，我國油畫創作一直比較保守，在油畫情感展現及技法的運用上都存在著一些問題，與世界油畫的發展具有很大的差距。因此，對于綜合材料的融入，可以從本質上改變現階段對中國油畫創作的保守狀況，引導中國油畫向多元化的方向進行發展。
3.2 充分體現民族文化的特點
現階段，中國油畫家為了能夠更好地展現自己的繪畫藝術，在繪畫中不斷的堅持挑戰，進而展現生命的意義和價值，通過長時間不懈的探索和堅持，逐漸在油畫創作當中體現出具有民族化特點的展現形式。在這一具有“民族化”發展的進程當中，中國油畫創作者逐漸探索出能夠對民族特色以及中華文化內涵的材料體系，并在自己的油畫創作中進行展現。通過油畫創作中對材料的造型、展現的主題、畫面的色彩、筆觸風格以及形式符號等方面進行深入的挖掘和探索，從而獲得很多豐厚的成就。
3.3 充分體現創作者的精神價值
由于對綜合材料的運用和發展，許多油畫創作者開始運用綜合材料來展現自己的情感以及對生命的價值的認識。由于在油畫創作當中，綜合材料的運用具有相對自由的展現方式，因此創作者可以自由的進行使用和表現，通過不同的運用方式來展現油畫創作中的內涵和精神理念，使中國油畫的發展呈現出多元化的表現形式。
4 結語
因此，在本文的研究和探討當中，我們可以充分地體會到，在油畫創作當中，綜合材料的運用逐漸成為油畫創作當中一種全新的藝術創作表現形式，在今后，由于藝術發展空間的不斷拓展，油畫創作也會隨著時代的發展和演變去吸納更多的藝術表現材料。這些材料的展現必將成為創作者展現油畫作品并體現自我情感的有效方式，而欣賞者也會從眾多油畫作品當中去深刻感受到自然的藝術、感受生活的經歷，只有這樣，才能對油畫創作藝術的發展帶來巨大的推動力。
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關鍵詞:視覺藝術;聽障教育;聽障學生
聽障學生是特殊教育事業服務對象中一個重要的組成部分,對聽障學生實施有效教育的目的就是幫助他們提高綜合素質,使他們最大程度地融入社會,順利適應社會發展的要求,并在社會發展的過程中貢獻出自己的力量。而視覺藝術教育在聽障教育中更是起著積極的作用。
一、聽障學生的教育特點
聽障學生群體不同于普通學生群體,有著其自身的特點。眾所周知,聽障學生即聽覺存在障礙的學生,他們在日常生活中都會存在不同程度的困難,對于推動社會進步這種較為復雜的活動而言,其困難更是可想而知。而針對聽障學生的特殊教育意義就在于能夠幫助這類學生發展,使其身體缺陷得到其他方面的補償,減輕他們面對的障礙和困難,努力使他們成為對社會建設有用的特殊人才。
對于聽障學生而言,其自身的聽力障礙形成了他們認知方面的諸多特點,主要包括:
1)敏銳的觀察能力。由于在聽力方面存在不足,他們的視覺因此受到長期的鍛煉,從而處于比較發達的水平。他們對于事物的具體形象通常觀察入微,這就奠定了他們在對視覺藝術品的欣賞方面有著比正常人更為敏銳的觀察能力,同時也意味著他們通常過于關注細節,對于整體把握卻不足。
2)抽象思維的不足。這類學生在對事物進行認知的過程中通常依賴于較為直觀的形象思維方式,抽象思維的運用能力相對較弱,也因此造成了聽障學生對視覺藝術品的內涵主旨把握不深刻。
3)交流障礙。目前,聽障人群基本都采用手語進行交流,手語能夠幫助他們在日常生活中有效地溝通,但是在教學過程中卻存在問題。
二、視覺藝術教育在聽障教育中的重要地位
視覺藝術教育對聽障學生有著不可替代的重要作用,其重點表現在:
1.幫助學生逐步提高欣賞的能力
對藝術的欣賞能力實際上是一種整體的能力,欣賞能力的逐步形成和塑造過程,實際上是對聽障學生整體思路不足的一種糾正和彌補。對這一方面能力的塑造,只有讓學生更多地接觸優質的視覺藝術品,同時教師在教學過程中充分發揮導向作用,才有可能取得較好的效果。
2.提高學生的綜合能力
由于存在聽覺方面的障礙,聽障學生通常比正常學生更缺乏抽象思維的能力。因此,較為直觀的視覺藝術形式就相對更容易被這些學生所接受,以此作為思考的切入點開啟聽障學生的思想,幫助他們熟悉并形成抽象思維也就成為了聽障教育中的必要環節。
視覺藝術的教育,還能夠幫助聽障學生加強多種自身能力的協調,強化他們的綜合能力。這使得聽障學生在聽覺存在障礙的情況下,能夠通過合理有效的訓練和學習,提高他們的綜合能力,幫助他們更好地融入社會,為他們成為對社會有用的人才奠定堅實基礎。
3.鍛煉意志
由于生理上的部分缺陷,聽障學生在家庭中常常受到額外的照顧,同時自身的不足又會在一定程度上影響他們的心理發展,因此自卑等脆弱意志就常常會出現在這些學生身上。
視覺藝術教育不僅是對視覺藝術品的欣賞,它同時還注重對視覺藝術品的創造。藝術創作的過程是一個千錘百煉的過程,畫好一幅畫,甚至為一個藝術品寫出相應的理解文字,都是一個創作的過程。這個過程本身需要不止一次的修正和完善,是在不斷的成功和失敗交替的過程中進行的。每一次細節的失敗,都磨礪著聽障學生的意志,而每一個微小的進步,又會激勵著他們前進。聽障學生就是在這樣的反復中不斷進步提高,從而形成更為完備的人格的。
藝術教育不同于其他的理論教育。藝術不是純粹理性的產物,它是感性與理性、想象與認知的高度統一。因此,視覺藝術教育并不是教師機械地從外界評論出發,向聽障學生灌輸相關所謂的藝術標準和評價結論,而是要引導學生學會欣賞進而學會創造。在進行視覺藝術教育的過程中,對學生的思想,教師不能強加約束和管理,要讓他們在掌握了欣賞和創造的基本方法的前提下自由想象和思考。莎士比亞只寫了一本《王子復仇記》,但是作為聽障學生的教師,卻應當允許每個聽障學生心中都有一個屬于自己的哈姆雷特。
總之,只有充分激勵學生去獨立體會、獨立欣賞、獨立創造,才能達到視覺藝術教育的最終目的。
關鍵詞：后現代主義；視覺藝術；數字插畫
近30年來，隨著數字娛樂產業的成熟與發展，游戲、影視概念藝術設計師極其作品逐漸進入大眾的視野，數字插畫師營造引人入勝的場景和風格各異的角色，通過游戲、電影、電子讀物等娛樂產品深刻影響大眾的文化觀念和審美取向，衍生出各種流行文化現象，“設定”已成為這個時代視覺文化產品最核心的價值。
回顧歷史，每一個時代技術的進步、文化的繁榮背后，都伴隨人類價值取向變化和思想觀念的革新，正如我們可以追溯文藝復興以來藝術發展階段背后的時代精神內核，當我們審視全世界范圍內數字插畫創作繁榮的現象時，如何理解這一潮流背后的文化根基？對于數字插畫在商業和文化上的成功，推動其發展的精神原力究竟為何？
任何藝術現象都產生于一定的社會文化背景之中。從歷史的角度看，后現代主義思潮以及后現代主義背景下的視覺藝術共同塑造了今天數字插畫的基本形態。
1 后現代主義背景下的數字插畫
后現代主義（post-modernism）大致產生于20世紀六七十年代，其思想影響到之后的哲學、政治、文學和藝術等多個領域，代表了資本主義發展晚期，商品生產極度泛濫下人類社會的種種精神狀態。
就藝術領域而言，后現代主義思潮對當代美術創作觀念的影響大致包括以下幾個方面：
1.1 價值多元化
利奧塔在《后現代狀況》一書中所述“后現代視域下，中心化的文化與社會已經一去不復返了，非中心化成為主要趨勢，總體性被局部決定化所代替，價值也必然呈現相對主義面貌”。
后現代主義主張消解意識形態對創作的影響，鼓勵價值多元，鼓勵創作形式的多樣化，拼貼、嫁接、戲謔成為常用的創作手段，“蒸汽朋克”“太空歌劇”“哥特文化”等當代流行文化中的藝術風格就帶有鮮明的剪切和嫁接特征。
1.2 文本空心化
后現代主義藝術家放棄文化理想的精神超越，如巴爾特（Roland barthes 1915 ～ 1980年）認為：“文本之外，別無一物”，藝術只是一種文本，文本背后沒有任何終極神旨和崇高追求。
后現代主義的藝術作品普遍放棄意指與表征的價值表達，注重文本本身的價值，這種價值更傾向于商業價值，如美國藝術家安迪?沃霍爾（Andy Warhol，1928～1987年）在《從A到B再返回，安迪?沃霍爾的哲學》所述，“善于經營商業是最美的一種藝術-賺錢是藝術、工作是藝術，好的商業是最好的藝術。”
1.3 審美泛化
流行文化與純藝術之間的邊界在后現代社會趨于模糊，藝術審美與對商品的崇拜高度融合，雷德里克詹 姆遜（Fredric R.Jameson）認為，在后現代社會，隨著商品侵入社會的各個領域，文化在被商品化同時，也被取消了它以往作為高雅文化對世俗文化的優美感的生產已經完全被吸納到商品生產的總體過程之中。
2 視覺藝術之于數字插畫
視覺藝術，從宏觀的角度來理解，應是指人類創造的，一切以物質材料為手段的為人觀看的直觀藝術形象的造型藝術，本文討論的視覺藝術，特指在經歷后現代主義藝術思潮沖刷之后，與裝置、行為等“觀念性”藝術分道揚鑣的各類大眾藝術，例如街頭涂鴉、動漫藝術、時尚設計等，它們共同構成后現代主義視覺文化中最活躍的藝術形式。
當代視覺藝術上承20世紀初的“新藝術運動”，下接20世紀80年代的“新繪畫”運動，糅合了當代科技、工藝美術以及繪畫等多種表達方式和表現手段，是藝術與商業、藝術與科技、繪畫與設計等多個領域的結合，自新世紀初以來，伴隨數字藝術家（概念設計師）這個群體的成長，影響力逐漸擴大，是當代創意文化及創意產業的核心力量。
如前文所述，當代視覺藝術觀念深受后現代主義思潮的影響，創作素材和視覺風格多元化，國內的數字插畫師作品，既有唯美寧謐的風格的畫家如劉遠、莫娜等人，帶有 “新藝術運動”代表人物阿爾豐斯?穆夏和古斯塔夫?克里姆特等人某些視覺風格；也有將中國傳統繪畫元素融入當代插畫創作的畫家，如吳洋、張旺等，善于利用古典形象符號完成當代的視覺解構，將古典繪畫意趣與ACG文化共冶一爐。
由于擯棄了語義表達，數字插畫更追求視覺效果表現，觀眾的審美體驗發生變化，個人審美態度、情感和價值觀在數字插畫審美過程中不占主要因素，更傾向于引導觀眾走向審美體驗的疏離，熱衷于營造視覺奇觀。這也寓示著當代流行文化中經典欣賞習慣的消亡和快餐式審美方式的興起。
綜上所述，后現代主義視覺文化中的數字插畫形態，有以下幾個特點：
第一，創作觀念上追求外在視覺元素的表達，創作手段呈現零散性、拼貼性、解構化。如數字插畫師在創作中對古典主義繪畫技法和視覺語言的借鑒，對中外傳統紋飾和民族風格的吸收，卻意在創造一個與古典文化精神毫不相干的新的視覺符號。
第二，傳播上的特點：數字插畫的傳播，很少體現出傳統繪畫中畫家與作品那樣的關聯性，畫家的知名度對畫作的藝術價值影響有限，數字插畫在伴隨產品的傳播中實現其審美價值，跨平臺、飽和傳播成為作品與欣賞者建立聯系的方式，由于模糊了原創者這個概念，數字插畫在傳播過程中極易被盜版、借用或再創作，由此產生一系列版權糾紛和著作權糾紛等問題。
第三，對視覺奇觀的極致追求，推動了數字視覺藝術創作對人類一切審美圖式營養的吸收，這種基于圖像消費為動力的創作動機，也的確正在推動數字插畫創作從商品走向真正具有獨立價值的藝術形式。
3 總結，作為文化現象的數字插畫
到目前為止，數字插畫的藝術價值和文化影響力都是依附性的，這種依附包括以下幾個方面：
第一，數字插畫作為一種工具性繪畫，其價值往往依附于服務對象，一定程度上功能性大于藝術性。
第二，文化內核的依附性，依附于西方商業流行文化，創作主題和風格高度套路化，全球創作主題的高度雷同。
第三，依附于商業社會和數字娛樂產業的土壤，文化的原生能力和動力不足，限制了當前數字插畫師藝術潛力的發揮和個人藝術修養的提高。
數字插畫誕生且成長于20世紀，其文化價值在這個視覺爆炸的時代，仍處于探索中。如同電影之于20世紀，從雜耍走向“第七藝術”電影的藝術風格需要電影工作者在探索與實踐中發掘與完善，以歷史的尺度來丈量當今的數字插畫熱潮，我們有理由對其文化藝術潛力保持樂觀與信心。
參考文獻：
[1] 尼葛洛龐帝（美）.數字化生存[M].胡冰，范海燕，譯.三亞：海南出版社，2002.
